Les U.S.A. contre John Lennon - David Leaf & John Scheinfeld (2008)

Documentaire produit en 2006 mais à peine sorti cette année dans un réseau de salles limité, Les U.S.A. contre John Lennon est un film instructif sur les bouleversements socio politiques apparus aux Etats-Unis entre 1966 et 1976 et surtout sur les réactions de la pop star installée là-bas depuis 1971. Côté contexte, rien n’est oublié : guerre du Viet Nam, manifestations, Black Panthers, Watergate… tout y passe, comme si Lennon s’occupait de la psychanalyse de l’Amérique. Position anti chrétiens, anti racistes, anti guerre, union controversée avec Yoko Ono, le plus rebelle des Beatles ne s’est pas fait que des amis là-bas, on le sait. Jusqu’à son assassinat en 1980 aux pieds de son domicile, Lennon aura été sujet de controverse. Ses accointements avec les radicaux Jerry Rubin, Bobby Seale ou John Sinclair lui rapportent d’être surveillé par le F.B.I., normal quand on connait la paranoïa de ce gouvernement. Et c’est d’ailleurs un peu le faux scoop de ce documentaire qui bien qu’honnête tire des ficelles bien trop évidentes et évite les sujets qui fâchent (arrêt de l’engagement politique contre la fameuse carte verte). David Leaf et John Scheeinfeld (spécialistes du docu avec des réalisations sur Pete Sellers, Bob Hope, Dean Martin, les Bee Gees…) sont apparemment des fans de Lennon et ça se sent.

Cependant rendons à César ce qui lui appartient, Les U.S.A. contre John Lennon contient son lot d’images d’archives toutes plus savoureuses les unes que les autres. Il y a les sérieuses, sur Nixon, Hoover ou le Viet Nam, agrémentées par les commentaires du journaliste Carl Bernstein ou du vétéran Ron Kovic (souvenez-vous, Né un 4 juillet c’était lui) et les franchement humoristiques, comme la conférence de presse donnée sous un drap (et qui rejoint le débat actuel du CV sans photo) ou le passage sur l’hirsute John Sainclair (qui se commente lui-même dans le film) condamné puis relâché pour avoir proposés deux joints à une policière en civil (sic). Quant à l’émotion, c’est Yoko Ono qui l’apporte lorsqu’elle décrit ces années de bonheur mais que l’on sent arriver l’inéluctable. Sans oublier cette scène insurmontable d’autodafés de disques des Beatles lorsqu’ils se mettent les américains à dos en déclarant être plus connus que Jésus. Que de beaux vinyls sacrifiés au nom de quoi ? D’une boutade ? Je vous le demande ?

D’autres séquences sont fascinantes, comme ces bed-ins organisés par le couple ou comment afficher son engagement antimilitariste en restant au lit pour prôner la paix. Car c’est cela le thème principal de ce film finalement, la paix, si simple à obtenir si l’on écoute John, le Peacenik comme on l’appelle. Et c’est là qu’intervient la musique dont je n’ai même pas encore parlée. Jamais je n’avais remarqué la naïveté des textes de Lennon durant cette période : "Imagine", "Give peace a chance", "Power to the people", "Working class hero" et pourtant ce sont tous des hymnes imparables, des chansons intemporelles écrites comme on ferait ses lacets, avec une facilité déconcertante. Et là, malgré le côté trop arrangeant du film, on se dit que ce gars là avait vraiment quelque chose d’exceptionnel, et on se met à envier les journalistes des images d’archives qui assis en tailleur autour du lit du Monsieur l’écoutaient prôner la paix en chanson. Ca ne devait pas avoir de prix. Peace !

A lire aussi : Across The Universe - Julie Taymor (2007)

La bande annonce en VO et "Give peace a chance" autour du lit :

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Wire - Object 47 (2008)

Véritable oeuvre postmoderne que ce nouveau Wire, qui prend tout simplement pour titre le nombre le référençant chronologiquement dans sa discographie.

Beaucoup plus consistant en temps qu'entité album que le précédent Send de 2003, qui était surtout la réunion aléatoire des deux EP Read And Burn 1&2, le nouveau Wire l'est ! Les premiers pressages offrent en sus, et pour la première fois, le copieux troisième volet de la série Read And Burn, en vinyle.

Sur une rythmique martiale et qui n'est pas sans rappeler les plus récents New Order, pour ce qui est de l'alliage efficace entre basse et batterie, le très nerveux "One Of Us" ouvre l'affaire. Bien que réduit à un trio comme au temps de Wir, son ancienne déclinaison des 80's, et amputé de son guitariste rythmique Graham Lewis, le groupe légendaire de la new wave post punk arty déploie une énergie non feinte pour arriver à ses fins : celle d'un orchestre qui entend bien prouver à tous les plagiaires entrevus depuis une décennie qui sont les véritables dépositaires de ce son rentre-dedans, parfois syncopé.

Si l'on ne reconnaît pas au premier abord le timbre de Colin Newman, forcément plus grave que naguère, il y a bien cette morgue, ce mordant qui du bout des lèvres, viennent rappeler sur des textes qui se veulent incisifs ("One Of Us", "Circumspect", "Are You Ready?") l'ancien cockney énervé.

Robert Gotobed, (re)devenu Grey avec les années, assène sans coup férir, un rythme de charge. La production ample et réverbée est à l'avenant. Sans tout révolutionner, Wire se fait simplement fort de sonner pêchu, de ressortir les ambiances glaciales ("Four Long Years", "Mekon Headman") et de sonner plus libre, plus "in" que jamais.

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En bref : une nouvelle pierre à l'édifice d'une discographie sans faille. Loin de ressasser ou de radoter comme nombre de ses frères d'armes new wave, Wire montre qu'il est encore un groupe moderne sur lequel il faut compter.

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En bref : une nouvelle pierre à l'édifice d'une discographie sans faille. Loin de ressasser ou de radoter comme nombre de ses frères d'armes new wave, Wire montre qu'il est encore un groupe moderne sur lequel il faut compter.



le clip de "One Of Us"

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The Black Angels - Concert à l’Espace Tatry (06/12/08)

Le temps serait-il au psychédélisme? Une semaine après le festival IAO au CAPC, c’est l’Espace Tatry et l’association Allez les filles qui accueillent l’un des grands noms modernes du rock sous narcotique. Plutôt rare sur le territoire français, le combo américain d’Austin Texas est sans doute de passage ici pour promouvoir Directions to see a ghost son album 2008, leur deuxième après le très remarqué Passover en 2006. Annoncés comme les dignes héritiers du Velvet Underground (qui leur ont inspiré leur nom), du 13th Floor Elevators (leurs voisins texans) et du Pink Floyd période Barrett, les anges noirs doivent affronter ce soir un public venu en masse et surtout chaud comme la braise (Bordeaux qu’est-ce qui t’arrives ?).

Mon intention en venant ici je l’avoue était de découvrir grâce au live un peu plus que ce que j’avais trouvé sur disque, qui sans aucune fausse note manquait un peu d’originalité. Première surprise en découvrant la scène si dépouillée contrastant avec l’univers visuel chargé de la bande. Bonne nouvelle, une fille (Stéphanie Bailey) est à la batterie et s’en sort pas trop mal, elle fait le boulot comme on dit. Les guitaristes aussi. Mais l’étoile qui irradie la scène est bel et bien Alex Maas le chanteur. Sosie de barbe, de voix et de prestance (enfin presque) de Mr Jim Morrisson himself, la ressemblance est d’ailleurs troublante, jusque dans la diction et finalement même dans la musique, qui évoque les moments les plus psychédéliques des Doors ("The end"). Sans compter sur cette réverb étrange qui "fantomatise" la voix, brrr ça fait froid dans le dos.

Moins glauques et glacials que les Psychic Ills (ils jouent finalement dans la même catégorie, mais avec en plus un chanteur dont on comprend les paroles) mais plus teigneux et, lâchons le mot, accessibles, les Black Angels provoquent la même transe électrique estampillée fin sixities mais avec quelques motifs mélodiques en plus. Motifs d’ailleurs difficilement reconnaissables eu égard à une sono pas très agréable et vraisemblablement mal réglée donnant l’effet de réentendre trop souvent la même chanson. N’empêche que "Young men dead", "Black grease" ou "You on the run" pour parler du dernier album font leur petit effet. Anton Newcombe devrait surveiller ses arrières. Les Black Mountain ont par contre encore un peu d’avance.

Le Myspace

A lire aussi : Aqua Nebula Oscillator - S/t (2008)

Sniper at the Gates of Heaven" et "Young men dead" en live :



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Danielson - Ships (2006)

Je vous avais parlé il y a quelques jours de la densité inouïe du Wowee zowee de Pavement qui déjà en 1995 flirtait avec la saturation d’informations. Onze ans plus tard, les temps changent, les folkeux à barbe (Devendra Banhart, Bon Iver, Palace, Destroyer…) ont remplacé les branleurs à chemise à carreaux sur le devant de la scène indé. Ca se passe toujours au pays de l’oncle Sam, et le chef d’orchestre de cet autre disque plein jusqu’à la gueule se nomme Daniel Smith. Sommité de la dite scène, vous avez peut-être déjà croisé son chemin sous les pseudonymes Brother Danielson, Danielson Famile ou Tri-Danielson, le jeune homme ayant l’incestueuse tendance d’embarquer sa famille dans l’histoire. En 2006 il va plus loin que ça en convoquant dans son studio de Clarksboro amis et anciens collègues "de boulot" pour donner vie à ce qu’il aura mis plus de deux ans à écrire. N’ayant que la surenchère comme sacerdoce, ce sont pas moins de 34 musiciens qui ont répondu à l’appel de la forêt, dont les noms les plus connus (Sufjan Stevens, Josiah et Yoni Wolf, Steve Albini, Deerhoof) devraient suffire à titiller la curiosité de tout folk freak digne de ce nom.

Ships en ce sens fait office d’arche de Noé du folk indé, récupérant à son bord tous les ingrédients nécessaires à sa salvation. Toutes voiles hissées, les onze titres qui en découlent impressionnent et forcent le respect. Tout comme dans le St Pepper’s Lonely Hearts Club Band de qui vous savez, le projet est massif et l’hystérie collective. Ca part dans tous les sens et du déluge sonore qui semble sans ordre convenu émergent dans de nombreux instants de magie des mélodies contagieuses. Je vous entends venir, Danielson n’est pas les Beatles et son ambition n’est pas aussi pop. Et il faut s’accrocher au ponton pour pouvoir suivre ces digressions tout azimut. Changements de rythme, instruments maltraités, breaks inattendus, chant à la limite du suraigu, la tempête bat son plein. Et si le premier voyage peut donner le mal de mer, les suivants ne seront plus que jouissance contagieuse.

Tout en rupture et contrastes, Daniel Smith dirige instruments à vent en veux-tu en voilà, instruments jouets, chœurs de maternelle, glockenspiels et autres bizarreries en autant de titres voguant entre pop théâtrale et folk forain. Du déjà vu me direz-vous. Peut-être mais avec ce je ne sais quoi en plus, qui fascine et ensorcelle à chaque écoute. Parmi les sommets de ce disque, laissez vous aller à découvrir "Ship the majestic suffix", "Bloodbook on the half shell" ou "Five stars and two thumbs up". Si vous êtes pressés, contentez-vous de "Did I step on your trumpet", simple chef d’œuvre qui ne me rappelle à rien d’autre. Croisement total des genres, emphase, chœurs, final explosif, sensationnel ! C’est pas pour dire mais Pitchfork avait noté cet album 9,1. Ca ne veut rien dire mais bon, quand même… A noter que Danielson est revenu cette année avec Trying hartz, une double compilation à laquelle je n’ai pas encore jetée l’oreille.

En bref : Manifeste freak folk d’un artiste à son sommet. Difficile d’accès mais véritable caverne d’Ali baba pour ceux qui y reviennent.

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Le site officiel et le Myspace du garçon

A lire aussi : The Decemberists - Picaresque (2005)

Bien évidemment, le clip de "Did I step on your trumpet" :


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Danger - First EP (2007)

Je l'avoue bien volontiers, chez moi, le couperet tombe facilement. Aussi, avais-je rapidement classé le nouveau venu cagoulé Danger (à prononcer en français) au rang des indésirables, suite à son insipide et vulgaire remix du titre transi des Midnight Juggernauts « Into the galaxy » (lire la chronique). Autant pour moi, le gône a d'autres ressources, comme le prouve son premier maxi sobrement nommé First EP, sorti l'an passé sur le jeune label parisien Eckler'o'shocK (DatA, Terry Poison...) et malheureusement aujourd'hui quasiment introuvable. Reste, magie de notre époque, sa page myspace pour se rattraper.

Le premier jet de ce Lyonnais de 25 piges n'est pas tout bon, autant le dire d'emblée. Fashion à mort et racoleur, et éprouvant dans l'ensemble, il renoue cependant avec un son qui, quoique déjà légèrement suranné, nous rappelle aux belles oeuvres de maisons telles qu'Ed Banger, Kitsuné ou plus récemment Institubes. A savoir, des titres électro dévastateurs, breakés et sur-saturés, littéralement façonnés pour vandaliser le dancefloor. Et fortement propice à la tectonique ! Et oui, les gars...

Des trois morceaux originaux présents sur le maxi, un remix de DatA venant compléter le tout, « 14h54 » se détache incontestablement. Partageant avec ses voisins une ambiance sombre collant parfaitement avec les choix visuels de l'artiste (des pochettes énigmatiques au prestations live la tête encagoulée), ce titre séduit par son orientation plus dansante et son thème catchy. Articulé autour d'une ligne de synhétiseurs diablement saturés, il dicte à nos organes une transe noire et compulsive, claquant son beat frénétique sur nos joues et tympans. Dans le registre on se souvient, pour le meilleur, du trépidant « Pulse » de Digitalism, titre oublié de l'album Idealism. Pour le moins bon, l'on s'approche des sonorités des compères canadiens de Mstrkft (The looks en 2006), dont un dénommé Dice Jr nous avait joliment parlé jadis.

Bien qu'enclin à quelques compositions et remixes cheapos, « American boy » d'Estelle (!) en particulier, Danger envoie globalement une putain de purée d'enfer, revigorante et libératrice. « 11h30 », un autre titre de l'EP, avec ses voix mutines, ses basses tubulaires et ses incontournables synthés n'épargnera personne également. L'exercice de l'album et l'expérience de la durée seront certainement plus difficiles pour le Lyonnais, du reste il aura déjà livré quelques jolies fessées électroniques à tout le monde.

A noter, Danger jouera au Rex le 2 janvier prochain, après un « Japan Tour » de quatre dates en décembre.

En bref : Un premier maxi réussi, contenant quelques belles claques de house, à la fois trendy et obscures, assénées à grands coups de synthés et de saturation. Approchez-vous, vous avez bien mérité une petite correction...

14h54.mp3

11h30.mp3

Le myspace de Danger et le site web d'Eckler'o'shock.

A lire aussi : DatA - Rapture EP (2008) et Midnight Juggernauts - Into the galaxy EP (2008)

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Osunlade - Elements beyond (2008)

Bon nombre d'entre vous ont certainement déjà flirté avec la musique d'Osunlade, consciemment ou non. Depuis une dizaine d'années, cet artisan éclairé d'une house raffinée et métissée, collaborateur notamment de Roy Ayers et Cesaria Evora, distille sans faiblir ses jolies pièces électroniques pour les plus fameux labels de la famille digitale (Strictly Rhythm, Soul Jazz Records, K7!, Versatile...).

Paradigm et Aquarian Moon, en 2001 et en 2006, furent l'illustration, sur long format, des belles dispositions du monsieur. Ses productions, lorgnant par moment du côté de la deep house, se distinguent par une classe incroyable mais surtout par un sens inné du groove. Nourries d'influences « black », elles rayonnent et éblouissent, irresistibles invitations à l'élévation spirituelle aussi bien qu'aux dandinements du dancefloor. Arrangements électro, soul, funk, jazz y fusionnent, en parfaite synbiose.

Elements Beyond, dernier disque du New Yorkais, sorti en 2007 aux States et parvenu dans nos contrées cette année par le truchement de D:Vision, poursuit son oeuvre bienfaitrice sur Terre. Sans réellement se distinguer des autres LP, il ne laisse cependant transparaître aucune faiblesse et s'avère un piège imparable pour tout amateur de house délicate et richement instrumentée. Il révèle également une pure balle, “My reflection”, récemment éditée en maxi.

L'album s'ouvre avec “A cloud mist” et ses basses appuyées. Plage ambiante, soutenue par d'intermittents errements vocaux quasi-tribaux, une ligne de percus efficace et de délicieux jaillissements de violons, elle n'autorise aucune tergiversation. Nous sommes bien à l'écoute d'une galette griffée “Osunlade” et cet incipit goûtu laisse d'ores et déjà présager d'une livraison de qualité. “A monk's tear” confirme, dans un style plus aérien et mystique, cette première impression. Comme à l'accoutumée, l'Américain décline une large palette de percussions africanisantes, agrémentée d'incursions soul, jazz ou funk. Ici, des accords groovy de guitares électriques.

Le musicien raconte en interview qu'il fût bercé enfant par le titre “Rapp payback” de James Brown (écouter sur Deezer) puis bouleversé, durant l'adolescence, par “Controversy” de Prince (écouter). On ne peut en douter à l'écoute du très funky et très justement nommé “Momma's groove”, cinquième titre du disque. Ambiance live, grosse voix soul, ligne de basse wah wah irrésistible et solo de sax', tout est là. La constante demeure une nouvelle fois l'emploi extensif et judicieux de djembés, accordant encore davantage de chaleur à cette succulente track. Le terrain est idéal pour l'entrée en piste de la pièce suivante, “My Reflection”, inconstestablement un des sommets d'Elements Beyond.

Par ses parties chantées soulful et mélodiques, et en particulier l'utilisation d'une voix féminine (la poétesse américaine Divine Essence), ce titre de house capitonnée s'incrit d'emblée dans la lignée des productions Strictly Rhythm des années 90 (Masters at work, Ultra Naté, DJ Pierre...). Ses boucles rythmiques incessantes, truffées de breaks et accompagnées de furtifs riffs de guitares, donnent néanmoins à l'ensemble un vernis plus contemporain. Le groove d'Osunlade est toujours présent et l'exercice de séduction se diffuse tel un fluide dans nos veines. Et l'on se dit alors qu'il est si bon de retrouver les inspirations des anciens, la fraîche beauté et le confort des luxueuses productions house des 90's, trop souvent injuriées de “commerciales”.

Luxe et confort, Osunlade les perpétue au fil de ses dix titres, dans un registre house vocale mâtiné des rayons grisants d'un soleil d'Afrique ou d'Amérique latine. Pour autant, il ne délaisse pas ses penchants deep. En témoignent les dix minutes trente de plongée de “Frequencies” ou la lanscinante, quoique toujours funky, “Queen's battle”. La messe du seigneur new yorkais est dite. Le compositeur signe là un album tout aussi réussi qu'indispensable pour éclairer les soirées de ce triste début d'hiver.

En bref : Le New Yorkais Osunlade parfait sa belle discographie house. Il délivre un nouveau récital électronique truffé d'inspirations “black music”, au fort parfum d'Afrique, confirmant ainsi son incroyable sens du groove. Hautement recommandable, tout comme ses précédents albums.

Momma's groove.mp3

A monk's tear.mp3

Le myspace d'Osunlade

A lire : section house

Le clip de « My reflection » :

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Cat Power - Dark End Of The Street (2008)

Comme pour alimenter un récent débat sur la mort du CD, Cat Power revient avec un EP uniquement distribué en vinyl (deux 10” au tirage limité) et en version mp3. Après un Jukebox élégant mais un poil rébarbatif sorti en janvier dernier, celle qui réside désormais à Miami persiste dans la reprise de standards du rock et du rythm n’blues avec ce Dark End Of The Street à paraître le 9 décembre, toujours sur Matador. Sans surprise, les 6 titres confirment la métamorphose de la belle, passée du statut d’égérie maladive et alcoolique du folk/rock indé à celui d’une diva soul en pleine possession de ses moyens.

Le constat est ici assez similaire à celui de Jukebox. L’efficacité des musiciens du Delta Blues Band n’est pas à remettre en cause, ni la voix sublime de Chan, toujours aussi enfantine lorsqu’elle monte dans les aigus. La sélection des morceaux, de la soul d’Aretha Franklin au punk-rock celtique des Pogues, s’avère également séduisante et variée. Mais une question brûle très vite les lèvres : qu’apportent ces covers aux versions originales ? Pas grand-chose, à l’évidence. Car les aspérités des compositions sont gommées par un traitement sudiste au rendu soporifique convoquant quasiment à chaque fois piano, orgue et violons. L’exception qui confirme la règle se nomme “Fortunate son “, dont la relecture apporte une lumière intéressante sur ce tube antimilitariste archi-connu de Creedence Clearwater Revival en le réduisant à sa portion congrue. Le morceau devait à l’origine figurer sur Jukebox, au même titre que “Dark End Of The Street”, un classique soul de James Carr déjà repris mille fois. Quant à la fragile et hésitante “Who Knows Where The Time Goes By” de Fairport Convention, elle ressemble tant à une composition de Cat Power que l’on pourrait s’y laisser prendre. Pour le reste, je préférerai toujours écouter la superbe ballade qu’est “I’ve Been Loving You Too Long (To Stop Now)” de la voix même d’Otis Redding, ou laisser à la divine Aretha son “It Ain’t Fair”, en attendant que Chan Marshall daigne nous composer quelques nouveaux morceaux.

En bref : Cat Power pourrait chanter n’importe quoi et le rendre sexy, certes. Mais si, la prochaine fois, elle nous refait le coup des reprises, si belles soient-elles, on va commencer à croire à une panne d’inspiration.

Cat Power - Fortunate Son (Creedence Cover).mp3

Sa page Myspace
Le site de son label Matador

A lire aussi : la chronique de son concert au Bataclan en janvier 2008
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Festival IAO - CAPC Bordeaux (28/11/08)

Le weekend dernier à Bordeaux s’est déroulée une grande première pour la ville et son activité culturelle : une exposition ambitieuse sur trois jours autour de la culture psychédélique passée et présente. Le nom ? IAO en référence au célèbre mantra de Gong. Le lieu ? Le magnifique entrepôt du musée d’arts contemporains qui avait déjà accueilli au printemps denier une rafraichissante expo sur Brian Wilson et ses boys. Mêlant habilement installations, scènes et sculptures grâce à la collaboration de l’artiste Lili Reynaud Dewar, ce rassemblement d’archives, d’objets et d’œuvres droguées n’a pas manqué de spectaculaire. Jugez-en plutôt : le cadre déjà, avec ses voûtes religieuses et monumentales, mais surtout le décor, avec deux yeux psychédéliques de plus de vingt mètres de haut se réfléchissant dans des murs de miroirs disposés ici ou là, vraiment impressionnant, je n’ose imaginer ce que ça aurait donné si j’avais consommée une omelette magique avant de venir.

Passée la phase d’observation et d’appropriation de l’espace, il va bien falloir écouter les concerts, c’est un peu pour ça qu’on est là. D’autant plus que la programmation de ce premier soir est des plus excitantes. Pour commencer, dès mon arrivée, c’est le quatuor new-yorkais Pyschic Ills déjà introduit par Nickx qui m’accueille en fanfare. Enfin en fanfare pas vraiment non plus, plutôt en très longues plages ambiantes aux sons répétitifs et chaotiques. Les quatre chevelus (dont une) ressemblent plus à des ados dépressifs qui regardent leur pieds en marmonnant qu’à un groupe de rock de stades. Paroles indiscernables, drones, effets noisy, pas de doute, c’est bien de psychédélisme qu’il s’agit. Pour le coup, la musique lysergique prend tout son sens. J’aurais peut-être du me la faire cette omelette finalement.

La suite des festivités change de scène et donne lieu à de très belles projections (avec matériel d’époque) faites à la main, assez inexplicables en fait, mais qui confèrent à l’endroit un caractère… psychédélique, encore. Et quel meilleur cadre pour la prestation croisée de l’ancienne et de la nouvelle garde du psychédélisme français que le duo Romain Turzi / Tim Blake (photo)? L’anglais installé en France que l’on ne présente plus (Mr synthés, Crystal Machine, ancien de Gong, ancien de Hawkwind…) a plutôt bien vieilli et fait bien plus que tenir la chandelle au jeune parisien. Leur show, où l’on entend enfin une batterie (n’est- ce pas Psychic Ills ?) sera le plus accessible aux non drogués de l’assistance, qui d’ailleurs s’apparente plus au lectorat de Télérama qu’à une quelconque génération de néo hippies.

Plus tard dans la soirée, le duo lillois Principles of geometry apporte sa touche synthétique et analogique au spectacle pour une électronica qu’on a trop souvent rapproché de celle de Boards Of Canada. Plus proches d’une électro traditionnelle (enfin presque), ce sont eux qui nous arracheront le plus de mouvements sur la piste.

L’événement, qui s’est ensuite poursuivi les deux jours suivants avec notamment la présence de Sonic Boom (Spacemen 3) souhaitait présenter la troisième génération psychédélique (après la première que tout le monde connait, et la seconde apparue fin 80’s avec les claviers) mais surtout souligner l’hypermodernité du psychédélisme. Mais que tout le monde se rassure, même à la sauce XXIème siècle, le psychédélisme est toujours aussi sombre, méditatif et hypnotique. Regardez-moi dans les yeux et à 3, croyez-moi.

Le Myspace de l’événement

A lire aussi : Interview - Turzi et Psychic Ills - Dins (2006)

Sonic Boom en vidéo. Ca ressemblait un peu à ça :

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Sebadoh - Harmacy (1996)

Admirable calembour qui venait à point nommer clôturer de belle manière une décennie ou presque - un ultime et inutile album viendra s'ajouter 3 ans plus tard- de la carrière de Lou Barlow via le plus intéressant de ses projets.

Accompagné de son fidèle Jason Loewenstein, l'ex-transfuge de Dinosaur Jr, réussit à broder une collection de 19 morceaux dont le partage, pas forcément équitable, s'établit comme suit : les ballades folk électrifiées délicates et intimistes pour Lou, les brûlots rageurs et débridés à chant guttural pour Jason.

C'est le très joli et en demi-teinte "On Fire" qui ouvre l'album. Là sur un tempo assagi, et un tapis de guitares mélancolique, la voix enrubannée de Barlow n'est pas sans évoquer celle de Nick Drake. Où dans un registre beaucoup moins rentre-dedans que ses devanciers, les plus belles réussites se nomment entre autres "Nothing Like You", "Beauty Of The Ride", "Willing To Wait", ou encore l'admirable "Too Pure". Tandis que Loewenstein vient lui opposer les violents et âpres "Crystal Gypsy", "Zone Doubt", "Love To Fight" ou autres "Worst Thing" qui fleurent bon le Sebadoh ancienne formule, celui délibérément lo-fi du fantastique III (1991).

Quelques instrumentaux parsèment aussi ce disque bicéphale ; tous portent la marque de fabrique des débuts : le boucan de "Sforzando !" qui n'est pas sans rappeler le manifeste du groupe "Gimme Indie Rock" ; dans le même esprit, il y aussi "Hillbilly II", ou encore la narration laid-back de "Weed Against Speed".

En haut de ce très indiscipliné attelage, trône Bob Fay, batteur-monsieur Loyal qui flaire l'embrouille, et le dispute à Loewenstein sur le très énervé "I Smell A Rat" , reprise des Bags du Massachusetts (et non des géniaux Bags de L.A.) qui clôt le 7ème album du groupe.

Après un long hiatus Sebadoh allait revenir aux affaires ; ainsi la reformation de Dinosaur Jr n'aurait duré qu'un temps ; Lou Barlow étant sans doute définitivement cette fois-ci vacciné de l'esprit despotique et des cheveux filasses et crades de Jay Mascis. C'est un bon point pour la musique indé tant il est vrai que les deux groupes de Boston ont toujours plus valu par leur entité parallèle que par la somme de leurs parties.

Et on continuera encore et toujours d’adouber le versant mélodique de cet oiseau-là tant il est vrai que Sebadoh est son terrain d’expression personnalisé. 

En bref : l'un des très bons disques d'un genre, le lo-fi, terminologie absconse qui ne l'est plus tout à fait. Déjà expert d'un son plus doux avec The Folk Implosion et Sentridoh, Lou Barlow démontre que Sebadoh est bien l'arbre qui comptait dans une forêt comptant entre autres Pavement, Dinosaur Jr ou Silver Jews.

"On Fire"

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Jane's Addiction - Ritual De Lo Habitual (1990)

 "Señoras y señores....... Juanas Addicìon !"

Dans la série, albums à pochette-statuette, voici une nouvelle pierre. Encore que celle-ci n'a que très peu été du goût des censeurs américains, ces grands prudes fondamentalistes, qui, depuis les riantes années reaganiennes, font apposer sur les disques différents stickers : qu'ils s'intitulent Parental Advisory Explicit Lyrics ou May Contain Offence.

L'objet du délit ? Tout simplement Perry Farrell, le frontman des Jane's Addiction représenté nu comme un ver en compagnie de sa petite amie et de leur maîtresse au lit. Ce délicat hommage au triolisme n'eut ainsi pas l'heur de plaire aux sénateurs US, qui dans un bel élan et assistés de leurs femmes bigotes, firent en sorte d'interdire la pochette incriminée - comme des centaines d'autres ! Celle-ci eut ainsi droit à un deuxième habillage, curieusement plus dur à dénicher, d'une blancheur immaculée, avec pour seul texte, celui du 1er amendement de la Constitution américaine relatant... la liberté d'expression. Foin de ces considérations moralisatrices à la mords-moi-le-noeud, parlons à présent du disque, l'un des plus marquants, l'un des plus virulents du hard core américain du début des 90's. Et également l'un de ses plus intrigants musicalement.

Menés par un hurleur à la voix suraiguë et un bretteur magnifique, Jane's Addiction propose sans le savoir encore son chant du cygne, avec cet album, le 3ème et ultime, avant la reformation. Sur des bases rythmiques martelées façon heavy, la première moitié du disque conjugue avec bonheur et parfois avec une certaine complaisance, une brochette d'hymnes à la gloire de l'adolescent slacker, du genre abhorré de tous : le glando en skate, casquette et bermuda, qui écoute d'ailleurs d'abominables groupes rap hard core eux mêmes portant casquette et bermuda. Dont le représentant le plus emblématique reste sans doute le combo des affreux Red Hot Chilli Peppers, avec qui JA évoluera de façon quasi incestueuse, se partageant notamment le brillant guitariste Dave Navarro.

Dès "Stop !", c'est la ruée dans les brancards : rythme échevelé, aucun répit, des décharges d'électricité laissant l'auditeur pantelant ! Jusqu'à "Ain't No Right" via un "No One 's Leaving" et sa basse démente, on en redemande. Après, pour les deux morceaux restant de la face A, et notamment du très crétin "Been Caught Stealing" et ses très réalistes aboiements de chien, on demande grâce. Un peu ce qu'on ressentirait à l'écoute d'une impro hurlée de The Offspring.

Bien, qu'est-ce qui fait alors que l'album bascule ? Et d'un bruit certes jouissif mais éreintant, en arrive à tutoyer des sommets musicaux ? L'explication trouve simplement sa source en terme de changement de face, vous savez ce truc vaguement conceptuel qui faisait que pendant longtemps, les groupes résonnaient en terme de moitié/moitié dans la confection de leurs albums.

Ainsi, tout démarre ou plutôt, se met à décoller de manière vertigineuse par l'entremise d'une face B à couper le souffle, et où paradoxalement le tempo connaît moins de soubresauts. Conçue en fait comme une véritable suite, à la manière de certaines faces B à l'ancienne, la flip-side de Ritual... donne à écouter la bande-son d'un mausolée sous fond de rock prog mâtiné de métal saupoudré de folklore, on ne sait plus trop. Les ...Trail Of Dead s'en souviendront, qui dans leur semi-réussi Worlds Apart ( 2005) recréeront à l'occasion certaines voies musicales de ce disque.

Tout (re)commence donc avec "Three Days", ode à une amie overdosée. Telle une ballade se déclinant en plusieurs mouvements (Radiohead n'a vraiment rien inventé, qu'on se le dise !), le morceau évolue peu à peu dans un maelström sonore louchant vers le hard, vers le prog, la musique liturgique, sensation assez étrange d'un fourre-tout génial. Beaucoup plus étirée que n'importe quelle chanson de la face A, "Then She Did..." poursuit sur la même voie mortifère, en accentuant encore davantage la dualité apaisement/déflagrations pour s'achever en un inévitable chaos. "Of Course" poursuit l'hommage dans un curieux background musical faisant ressortir les origines juives de Farrell, par de très plaintifs violons tziganes d'une mélopée qui vous pénètrent et semble ne jamais s'achever.

Ces trois coups de boutoir sont parachevés par une magnifique ballade qui est comme une oasis dans le tourbillon sonore venant d'être édifié sur près d'une demi-heure, à travers la

En bref : véritable uppercut le temps d'une dantesque face hardcore, Ritual De Lo Habitual bascule soudain dans une dimension autre, mi prog, mi rock des stades, qui lui confère le caractère épique de certains classiques des 70's.

Relire la chronique de Trail Of Dead

"Three Days" en écoute :

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Interview "Etre disquaire en 2008" - Martial de Total Heaven Bordeaux

Troisième étape et non des moindres de notre tour d’horizon des disquaires français, Dodb arrête sa caravane à Total Heaven, disquaire indépendant et intègre depuis 1996. Martial, véritable sommité bordelaise, batteur des Victory Hall, animateur sur Nova Sauvagine, Weenophile averti, Martial Jesus Selector pour les intimes, revient avec nous sur l’état de l’industrie du disque, sur son métier de disquaire, et surtout -on le sent bien- sur sa passion pour le vinyle, les beaux objets et la musique.

Comme on l’entend ici ou là, le cd est-il vraiment mort ?

Pas encore, il ne faut pas charrier, mais il est plutôt moribond, oui... Si j'étais méchant je dirais que ses créateurs, Sony et Phillips, n'ont que ce qu'ils méritent... Ils font un peu pitié à venir pleurer comme des enfants (même s'ils ne font désormais qu'un tout petit peu moins de chiffre d'affaire qu'auparavant). Pendant 20 ans les majors se sont goinfrés en ayant réussi à convaincre le grand public que les vinyles étaient obsolètes et que le cd était le seul format valable. On sait aujourd'hui que tout ça est archi-faux. Ce qu'on ne savait pas forcément à l'époque c'est que le cd en sortie d'usine ne valait que quelques sous et qu'ils nous refourguaient ça allègrement pour 150frs : Une des plus belle arnaque du music business soit dit en passant...

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Alors aujourd'hui ça ne va pas fort... On baisse les prix. Mais pas assez... On veut faire payer le téléchargement, cette blague... Qui va payer pour quelque chose qui n'existe pas? L'avenir? La musique diffusée sur son téléphone... Ben tiens! Super le son!!! L'Industrie du disque, la grosse, est complètement paumée. Les indés devraient mieux s'en sortir... Petite économie, commerce de proximité, pas de gros couts en marketing et en publicité... Ca devrait continuer à fonctionner. Et puis, je ne pense pas que le cd disparaisse complètement. Le vilain boitier cristal, cher et pas beau, sans rien de spécial, oui. Mais j'aime à penser qu'il restera de beaux digipacks, des anthologies, des coffrets avec de chouettes livrets, une iconographie de qualité... Tout ce qui donne envie d'acheter un objet...

Quelle est la place du vinyle chez le disquaire en 2008 ?

Il y a encore 2 ou 3 ans, nous concernant, c'était en gros 50/50. On sent bien depuis, que le vinyle reprend du "poil de la bête" comme on dit. On rebranche les vieilles platines, les jeunes récupèrent celles de papa, maman, ou tonton. On en rachète carrément, neuves ou d'occases... L'offre se fait encore plus grosse qu'avant j'ai l'impression.Après il suffit d'un rien pour que les gens s'emballent. Par ex. une info a été reprise par la presse, la hausse des ventes vinyles pour 2008, + 70%, ce qui est cool. Par rapport aux chiffres du cd qui n'arrêtent pas de baisser. Mais il suffit qu'une info, somme toute bénie, soit reléguée a la TV et ça devient presque un petit "phénomène"... "le vinyle revient" entend-on dans les conversations de tous les jours... Hé hé, tant mieux pour nous et pour ceux qui aiment ce format. Mais il n’était jamais parti!!!!

Le web est-il une menace ou un outil supplémentaire pour les disquaires ?

Comment dire? Les deux! On découvre plein de choses hyper vite, on communique beaucoup plus facilement, beaucoup plus rapidement, on travaille directement avec des petits labels... C'est bien. Mais on reste également de plus en plus derrière son écran, au lieu d'aller au contact des "vrais" gens, dans la "vraie" vie... Cela dit, c'est un problème qui dépasse largement le cadre de la musique...

De plus en plus de labels ont des shop en direct sur leur site Internet. Une nouvelle concurrence ?

"Menace" comme tu disais plus haut, c'est un bien grand mot, mais oui, c'est clairement une concurrence. Il y a beaucoup de clients qu'on ne voit plus du tout au shop. Je sais qu'ils n'ont pas "lâché l'affaire" comme on dit. Ils ont toujours le pouvoir d'achat. Ils sont toujours friands de nouveauté et de découverte. Mais ils font ça depuis chez eux, désormais. Une nouvelle tendance "comportementale" qui fait qu'on a tout ce qu'on veut instantanément, ok, mais aux dépends de la discussion et de l'échange. Je le regrette.

Le téléchargement de musique sur Internet : Un bien ou un mal ?

Un bien pour découvrir des nouvelles choses. Un mal pour la soupe des majors. Pas vraiment pour nous et nos petit groupes indépendants... Je reste bien trop attaché à l'objet... Caresser une couverture. Un bel artwork. Parcourir les notes de pochettes en rentrant par le tram à la maison. Lever mon cul pour tourner la face. Classer, déclasser, reclasser les disques - ok, je suis un pervers. Je n'ai aucune musique sur ordinateur. Je trouve ça vilain. Sans âme. Ca ne sonne pas. C'est nul. La musique dématérialisée me rend triste. Je préférais de loin me faire des k7 quand je n'avais pas d'argent. C'était bien mieux.

Myspace, Youtube, Facebook, t’en penses quoi ?

Myspace je m'en sers énormément, pour découvrir, contacter les groupes directement, les petits labels. C'est clair encore une fois que ça va très vite, peut être un peu trop... je veux dire c'est très pratique mais il y a encore une fois ce côté addictif ou j'aimerais passer du temps ailleurs... Youtube c'est fun pour mater des furieux qui jouent de la batterie comme des dieux par dessus Dinosaur Jr dans leur chambre... Facebook, rien à battre.

Comment peut faire un disquaire pour se renouveler en 2008 ?

Un disquaire vent des disques. Pas des lecteurs mp3, pas des jeux vidéos, pas d'ordinateurs... A partir de là, la marge de manœuvre est assez réduite. Continuer à être curieux et passionné... Etre toujours aussi excité quand on reçoit les colis et essayer de faire passer un peu de cette excitation aux gens qui viennent nous voir... Apres on peut aussi organiser des concerts, animer des émissions de radio (ce qu'on fait depuis longtemps). On peut faire des showcase, des expos, on s'y met d’ailleurs en ce moment même...

Est-il difficile d’être disquaire en 2008 ?

Plus facile que d'être caissière à Auchan en tous les cas.

Où trouves-tu tes nouvelles inspirations musicales ?

Aux concerts, et puis en discutant avec des gens, d'autres passionnés de musique, mais encore une fois, plus dans la vraie vie que derrière un écran...

Quelle est ta playlist du moment ?

Wave Pictures, Duchess Says, Kap Bambino, Jay Reatard, Ween, Cheap Time, Weakends, Wooden Shjips, Disco Doom, Times New Vicking... j'arrête ??? Non!!! Eddy Current, Supression Ring, Semi Playback, Melvins, Dinosaur Jr, Be Your Own Pet, Hello Sunshine, Deerhunter, Superbeatnick, No Age, Ratatat, Coconut Records, Koushik, Thomas Function, Dirtbombs, Les Yves, Pull, Meatards, Barbaras, Magnetix, ok, j'arrête, j'arrête...

Ton top 5 des meilleurs albums de tous les temps (sans aucune objectivité) ?

Juste des groupes, sinon je vais y passer la nuit : Ween pour moi, Stooges pour Babouche (mon collègue), Turbonegro, Dinosaur Jr et les Melvins pour tous les deux.

Un message particulier à faire passer ?

Une anecdote. Vers 1984 - j'avais 14 ans - je me rappelle très bien avoir vu Yves Mourousi, au 20h, affirmer sûr de son coup : "Vous pouvez jeter vos vinyles, voila l'avenir", montrant tout fièrement un moche cd (et allant jusqu'a le piétiner pour le prétendre incassable, ha ha ha). Le problème c'est que plein de gens l'ont cru cet empaffé (... déjà le pouvoir de la TV). Aujourd'hui Mourousi est mort. Et le vinyle se porte comme un charme.

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Une deuxième anecdote, dans le très bon documentaire "Scratch", on voit Peanut Butter Wolf, prendre un paquet de vinyles dans ses bras et les dorloter de manière super attendrissante... Essayez de faire ça avec des mp3!

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Propos recueillis par Ju

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A lire aussi : Interview "Etre disquaire en 2008" - Grégoire de Vicious Circle Toulouse et Interview "Etre disquaire en 2008" - Nico de O’CD Marseille

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Cheap Time - s/t (2008)

Juste quelques mois après Jay Reatard, In the red l’excellent label des Sparks et des Black Lips ressort les couverts du garage rock pour un festin de haute volée. Alors que l’on pensait le genre en manque d’inspiration, condamné au brelan batterie binaire, son crade, voix qui beugle, de nombreux et très jeunes artistes se creusent un peu le ciboulot et arrivent à pondre des albums variés dans un registre où tout semblait avoir été fait. Tout comme Jay, Jeff Novak puisque c’est de lui qu’il s’agit fait presque figure de songwriter dans le milieu. Ancien des The Rat Traps, ses influences sont plus à chercher du côté des Redd Kross et des Runaways que des récents Strokes et autres Hives. Encore que sur certains morceaux on se demande ("Ginger snap")… Bref, entouré à présent de Jon Sewell à la batterie et de Stephen Braren à la basse, le trio américain du Tennessee pour être précis livre ici son premier album. Et comme tout ce qu’on est en droit d’attendre d’un premier album garage, Cheap Time est jeune, succin, accrocheur et fort.

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Il faut dire qu’on les avait déjà remarqué en début d’année avec "Handy man", premier single énorme d’une minute et quarante quatre secondes, tout était dit. A présent on a droit à quatorze autres titres du même acabit, pour vingt huit minutes au compteur, autant dire que je risque fort d’aller retourner le disque avant d’avoir fini ma chronique. Mais ce qui empêche ce premier jet de sortir du lot tragique du garage punk à savoir "Toutes les chansons sont les mêmes" c’est cette diversité presque pop je dirais. "Trip to the zoo" se paie le luxe d’aligner au moins deux mélodies en une, et d’être le titre le plus long de l’album avec trois minutes de son. "People talk" est un exemple de glam new-yorkais alors que "Falling down" nous ramène au rock des 70’s. Que dire encore de "Glitter & gold", simplissime mais tubulaire. Dans un genre critiqué, où les solos de guitares se font à deux notes maximum et où la production semble identique de fond en comble, Cheap Time tire son épingle du jeu en ne confondant pas énergie et adrénaline, et une fois de plus cher Nickx, en privilégiant les chansons.

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En bref : Complément indispensable de l’album de Jay Reatard cette année, Cheap Time va vous faire redécouvrir le garage rock, juste pour le meilleur.

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Le Myspace
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A lire aussi : Jay Reatard - Matador singles 08’s (2008)
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"Glitter & gold" :


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The Who - Sell Out (1967)

Les Who, qui avaient déjà ébauché l'idée du concept-album avec le flamboyant A Quick One While He's Away (66) - un p'tit coup vite fait pendant qu'il n'est pas là - concept qui serait repris plus tard par Kinks, Small Faces ou Pretty Things, érigeaient pour le coup le pop-art dans la musique avec cette pochette mythique.

"Les Who se vendent", tel était le titre un brin provo du troisième LP du groupe, qui proposait outre des chansons magistrales, des interludes musicaux sous forme de fausses pubs, et sous l'obédience chérie de Radio London, vénérable station existante. Les impayables Sigue Sigue Sputnick seraient donc relégués 20 ans après au rang d'aimables faiseurs.

Qu'est-ce qu'un grand disque ? Un disque dont on commence à parler dès la pochette. Et alors là…..Des fayots sauce tomate (réfrigérée paraît-il, admirez donc le stoïcisme de Daltrey) au déo géant de Townshend en passant par la playmate bon teint d'un Entwistle de fourrure vêtu, à la crème pour spots fuchsia façon L'aile Ou La Cuisse de Keith Moon (Clearasil pour Medac sur les pressages australien et néo-zélandais), rien ne manque. Les Damned reprendraient d'ailleurs le barbouillage des haricots sur la pochette de leur premier LP.

Bon, et la musique dans tout ça ? Euh, comment dire... exceptionnelle  paraît être le mot juste. Déjà, My Generation dépotait pas mal, mais les reprises de rigueur pour une première oeuvre des 60's, masquaient le talent d'écriture du groupe et notamment de son leader Pete Townshend. A Quick One... déjà, leur rendait plus justice. Ici, c'est un feu d'artifice, et Entwistle également de la partie aux compos relève le tout au delà de sa basse tournoyante. Après le terrifiant jingle métallique d'ouverture, s'ensuit une merveille de chanson écrite par l'ex-chauffeur de Townshend, et qui dédiée au groupe, n'est donc pas une reprise : " Armenia City In The Sky" et ses guitares démentiellement heavy, ses effets psychés, ses voix déformées offre le premier grand moment de l'album qui en compte 13, soit le nombre de chansons.

Avec ses stridences, admirablement samplées 30 ans plus tard par Yo La Tengo, ce titre est l'un des faits d'armes majeurs des Who. Suivi de l'amusant interlude "Heinz baked beans", arrive la tendre ballade mariachi "Mary-Anne with the shaky hand", nouvelle ode masturbatoire et son amusant tremolo de circonstance,  après le fameux single"Pictures Of Lily".

Combien de centaines de chansons classiques ont été bâties sur les bases de "Odorono" et ses variations autour du même accord...nul ne le sait. Ce qui est sûr, c'est que le chant de séraphin de Daltrey sur "Tattoo" (un comble pour une ex-frappe du West-End) irradie, transperce.

"Our Love Was" affole encore avec son break basse-guitare et ses choeurs à la tierce repris (une nouvelle fois) par les Damned sur leur "Grimly fiendish". L'on n'a pas encore changé de face que se présente la définitive "I can see For miles", probablement l'un des meilleurs singles de ses auteurs, et sans doute aussi de toute la folle épopée du British Beat.

"Can't reach you" enfonce le clou, "Medac" est une amusante récréation d'Entwistle (sur les boutons d'acnée, donc). Les claviers, si peu utilisés dans l'oeuvre des Who (avant les immondes synthés de "Baba O'Riley") font leur apparition sur le très fin de siècle "Silas Stingy" que vient également souligner un motif de trompette, conférant à l'album cette touche psychédélique unique! Ensuite, le rêveur "Sunrise" et ses mélancoliques suites d'accord laissent la place au finale grandiose de "Rael", morceau à tiroir,  avant que de s'échouer sur les run-out grooves du vinyle.

Les Who sont encore les Who, Keith Moon, avant qu'il ne vieillisse de 10 ans en quelques mois pour offrir une image d'alcoolique ravagé, Daltrey avant les mises en pli et juste avant le rédempteur Live At Leeds ; tel est ...Sell Out, le tournant de la carrière d'un grand groupe.

En bref : Bien avant la période barbue de Who's Next qui défigurera à jamais le son des Who, et juste avant le très estimable Tommy, l'une des dernières occasions de capturer les Who dans ce qu'ils ont de plus essentiel._

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Le site des Who

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Ilya E. Monosov - Seven Lucky Plays, Or How To Fix Songs For A Broken Heart (2008)

Les aléas de la circulations des musiques font que je ne reçois qu'à l'automne ce disque pourtant sorti à l'orée du printemps. Il aurait alors bien plombé mon printemps, ce beau disque de folk bizarre aux couleurs automnales. C'est que le folk est un champ immense, dont il est bien difficile de se distinguer. Et les personnalités les plus déviantes se retrouvent souvent cachées sous les épis les mieux dressés. La patte d'Ilya E. Monosov réside avant tout dans ces touches de claviers froids, qui tirent ses chansons au fond de méandres sombres. L'artiste se distingue par une noirceur très marquée dans un genre qui nous avait habitué à la lumière ces dernières années. Du folk sombre, qui a quelque chose d'impénétrable, de tristement volatile, et pourtant pesant.

Ces notes de claviers étranges ouvrent le le disque sur un "I Open my arms" qui fascine d'emblée, puis glacent le sang lorsqu'elles viennent contaminer "Tricycle". Et les chansons qui suivent possèdent cette même profondeur insondable, dans laquelle on ose à peine mettre le pied. Quand les claviers sont chassés, ce sont des échos de percussions malades ("My Dear"), des grincements de violons tordus ("Legs and Arms") une guitare électrique éthérée ("Ms Desolate"), ou une inquiétante basse synthétique ("The beauty that you are") qui viennent hanter une base guitare-voix déjà bien dérangée. La voix refuse tout lyrisme, le xylophone ne ramène personne en enfance, les violons ne sont pas de soie, la guitare ne se joue pas au grand air.

"Ms Desolate", seule chanson où une mélodie sous-tend le chant quelque peu, confirme la filiation avec le Leonard Cohen des sixties: les deux poètes s'en tiennent au même murmure grave et sobre. "Winter Lullaby" confirme les influences slaves de l'ensemble, soit celles qui ont touché plus au coeur encore l'anglais Matt Elliott. Enregistré aux Etats-Unis, où le russe réside, Seven Lucky Plays, Or How To Fix Songs For A Broken Heart sonne pourtant comme un disque de folk européen, qui distille un profond spleen, le spleen, le vrai, celui du vieux monde, le spleen baudelairien, celui qui sent l'opium et le velours des salons, l'abandon poétique et la tristesse décadente, le folk fatigué de chanter, où les violons semblent dire « à quoi bon ».

Il y a, oui, une grande fatigue dans ces chansons, et on ne peut pas dire que le garçon semble très prolifique: Seven Lucky Plays... est en réalité une collection de chansons enregistrées entre 2002 et 2007. C'est dire si chacune est chargée d'affects, mais d'affects sans le transport, d'affects d'un homme las. Il y a, oui, une grande fatigue dans cette voix qui parle et murmure au lieu de chanter, et qui se fait tant attendre au début de "Happy Song" que l'on croit à un abandon. Et quand il termine sur le profondément émouvant "I'll live my life without pain", Ilya E. Monosov prend l'air d'un vieux sage (« Darling stop, do not cry/ I'm telling you these stories just to tell you why »), qui aurait déjà vécu des centaines d'années.

En bref: Du folk d'intérieur, sombre et sobre, dont la profondeur laisse entrevoir une certaine lassitude au monde et aux musiques de surface.

Médiatiquement discret, on ne peut compter que sur son Myspace, pour écouter, voir, et se tenir au courant.

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The Smoke - s/t (1968)

Attention, OVNI. Ce disque ne ressemble à rien de connu ou presque. Oeuvre du singulier démiurge américain multi-instrumentiste Michael Lloyd assisté de 2 acolytes, ce album éponyme est l'unique oeuvre d'un groupe mort-né. On n'entendra plus jamais parler de The Smoke par la suite.

En préambule, se souvenir qu'il s'agit là du groupe US, et non de son homonyme qui avait cartonné en Angleterre avec le hit "My Friend Jack". Les groupes doublons ? Grande spécialité des 60's, de Nirvana à Kaleidoscope, en passant par les Wailers ou autres Outsiders. 

Le disque n'est pas en soi si différent de son homologue anglais, pour ce qui est de manier la pop psychédélique, les refrains tuants ; il y a là cependant une bonne dose de folie en plus.

Dès l'intoductif et irrésistible "Cowboys and Indians", on a affaire à une évidence pop anglaise aussi immédiate que peuvent l'être certains classiques des grands groupes mods d'alors : un peu de "Shadows and Reflections" des orfèvres The Action, de la rythmique carrée de The Creation, de la magie ensorcelante des meilleures mélodies des Who, bref, que du très haut niveau.

Et si l'on pense à des groupes ricains, ce n'est uniquement qu'à deux de ses plus beaux fleurons, les seuls à s'être réellement approprié le son anglais pour en faire quelque chose d'unique. Sur "Philosophy", ce sont les Beach Boys, qui jamment avec Elliott Smith, pourtant pas encore né. Telle est la troublante similitude de timbre auquel fait parfois penser l'organe de Michael Lloyd.... quand ce n'est pas à Rivers Cuomo.

Loin d'être une élucubration psyché garage des 60's de plus quand il s'agit de trier le grain de l'ivraie, ce disque oublié et culte est époustouflant d'un bout à l'autre. De l'atmosphère de boudoir et.......hum évocatrice de "Lookin' thru the mirror" à la chevauchée débridée et Tolkienne de "Hobbit Symphony", rien de gratuit ni de démonstratif ; même si les guitares souvent virtuoses témoignent d'un esprit libre, fou et iconoclaste._

Et puis, il suffit de mater la pochette, son graphisme, et ses faux airs de "Yellow submarine", de jeter un oeil aux titres avant que de poser la galette, pour s'apercevoir que le disque au demeurant très festif et altier doit sans doute un lourd tribut aux champignons qui donnent des visions et aux grosses cigarettes qui font rire ; qu'on en juge :"Gold is the colour of thought", "Hobbit symphony", "Daisy intermission", "Song thru perception", "Philosophy", "Ritual Gipsy music Opus 1", "Odyssey", etc, etc.

Dans les nombreuses entrées sur ce disque mythique, on peut lire les noms de (sous) The Left Banke à l'intention de The Smoke ; la réalité est tout autre car ce disque et ce groupe mort-né demeurent inclassables.

En bref : Le talent d'écriture des meilleurs alchimistes pop, la folie barrée des Electric Prunes ou des Strawberry Alarm Clock, l'énergie des Blues Magoos, alliée au meilleur du rock anglais cité plus haut....... Y a-t-il une raison d'ignorer plus encore The Smoke ?

Pour écouter des extraits de cette oeuvre unique, dans les deux sens du terme, le mieux est encore d'aller visiter le Myspace consacré au groupe.
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A lire aussi : The Blues Magoos - Psychedelic Lollipop (1966)

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