The Kingsbury Manx - Ascenseur Ouvert ! (2009)

Il est complètement incompréhensible voire scandaleux que la presse spécialisée dont c'est pourtant le métier, ne prenne pas plus la peine que ça, de prendre des nouvelles de ses anciennes marottes ! Ou tout au moins de rendre compte de l'actualité, quand elle nous fourgue du nouveau groupe chaque semaine !

Et que ce 5ème LP des Kingsbury Manx soit sorti sur un obscur label (Odessa Records) ne change rien à l'affaire : rien, pas une ligne dans Rock&Folk, qui par la plume de Palmer, avait justement crié au génie dès le premir album éponyme. Je ne lis plus les Inrocks et Magic depuis belle lurette, et sans doute le groupe de Chapel Hill a du y être chroniqué, mais rien qui n'ait attiré l'oeil au gré de ses manchettes, en tout cas !

Je terminerai cette mise au point par deux remarques : sur DODB, le disque a été annoncé voici des mois (il est en fait sorti en avril), ce qui fait un sacré décalage (le temps de le choper via le Net et de le commander, ce qui n'est pas si dur en vérité !), mais enfin, nous y voici ! Enfin, je serais les Fleet Foxes, groupe tendance actuellement et qui doit tout ou partie au groupe qui nous occupe, je me ferais du mouron quant à mes chances de me voir toujours chroniqué et suivi dans les années qui viennent, par "la presse qui compte", celle qui vous porte aux nues lorsqu'elle est la seule à vous connaître, et vous jette fissa une poignée d'albums plus tard, lorsque le succès tarde à se manifester, et que le soufflet de la hype est retombé.

Encore que le chat de Man de Kingsbury n'ait jamais vraiment été hype à proprement parler. Ces hommes-là sont bien trop discrets, cultivent l'anonymat et la simplicité comme une seconde nature. Quant à leur non-look... on le sait, nombre de nerds américains s'affichent barbus, look de monsieur-tout-lemonde ; imaginez des Grandaddy bis ! Qui en plus ne prendraient pas la peine d'être joyeux !

Alors, ce n'est pas que ce disque soit le chef d'oeuvre de la décennie, ni même celui d'une faste année 2009, pas plus que le meilleur de leurs auteurs - on lui préfèrera The Kingsbury Manx (2000) ou Aztec Discipline (2003), mais il y a dans le nouvel album de quoi rassasier les aficionados déjà en manque de chansons nouvelles de Yo La Tengo ! Même douceur des voix, mêmes harmonies subtiles et mélancoliques ! Même savoir-faire acoustique, même sobriété dans les arrangements. De plus, The Kingsbury Manx, c'est une grande famille : deux de ses anciens membres dont Ryan Richardson, membre fondateur et Scott Myers, jouent sur ce disque fait d'arpèges délicats.

Alors, morceaux choisis ? Chacun triera à sa convenance parmi ces 14 titres fragiles, où rarement le tempo ne s'énerve, et encore "If You're On The Mend, I'm In The Move" ou "These Three Things" ne sont pas à proprement parler des titres hardcore, et "Galloping Ghosts" n'a de véloce que son intitulé. Sur ce nouveau LP tout comme sur scène, les Kingsbury Manx sacrifient au gimmick de l'échange des instruments, ou des parties lead de chant, sans que l'auditeur pourtant bien concentré n'y prête forcément grande attention. L'intérêt est ailleurs, dans cette uniformité de chansons refuges, parmi lesquelles "Walk On Water", "Well Whatever", "If You're....", "These Three Things", et l'admirable "Indian Isle" sortent du lot !

Retour réussi donc. Et comme The Kingsbury Manx risque à nouveau de se faire discret durant 2,3 saisons et que les media sont sourds, nul n'est besoin d'insister plus encore sur la nécessité de jeter une oreille babylonienne sur cet opus.

En bref : même sans commettre leur meilleure oeuvre, The Kingsbury Manx font partie de ces groupes indé qu'on a envie de défendre corps et âme ! Car ils font avancer le truc, à coup de simples chansons folk-pop bravaches, où affleure de la sensibilité.




le site off (un peu chiche), le Myspace

A lire aussi : The Fleet Foxes - s/t (2008)

"The Whip And The World" :

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Interview - David Freel de Be My Weapon (et Swell)

A défaut pour le moment d’avoir chroniqué l’excellent dernier album de David Freel sous sa forme Be My Weapon, nous avons réussi à lui poser quelques questions sur son nouveau groupe et sur la vie en général. Et comme toujours avec la personnalité du créateur du mythique groupe de San Francisco Swell, les réponses tendent davantage vers une philosophie et un surréalisme à la Nadja que vers un entretien de promo classique. Tant mieux, car c’est ce charme rebelle et cette intégrité bornée que l’on apprécie chez Dodb. Magnéto Serge !

<South of the rain and snow, The lost album, March/2009, pour quelle raison êtes-vous si prolifique ces derniers temps? Avez-vous davantage à dire qu’avant?

Si je connaissais la réponse à cette question je ne vous le dirais pas. Parce que j’aurais peur de briser le charme. Et ça n’est pas parce que j’ai davantage à dire, c’est juste que j’en dis davantage. Haha !

March/2009 d’une certaine manière m’a fait penser à Silver Jews que vous devez certainement connaître. Et je ne sais pas pourquoi, mais sa musique est de plus en plus mature, on dirait presque un crooner. Aimez-vous sa musique et pensez-vous que vous pourriez/ voudriez devenir une sorte de crooner ?

J’ai rencontré David Berman une fois en effet, et Ron Burns le connait bien, mais je ne suis pas au courant de ce qu’il a fait récemment. Moi un crooner ? Je ne pense pas. Je me vois plus comme Tom Jones, n’est-ce pas ?

Vous avez enregistré March/2009 au Pink Robot studio, pouvez-vous nous en dire plus sur l’ambiance là-bas ?

Pink Robot. Oui il y avait bel et bien quelque chose de particulier là-bas. Mais encore une fois, je préfère ne pas en parler. Comme je n’ai pas envie de tout faire foirer. Je ne suis pas quelqu’un qui aime vraiment parler en fait. Dans mon monde les mots ont un pouvoir. Et je veux utiliser ce pouvoir avec parcimonie et attention. Mais je connais des gens qui ne souffrent pas de ce problème.

J’ai vu que Be My Weapon en concert il y a peu, et j’ai vraiment aimé la configuration guitare sèche/guitare électrique/batterie, c’était très original. Connaissez-vous d’autres groupes sur le même schéma ?

Oui à peu près, un projet appelé Singlewide qui est en fait constitué d’une personne debout avec une batterie, un harmonica, une guitare acoustique et une électrique.

La collaboration avec Ron Burns (ancien batteur de Smog) a-t-elle été facile ?

Dans l'ensemble oui. C’était en tous cas très intéressant. J’apprécie ce gars car il a toujours un avis très marqué sur tout. Donc nous pouvons collaborer. Si les gens ne se battent pas pour ce qu’ils pensent être juste, il n’y a plus de collaboration. La collaboration est une discussion. L’amour est une négociation. On tient un nouveau slogan de T-shirt il me semble.

Dans vos paroles vous évoquez souvent la vie et la mort, l’amour et la haine, la lumière et l’obscurité. Pensez-vous que le monde soit tout blanc ou tout noir ou y a-t-il des zones de gris ?

Je pense qu’il n’y a que du gris. L’empathie c’est le gris entre les gens. Où s’arrête le bien et où commence le mal ? On ne peut pas répondre à ça. Tout est question de contexte, et le contexte est la couleur grise.



La musique de March/2009 m’évoque cet état d’esprit : "Nous ne sommes pas vraiment heureux, mais des jours meilleurs viendront". Etes-vous d’accord avec ça et êtes-vous heureux en ce moment ? Est-ce que la vie devient plus simple en vieillissant ?

Heureusement on devient un peu plus intelligent avec le temps. Mais pourtant on ne peut pas aller plus vite que ça parce que l'on n’a pas besoin de devenir plus intelligent à ce moment précis. Vous voyez ce que je veux dire?

Retournez-vous souvent à San Francisco ? Qu’est-ce qui a changé là-bas depuis vos débuts ?

Je n’y retourne pas souvent à vrai dire. C’est bien plus cher maintenant même si ça l’a toujours été. Mais depuis que SF est devenue la capitale californienne du high-tech et d’internet c’est devenu fou. De très nombreux artistes ont du bouger vers Oakland, Little Brooklyn et New-York.

Une dernière pour la route : est-ce que l’aventure Swell est réellement terminée ?

Je pensais que ça l’était en 2004. Mais ça n’était pas le cas. Donc ma réponse est "je ne sais pas".

Merci.

Le Myspace de Be My Weapon et celui de Swell

A lire aussi : Swell - South of the rain and snow (2007)

L’ultra-minimaliste "Good good good" par Be My Weapon :

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The Voluntary Butler Scheme - At Breakfast, Dinner, Tea (2009)

En voilà un nom à rallonge. Et pourtant c’est ce qu’a trouvé de mieux le jeune prodige anglais Rob Jones pour décrire son univers pop fantaisiste. Nulle chance que vous le connaissiez déjà, car l’ancien batteur de The School débarque fraichement avec son premier album en forme de menu. Originaire de Stourbridge, un bled près de Birmingham, Rob est de ceux qui à l’image de Julien Pras pratiquent leur art à domicile, dans une chambre qui au final ressemble davantage à un studio qu’à un lieu de sommeil. C’est donc tout seul que ce bambin de 23 ans habille ses compositions toutes plus soignées les une que les autres. C’est tout de même avec l’aide de Charlie Francis (REM, High Llamas…) qu’il s’est enfin décidé à donner vie à ses progénitures mélodiques et à boucler le disque en un mois à Stockwell.

Et on doit sacrément s’ennuyer dans les Midlands pour imaginer tout ça. Treize titres, pas moins, tous assez variés, aux orchestrations très travaillées avec juste ce qu’il faut d’électronique. Aucune innovation donc, le style est rétro cool façon 60’s, que ce soit dans la branche Beach Boys pour les harmonies ("Trading things in") ou dans celle de Donovan pour le psychédélisme léger ("The Eiffel Tower and the BT Tower", qui me rappelle aussi The Wave Pictures). On y trouve même une référence très peu citée de nos jours, celle de l’autre anglais Badly Drawn Boy, ainsi que celle de Money Mark le fameux pote des autres BBoys, Beastie cette fois-ci.

Là où Rob Jones fait fort, c’est quand il se paye le luxe de pouvoir extraire trois "tubes" potentiels de son disque. On commence avec le funky "Multiplayer" aux atours non moins pop. Rob balance des "Ouh ouh ouh" en veux-tu en-voilà sur des paroles, comment dire, sucrées : "Love is a game / I wanna play with you". "Tabasco sole" souligne ensuite la fibre Motown du garçon. Aucun doute au premier riff de guitare du morceau, les Jacksons 5 sont parmi nous. A vrai dire le disque est sans temps mort et c’est assez rare pour le souligner. Autre élément différenciant, le NME pour une fois n’aime pas. Pourtant il est difficile de trouver plus anglais (mise-à-part la magnifique ballade tout en slide "Hot air ballon"). De même, en habillant son disque d’un vert plus vert que les verts eux-mêmes, Rob Jones compte certainement se donner espoir. L’espoir que ses chansons deviennent un peu reconnues. Personnellement je ne vois pas comment il pourrait en être autrement.

En bref : un premier album pop très anglais fait de quelques tubes irrésistibles et d’autres morceaux plus anonymes mais tout aussi jouissifs.




Le Myspace

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Les clips de "Trading things in" et "Tabasco sole" :

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Interview - Andy T. Oxford de The Phantom Band

Trêve de paraphrases, à Dodb on pense que Checkmate Savage, le premier album des Ecossais du Phantom Band, est l’un des tous meilleurs de 2009. Composé presqu’exclusivement de vieux briscards sans limites, le groupe a vu sa renommée exploser cette année, et son nombre de fans considérablement augmenter. Loin du revival 80’s à synthés, ce groupe ectoplasmique nous a hypnotisé avec son proto rock/folk un peu kraut, et semble encore avoir de nombreuses choses à dire. Andy T. Oxford, le claviériste (caché au fond de la photo ci-dessus) revient avec nous sur la conception du groupe et de l’album.

Bonjour, pourquoi ce nom de groupe ?

Nous n’avons pas vraiment nommé le groupe, il s’est baptisé tout seul, et il a beaucoup changé depuis que l’on joue ensemble (sûrement parce que nous voulions évoluer, faire des concerts, sans avoir la pression d’être suivis, et donc de prendre le risque de décevoir les gens) jusqu’à ce que nous trouvions un son dont nous étions fiers. C’est aussi parce que nous n’arrivions pas à nous mettre d’accords. Mais notre tentative d’éviter une réputation n’a servi à rien puisque les gens on commencé à parler de nous en tant que "groupe fantôme". J’ai moi-même employé ce terme avant d’être invité à rejoindre le groupe (un an après les autres). Duncan parlait toujours de ce groupe comme un collectif perdu, prétextant qu’ils n’étaient pas encore assez bons. Quand j’ai été invité à les rejoindre, nous nous appelions les Robert Louis Stevenson, puis les Robert Redford, puis plein d’autres variations. Puis nous avons utilisé The Phantom Band pour quelques concerts et c’était la première fois que personne ne se disputait au tour du nom alors c’est resté.

Je sais que vous avez des carrières passées, qu’est-ce qui vous a finalement motivé à monter The Phantom Band ?

Ca n’était pas une décision consciente, on a juste commencé à se réunir puisque tout le monde aimait faire de la musique, et on a été nombreux à bouger sur Glasgow récemment. Nous n’avions pas spécialement d’aspiration à être dans les journaux, à enregistrer ou à faire de gros concerts. Le but était juste d’être créatif avec ses amis un vendredi par semaine. Le groupe tel que nous le connaissons à présent a petit à petit émergé de tout ça. Nous avons fait beaucoup d’autres choses musicalement, et continuons d’être impliqués dans d’autres projets, mais ce groupe a semblé moins sérieux que le reste, d’avantage comme un club que comme un groupe.

Vous avez travaillé avec le producteur Paul Savage pour ce premier album. Qu’est-ce qui vous a attiré vers lui ? Y a-t-il d’autres producteurs avec qui vous aimeriez travailler dans le futur ?

Nous avons enregistré quelques démos avec Paul et avons trouvé qu’il était très fort pour nous faire arrêter de nous disputer comme des enfants. Il est très zen et choisit ses mots tel un sage, alors que nous sommes de véritables boules de nerf qui veulent en débattre, donc un producteur qui aurait été comme nous aurait été contre-productif. Il a tiré le meilleur en utilisant des méthodes de Jedi. Il fait aussi du très bon café et utilise des phrases du genre "Si tu comptes voler un cheval, autant le baiser aussi". Ceci dit ce serait sympa de travailler avec Dr Dre ou Timbaland un jour, mais nous sommes encore bloqués avec Paul.

Chekmate Savage ne contient que neuf chansons. Est-ce un choix de faire court ou avez-vous du choisir entre de nombreux autres morceaux ?

Neuf titres mais près d’une heure de musique quand même ! Nous avons décidé de ne pas dépasser l’heure parce que pour un premier Lp, nous ne voulions pas dépasser le stade des présentations. En effet nous avons du laisser des choses de côté et nous aurions très bien pu faire un disque d’une heure avec seulement trois chansons. Nos chansons peuvent être très longues, et même celles sur Checkmate Savage sont considérablement raccourcies par rapport aux originales.

Sur le Myspace il est écrit Glasgow, London, Dundee. Où vit vraiment The Phantom Band ? Où le Phantom Band boit-il ses bières ?

The Phantom Band, croyez-le ou non, vit vraiment à Glasgow, Londres et Dundee (4 à Glasgow, 1 à Londres et 1 à Dundee). Nous enregistrons aux Berkeley Studios à Glasgow, mais nous composons dans nos têtes, au pub souvent. Il y en a un super appelé le Doublet à Glasgow, et un autre appelé le Bon Accord, où vous pouvez trouver de supers liqueurs et whiskies, mais nous buvons aussi du cidre dans le parc !

Total hasard, la dernière personne que nous ayons interviewé était John Mc Clean du Beta Band, un groupe avec qui vous avez été souvent comparés. Personnellement je ne trouve pas (excepté sur la fin de "Throwing bones"). Pensez-vous avoir quelque-chose en commun ?

La principale chose que nous ayons en commun avec John c’est d’être originaire de la même rue, dans la petite ville de Fife. Le plus jeune frère de John était mon plus vieux copain, et j’ai passé énormément de temps à leurs concerts étant jeune. Notre seul point commun pourrait être le fait de croire qu’un groupe peut faire la musique qu’il veut, sans prendre en compte les paramètres de style. Les groupes de notre époque à John et moi essayent d’avoir un certain éclectisme (The Fence Collective par exemple), donc peut-être que nous avons récupéré ça. J’ai beaucoup aimé le Beta Band mais je ne pense pas que notre musique ressemble à la leur.

Qui a réalisé la pochette de Checkmate Savage ? Y a-t-il une signification cachée ? Qui est en charge de l’artwork médiéval du groupe ?

Duncan est arrivé avec l’image pour la pochette, et pour les différentes couches nous avons travaillé avec l’artiste Tommy Grace. Personne en particulier n’est en charge de l’artwork, on est tous impliqués. Peut-être que Duncan et moi-même nous impliquons davantage dedans mais tout le monde a son mot à dire. L’image est celle d’une Shaker House où ils entreposaient des fournitures aux murs. L’image de la fille est une photo de la tante de Greg qui était modèle avant et que nous avons trouvé dans un vieux magazine de mode. Sur son T-shirt est inscrit le mot "Rebel". Tirez-en les conclusions que vous voulez.

J’ai lu que votre prochain album aurait des consonances R’n’B. Peux-tu nous en dire davantage ?

Pas de confusion, R'n'B ne veut pas toujours dire "rap'n'bullshit". J’argumenterais en disant que la plupart de notre musique est du R'n'B, de la même manière que Grinderman ou Uncle John & Whitelock. Ceci dit, nous aurons aussi quelques mélodies post funk, des breaks et des harmonies dans nos prochains morceaux.

Est-ce que la musique psychédélique est une source d’inspiration pour vous ?

C’est est une parmi d’autres. J’aime beaucoup la musique psyché des 60's comme les Electric Prunes ou les Standells, et j’écoute souvent beaucoup de psyché allemend et autres groupes fuzz. Je suis allé dans une boîte de nuit à Sleazys à Glasgow appelée The Hot Club, ils y passaient principalement du psyché, du Fuzz, du rock'n'Roll, du rockabilly et du Doo-Wap.

Que est le plus grand groupe de rock du monde ?

AC/DC

Vous emblez être un groupe très "online" (avec un Facebook très actif…). Internet est-il une solution ou un problème pour la musique ? Que penses-tu des blogs ?

Je pense qu’internet n’est ni un problème ni une solution. Je pense que c’est une nécessité donc il faut y penser. J’ai entendu parler de quelques groupes qui essayent de se la jouer archaïques et qui refusent d’avoir un MySpace par exemple. Je pense que depuis que nous nous sommes résignés à être sur Facebook, MySpace, Twitter etc, nous sommes restés connectés avec les fans qui en retirent quelque-chose, sinon quel serait le but ? Ce serait contre-productif de ne pas y être. Pour les blogs je pense que nos chroniques les plus influentes ont été publiées sur des blogs. Les gens les croient parce qu’ils savent qu’il y a moins de chances que le contenu soit influencé par des aspects financiers.

Quels sont tes 5 meilleurs disques de tous les temps ?

Voici pour aujourd’hui, ça peut très bien changer demain :
Led Zeppelin - Led Zeppelin III
Kraftwerk -Computer World
AC/DC - Let There Be Rock
Ramones - Ramones
Public Enemy - A Nation of Millions...

Le Myspace

A lie aussi : Interview John Mc Clean de The Aliens

Le clip officiel de "The Howling" :

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KiNK - Psyche Funk (2009)

Je ne vais pas ici jouer au biographe, et pour cause : KiNK est un Bulgare dont je ne sais fichtrement rien, si ce n’est qu’il répond au doux patronyme de Strahil Velchev, et que son dernier EP en date, Psyche Funk (sorti en octobre sur Undertones/Kolour), dézingue sévèrement. La scène house tient là un très solide outsider, si ses prochains travaux sont à la hauteur de celui-ci. Même s’il regarde souvent vers Chicago et Detroit, son style rappelle certains excellents faiseurs français comme Château Flight et surtout Pépé Bradock, avec qui il partage une certaine vision du groove, sobre et élégante.

Parler d’un tel disque est toujours chose ardue. La simple énumération des sons utilisés ne suffirait pas à répondre à cette question, si difficile et pourtant essentielle : pourquoi ça marche ? Car la formule de KiNK ne diffère en aucun cas de celle de milliers d’autres producteurs. Lui aussi utilise des synthés, quelques samples, des boîtes à rythmes et autres logiciels. Il travaille généralement sur une rythmique 4/4 tout ce qu’il y a de plus classique, sur lesquels il construit des tracks taillés pour le dancefloor. Alors ? Pourquoi lui plutôt qu'un autre?

En fait, deux éléments le distinguent de la masse. D’abord, le sens de la narration. Comme le démontrent cette manière de faire onduler la mélodie du morceau-titre, et l’instabilité jouissive que procure ce tour de montagnes russes sonores, KiNK est bien de ceux qui racontent des histoires. Ensuite, la science des textures. Prenez par exemple la très intense "Tropic" : ce ne sont pas ses quatre notes de synthé se répétant ad libidum, ni même ses simili-cordes qui font d’elle une bombe. Mais la densité cotonneuse de la basse, l’étrangeté des hululements de chouette comme projetés en arrière-plan, la douceur des nappes : voilà qui pourrait séduire les pires intégristes de la deep-house !

Je suis moins fan (pour l'instant) de l’aride "Trevoga", au style très berlinois. Par contre le remix de "Psyche Funk" par Marcus Aurelius vaut le coup, au moins pour les curieux samples vocaux et les infrabasses qui viennent parasiter la mélodie de l’original. En tout cas KiNK va devoir s’y faire : il est désormais attendu au tournant !

En bref : un EP house proche de la perfection, par un Bulgare qui va sans doute beaucoup faire parler de lui.



KiNK - Psyche Funk.mp3

A lire aussi : Confiote de Bits et Swimsuit Issue 1789 de Pépé Bradock (2009)

Son Myspace
Celui des labels Kolour et Undertones

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Boris Vian - Chansons "Possibles" et "Impossibles" (1956)

Quitte à jeter un pavé dans la mare,  l'auteur de L'Arrache-Coeur peut évoquer davantage au deuxième millénaire, un écrivain qui n'a pas forcément bien vieilli plutôt qu'une prose qui défie le temps. L'Ecume Des Jours, roman pourtant court, et très culte semble être à la littérature ce que Love Story fut au 7ème art : un mélo mièvre et complaisant. Et les mots-valises du roman qui cite Jean-Sol Partre aussi indigestes que la métaphore de son titre sonne princière.

Cette chronique a pourtant toute légitimité en ce sens qu'elle s'inscrit dans le cinquantenaire aujourd'hui célébré de la mort du multi-artiste. Et aussi, car Boris Vian au cours de sa brève existence a pratiqué tellement d'activités, de la chronique au journalisme en passant par l'écriture et la musique jazz -il jouait de la trompinette !- son oeuvre est tellement vaste, qu'il serait injuste de la réduire à ses seuls romans qui du reste, ne lui apportèrent nulle reconnaissance de son vivant.

Voici donc l'oeuvre discographique unique de Vian. On le sait, le poète-musicien-écrivain a écrit des centaines de textes à la verve acidulée dont le flamboyant hit bondage "Fais-Moi Mal Johnny" chanté par la ravissante Magalie Noël. Cette chanson ne figure pas sur l'unique album 25 cm de Boris, véritable objet de collection puisque tiré à l'époque à seulement 500 exemplaires

Confronté déjà aux tares de son époque, Vian moque tour à tour et avec un humour ravageur, les affres du progrès ("La Complainte du Progrès" et son inénarrable name-dropping), l'alcoolisme "Je bois/ Systématiquement / Pour oublier / Les amis de ma femme" (tordant !), et bien sur les marchands de canons, les militaires. Même si le mythique "Déserteur" se révèlerait beaucoup plus émouvant et consensuel que prévu par Vian initialement. Il y a aussi cette énorme "La Java des Bombes Atomiques" et ses vipérines rimes dédiées à l'apprenti sorcier nucléaire,

"Voilà des mois et des années / Que j'essaye d'augmenter / La portée de ma bombe /Et je n'me suis pas rendu compt' /Que la seul' chos' qui compt' /C'est l'endroit où s'qu'ell' tombe" (...).

Disons-le : Boris Vian n'était pas un fin vocaliste, il était avant tout musicien de jazz ; et sa voix pouvait même se révéler parfois désagréable, criarde, comme sur l'hilarante comédie de moeurs "Bourrée de Complexes", qui conte le triste quotidien d'une ménagère, réduite à "changer de sexe" pour que tout soit "arrangé" !

Mais son verbe au vitriol, mordant et humoristique à la fois, s'avérait souvent irrésistible, et longtemps après, demeure d'une réelle acuité : preuve en est cette charge entrevue dans " Les Joyeux Bouchers" sur la société de consommation, "Faut qu' ça saigne /Faut qu' les gens aient à bouffer /Faut qu' les gros puissent se goinfrer /Faut qu' les petits puissent engraisser /Faut qu' ça saigne /Faut qu' les mandataires aux Halles /Puissent s'en fourrer plein la dalle /Du filet à huit cent balles...."

Boris Vian méritait donc largement lors du cinquantenaire de son décès, d'être réévalué comme un authentique et génial touche-à-tout, intrinsèquement doué -l'homme était ingénieur et sortait de Centrale- et avait plus oeuvré à la cause des chansonniers que les chansonniers eux-mêmes.

Plutôt que d'incarner seulement cette éternelle icône rive gauche, uniquement associée à une poignée de romans adolescents vaguement surréalistes !

En bref : on oublie la voix approximative, le style pataud, et on prête une oreille attentive à cette irrésistible collection de billets d'humeurs visant ici et là la bombe A, le progrès, le cocufiage... et la viande rouge. Décapant !

un site dédié à l'oeuvre Vian, le site officiel

"La Java Des Bombes Atomiques" :

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Aufgang - Concert au Café de la Danse le 19/11/09

Pour cette très attendue performance d’Aufgang à Paris, tout ce que la capitale compte de blogueurs et critiques musicaux semblait s’être donné rendez-vous au Café de la Danse. Il faut dire qu’avec des papiers dans Le Monde ou Libé, le premier album du trio a reçu un accueil plus que favorable en France. Pour beaucoup, ce projet électro-acoustique, conçu autour de deux pianos et d’une batterie, apporte une fraîcheur inattendue sur une scène qui en avait grand besoin. Sans vouloir relativiser l’apport d’Aufgang, nous étions peut-être moins surpris car nous avions déjà eu à faire aux différentes productions de Francesco Tristano, déjà coutumier des mariages entre musiques électronique, classique et jazz - rappelez-vous de sa prestation aux côtés de Carl Craig et Moritz Von Oswald à la Cité de la musique, ou encore de ses maxis The Melody et Auricle Bio On… Avec Rami Khalifé, confrère pianiste rencontré à la Julliard School il y a une dizaine d’années, et le batteur-machiniste Aymeric Westrich, Tristano a trouvé les comparses parfaits pour passer au niveau supérieur.

Dans une salle bondée, c’est Rone qui était chargé d’ouvrir la soirée avec son électronica soyeuse. Las, accompagné de l’illustre Fabi, nous n’avons pu voir que les cinq dernières minutes de sa prestation, pour cause d’apéro prolongé… Son association avec le violoncelliste Gaspard Claus avait pourtant l’air de mériter davantage d’attention… Bref. Venons en à Aufgang et à cette installation toute particulière : les deux pianos à queue d’un côté et de l’autre de la scène, et au milieu, la batterie et l’attirail électronique de Westrich. A peine le public salué, ça attaque très fort avec "Channel 7", l’une des tueries de l’album, avec ses envolées post-rock, ses accords plaqués façon house de Chicago et une intensité sonore ahurissante. Je suis estomaqué par la manière dont le live sublime et amplifie un titre déjà très puissant. Après cette ouverture magistrale, le trio a l’intelligence de varier les genres et les approches. Parfois méditatif, rêveur, il livre également des expérimentations atonales proches du free-jazz et de la musique contemporaine, tel ce "Channel 8" qui voit Tristano et Khalifé visiter les entrailles de leurs instruments pour en pincer et marteler les cordes.

Malgré tout, ce sont les morceaux uptempo qui m’impressionnent le plus. Avec "Channel 7", "Sonar" est sans doute la plus miraculeuse des créations d’Aufgang. Et bien qu’aucun membre du groupe ne vienne du Michigan, il s’agit aussi de l’une des plus belles pièces de techno de Detroit de ces dernières années. Presque baroque, l’intrication des nappes, des boucles acides, du beat lourd et des phrases impressionnistes des pianistes donne la sensation – assez rare, vous en conviendrez – de se trouver face à quelque chose d’unique, de grandiose ! Comme l’élaboration en direct d’un nouveau son, le début d’une nouvelle ère ! Le seul regret restant de ne pas pouvoir danser comme un dément dans une salle, comme son nom ne l’indique pas, davantage conçue pour les concerts folk que pour une telle expérience. Après une petite heure et demie de show, la bien nommée "Soumission" achèvera de nous en convaincre : Aufgang est l’une des grosses sensations de l’année !

Le Myspace d’Aufgang

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Rainbow Bridge - Big Wave Rider (2009)

Troisième et dernière perle dénichée il y a peu, il s’agit ni plus ni moins que de LA chanson de l’été, ou plutôt la chanson de tous les étés. En un titre seulement -même pas un maxi- un duo d’Olympia encore inconnu au bataillon réussit l’exploit de synthétiser dans un cadre pop classique tout ce que représente le terme "musique de plage" ou encore "musique de chill". Un morceau intemporel, qui pourrait très bien sortir des années 60 comme faire partie de ce revival 2009 autour de la pop fuzzée et délibérément lo-fi, on pense à Cristal Stilts ou The Pain Of Being Pure At Heart encore une fois. Tels des Beach Boys du futur, ils ne vont pas chercher bien loin leur mélodie mais l’habillent d’un charme à l’évidence directe, relançant à nouveau le débat "Less is beautiful". Un morceau instantanément charismatique et sans effort, que l’on est vite amené à écouter une fois par jour, comme une dose de soleil musical en guise de souvenir fané d’un mois de juillet déjà bien loin.

En 4’15" à peine l’arc en ciel de chez True Panther (Girls) a le temps d’installer sa montée, forcément lente et enfumée, pour atteindre son pic de saturation à 2’11", et finalement rechuter dans un final en arpèges lumineux. Vraiment rien d’original en somme si ce n’est cette tension instaurée par la basse et délivrée par les guitares. Ajoutez à ça un clip et une ambiance générale tellement psyché et vous obtenez une brise océanique ultra cool sur les joies du surf. Autre bon point, l’envie de réécouter les mélodies de Daniel Johnston, la dream pop de Real Estate, ou les errances de Panda Bear et Atlas Sound. A quand un maxi ? A quand un Lp ? J’attends ça de pied ferme.

En bref : grab ta board et plonge toi dans le tube "fuzz and pop" de l’été, ou comment faire bien avec peu.




Le Myspace

A lire aussi : Cristal Stilts - Alight Of Night (2009)

Le fameux clip de "Big Wave Rider", je ne m'en lasse pas :

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Future Islands - Wave Like Home (2008)

Issu de la même session d’écoute hautement productive que pour Crocodile, je vous présente ce groupe improbable de Caroline du Nord désormais installé à Baltimore. Ceci est leur très court premier album (9 titres pour 27 minutes), sorti l’année dernière aux Etats-Unis et à priori non distribué sur nos terres. Et avant de m’essayer à vous décrire leur musique, sans utiliser trop d’adjectifs et autres acronymes à rallonge, je dois vous donner les trois clefs nécessaires à son approche, en fait les trois éléments vraiment distinctifs qui éloignent Future Islands des comparaisons trop faciles. Le plus important, et s’il vous plait ne partez pas en courant, est la voix unique du frontman Samuel Herring. Je vous dirai pourquoi après. Deuxièmement, on a une esthétique "Do it youself" assez poussée venue du milieu punk. Enfin, le disque monte crescendo et de manière dramatique sur le thème d’un amour de cours d’école. Trois éléments peu ragoutants qui au final explosent à la tête de l’auditeur.

Créé en 2007 et chargé en influences pop, 80’s et kraut, Future Islands est un trio/quatuor qui ne se prend pas au sérieux. Ils écrivent depuis 2003 des mélodies accrocheuses avec très peu d’équipement, ce disque étant un pur 4 pistes à peine produit par Chester Endersby Gwazda (Dan Deacon). Il suit comme je vous l’ai dit une romance chronologique avec une intensité dramatique qui pousse à la danse, ou non. Passé l’ouverture bruitiste et inutile "Pangea" c’est l’heure de l’euphorie avec un "Old friend" qui nous plonge de plein pied dans l’univers Future Islands. Tel un trip hédoniste de dance new wave, on découvre le personnage de Samuel. Son organe vocal tranche littéralement la musique. Emotive à souhait, au risque de paraître ridicule, sa voix demande pleine attention et ne ressemble à personne d’autre. C’est le moteur punk du début d’album avec "Flicker and flutter".


Mais on se doute que très vite surviennent des problèmes dans cette romance. "Seize at shark" se montre furieux sur la batterie, et le clavier Bontempi fait le reste. Le sérieux de l’affaire commence avec l’énorme "Heart grows old". L’interprétation de Samuel est incroyable. Il chante comme si chaque chanson était sa dernière. Quant au texte, il ne se débrouille pas si mal que ça non plus : "The heart grows old with you / No one in this world could hope to take your place / Save me from loving you always". Entre Tv On The Radio et Depeche Mode, Future Islands tente de chasser des rêves brisés et de trouver du courage dans un cœur en miette. Mais ce n’est qu’une introduction au gros de la colère philosophique du Monsieur, j’ai nommé la claque "Beach foam". Sa ligne de synthé et son rythme lancinant me font littéralement chavirer.

Les intéressés qui décrivent eux-mêmes leur disque comme "un matin lumineux qui tend ses bras à de lugubres après-midi" ou encore "une eau infestée de requins sur une plage paradisiaque" réussissent en tous cas leur pari. L’excellente "Wave like home" pré-conclut le trip tout en dépression avant de laisser un optimiste "Little dreamer" accepter la chose et terminer le disque dans un final de sweet soul synthétique à la Dan Deacon. Comme une bougie qui se consume dans l’obscurité. Je ne sais pas où le groupe en est aujourd’hui, mais j’espère seulement que le niais "The happiness of being twice" n’annonce pas sa future orientation.

En bref : du soft synth punk romantique assez inédit et sincère pour captiver tout de long sur sa petite demi-heure.





Le Myspace

A lire aussi : Dan Deacon - Bromst (2009)

L’énorme "Beach foam" :

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Crocodile - The Great Depression Ep (2008)

C’est par erreur que j’ai découvert il y a quelques nuitées ce groupe à consonance animale et à priori sa renommée n’a pas encore franchi l’Atlantique. Pourtant le coup de foudre a été direct et j’ai pris de plein fouet cette décharge power pop gavée en bons sentiments. Car malgré son titre profondément ironique, ce premier Ep qui en appelle bien d’autres respire la joie de vivre et la fuite en avant. La configuration du groupe ? Un trio composé de deux cousins, D.W. Nelson (à la batterie) et Derek Brown (voix et synthés), et de la femme de ce dernier, la chanteuse Rachael Brown donc. Tous trois jouent depuis longtemps dans diverses formations (The Stellas, Starlight Mints, Chainsaw Kittens, Liz Phair…) et c’est en 2006 que l’idée de faire un groupe ensembles leur a pris. Une présence époux/épouse qui rappelle d’ailleurs fortement le groupe oublié du Kansas, Mates Of State, dans la musique aussi qui est une sorte de pop sucrée enrobée de synthés.


Un couple donc, qui ressemble davantage à The Submarines qu’à Yo La Tengo dans l’approche musicale. Quant au patronyme, on apprend sans surprise qu’il vient de l’album du même nom des Echo And The Bunnymen dont ils sont fans. Avec ce premier maxi de six titres, le groupe d’Oklahoma (où je le rappelle les Flaming Lips sont une véritable institution, ça a son importance) joue ce qu’ils appellent du "Synthcore", c'est-à-dire une sweet pop sirupeuse -assumons- à base de paroles enjouées, de piano et synthés galopants et surtout d’une grande sensibilité. On pense aux Apples In Stereo, mais aussi à Nena et à Blondie car c’est ici la fille qui fait office de frontgirl, laissant son mari participer vocalement sur deux titres tout de même, "We speak for everyone" et "Pageant", deux morceaux très 80’s et très instrumentés. Mais les deux petites perles, celles qui m’ont donné envie de vous présenter cette équipe, ce sont les deux premiers du maxi, "The dinosaur" et "August is over", deux morceaux en apesanteur, que dis-je, en surf sur des vagues de claviers irrésistibles. Non ?

En bref : un premier maxi de synth pop sympathique et coloré venu du fin fond de l’Oklahoma et destiné à mon sens à conquérir les ondes FM d’ici peu.




Leur Myspace, leur blog et l’Ep en écoute sur LastFm

A lire aussi : The Submarines - Honeysuckle Weeks (2008)

"August is over" à écouter fort et au casque vu que le son mp3 est un peu étouffé, et au moins jusqu'au break à 1'50" :

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The Mars Volta - Octahedron (2009)

Le nouvel et 5ème effort des ex-At The Drive In est sorti cet été. Les fans de longue date d'un des groupes phare de cette mouvance metal prog tendance stoner se sont déclarés blasés de l'option prise sur le nouveau disque, qui fait la part belle aux climats plus doux, plus variés. Le néophyte devrait se montrer plus indulgent, et surtout plus objectif face aux nouvelles chansons de ce groupe qui, décidément, ne ressemble à aucun autre.

The Mars Volta, c'est toujours la chose de Omar Rodriguez-Lopez aux guitares et à la composition et de son acolyte Cedric Bixler-Zavala au chant et aux textes. On note aussi, dans ce line-up à géométrie variable articulé autour des deux hommes, la présence de l'ex-guitariste des assommants Red Hot Chilli Peppers. Tout pourrait ainsi concourir à de prétentieuses digressions solistes, mais il faut au contraire attendre la dernière piste et le ravageur "Luciforms", pour trouver trace d'un chorus de guitare flamboyant.

Contrairement aux apparences donc, que pourraient en outre suggérer ces titres d'inspiration ésotérique et astrologique ("Copernicus", "Luciforms") et cet univers d'heroic fantasy rêvé un peu pompeux, on ne s'embarasse donc pas d'effets de manche chez The Mars Volta, préférant l'expérimentation à la démonstration, les compos pas si étirées que ça finalement, en dépit d'une durée conséquente, aux divagations concept pourtant chères au groupe.

Tout collectif metal qui se respecte a aussi droit à sa ballade, celle qui divise ! Déjà sortie en single, "Since We've Been Wrong", est en ce qui me concerne parfaite ; la voix de Bixler a d'autres atouts à faire valoir que sa seule tessiture haut perchée ; lui ne souffre pas du syndrome hurleur "me la suis coincée dans le zip": tour à tour plaintive, enfantine, agressive, son organe sert la chanson, l'habite - OK, je sors !

Beaucoup d'ambiances doivent sans doute leur tribut à Led Zeppelin, en particulier sur les déflagrations "Teflon" et "Cotopaxi", mais il serait réducteur de ne mentionner que cette influence, tant le groupe sait brasser large. Entre leurs origines portoricaines, ces références cabalistiques teintées d'occulte - on pense aussi aux riches heures de Jane's Addicton, au lyrisme echevelé de ...Trail Of Dead - les deux hommes forts de The Mars Volta savent aussi créer des climats - ce trait d'union planant entre les chansons -, envoûter leurs auditeurs.

Cet album est sans doute plus varié que les précédents ; d'aucuns lui reprocheront des morceaux plus prévisibles. Octahedron offre cependant de belles réussites : sachant réhausser via un refrain coup de poing un morceau d'apparence convenu ("Desperate Graves"), ou faisant voler en éclats une intro sourde et menaçante par le biais d'effets tremolo, rappelant aussi le Black Sabbath seminal -"Luciforms" encore et toujours !

Et puis Cédric Bixler mérite vraiment, et après Rob Tyner, le titre de monsieur Cheveu de la pop historique moderne ! Rien à voir ? Peut-être, mais il était de mon devoir de le souligner !

En bref : une nouvelle étape dans la discographie foisonnante et passionnante de The Mars Volta. De la technique sans esbroufe, de la durée sans longueurs. Du lyrisme sans pathos. Well done !




Le site The Mars Volta, le Myspace

A lire aussi : Jane's Addiction - Ritual De Lo Habitual (1990)

"Cotopaxi" live à Werchter :

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Grizzly Bear - Live au Cirque Royal de Bruxelles, le 08/11/09

Un Cirque Royal pour accueillir un des plus grands groupes de l'année (de la décennie?), rien de moins. En réalité, au vu de la salle, l'enjeu aura vite fait de se déplacer : il ne s'agit plus pour Grizzly Bear d'assumer devant le public européen le rang de génies de 2009 qui leur a été donné, mais, tout simplement, d'apporter la chaleur que même le rapprochement des corps d'une salle comble mais d'un fonctionnalisme glacial ne parvient à créer.

La première tentative revient à St Vincent, seule sur scène, pour un court set d'électro-folk tordue. Puis vient le groupe tant attendu, qui ouvre son set comme il ouvre son grand Veckatimest : par la course folle de "Southern Point". Ce concert confirme que le tournant qu'a pris Grizzly Bear cette année est impressionnant : il est loin le temps où le groupe bidouillait ses pédales à effet à même le sol, il est loin le temps de l'électro-folk éthérée. Aujourd'hui les compositions de Grizzly Bear sont structurées avec grande classe. Aucune chanson de l'inaugural Horn Of Plenty sera jouée ce soir. Mais les deux tiers de la set list sont néanmoins consacrés à Yellow House. Sur certaines, on peut à nouveau voir Chris Taylor quitter sa basse pour s'accroupir à ses pédales et manipuler ses instruments à vent. Mais parlons plutôt des chansons de Veckatimest, celles que nous sommes venus entendre ce soir à vrai dire ; ces chansons, nous les connaissons déjà par cœur, et pourtant, ce soir, elles se révèlent à nouveau. C'est qu'elles sont, en live, débarrassées de cette patine, de ce voile de poussière, de cette distance que la production de Veckatimest leur avait ajouté. Ces "Cheerleader", "Fine For Now", ou encore "Ready, Able" se permettent enfin, en plus de se montrer élégantes et parfaitement construites, d'être émouvantes.

Ce qui impressionne le plus dans ce concert, plus encore que la maîtrise instrumentale de chacun des membres du groupe, ce sont les voix. Le son de la salle est parfait, et les polyphonies de Grizzly Bear donnent des frissons. Ed Droste et Daniel Rossen sont de grands vocalistes, et Chris Taylor et Christopher Bear sont d'excellents choristes. Le groupe fonctionne en parfait quatuor. Et même si Grizzly Bear a commencé en tant que projet solo, même si l'écriture chez Grizzly Bear est bicéphale, il n'y a chez Grizzly Bear pas une personnalité qui ne se mettent en avant. Sur scène, batteur et bassiste jouent au même plan que les deux chanteurs. L'humilité et la solidarité, chez Grizzly Bear, sont aussi ce qui impressionne.

La scénographie est discrète et chaleureuse. Elle consiste en de petites ampoules de faible intensité posées ou suspendues, hébergées dans des pots de verres. Grizzly Bear reste un groupe de salon. Le morceau de clôture de Veckatimest, "Foreground", dont on avait jusqu'à ce concert pas encore saisi toute la beauté, offre un moment inoubliable. La chanson s'éteint, pendant plusieurs secondes, dans le noir le plus complet ; le spectateur, devenu à nouveau simple auditeur, frissonne d'émotion, conscient de la proximité chaleureuse des corps invisibles, l'obscurité lui préservant toute la beauté de ce qui vient de s'achever. Voilà la révélation de cette tournée : Grizzly Bear laisse enfin une place à l'émotion pure dans sa démarche artistique.

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Mark Oliver Everett - Things The Grandchildren Should Know (2008)

Que se cache-t-il derrière ce titre énigmatique? Ni plus ni moins que l’autobiographie d’un homme comme les autres, enfin pas tout-à-fait non plus, puisqu’il s’agit du songwritter Américain plus connu sous le nom de Eels. Tout a déjà été dit sur sa vie, et tous ceux qui la connaissent un peu savent qu’elle n’a pas toujours été facile, les critiques ne pouvant s’empêcher de nous le présenter avant chaque nouvelle chronique. Eels est le seul et unique survivant de sa famille, oui on sait. Mais ce qui m’a poussé à lire ce bouquin anglophone, hormis une certaine passion pour la musique du bonhomme, c’était l’envie peut-être voyeuriste de l’entendre de sa bouche, ou plutôt de le lire de sa plume. Et surtout, parvenir à comprendre comment il a pu tirer quelque chose de tout ça, comment il a pu survivre et faire carrière là où beaucoup d’autres de son espèce auraient choisi la méthode radicale. C’est donc de manière chronologique dans un style littéraire des plus simples que Mark Oliver s’installe et nous raconte son histoire, de sa jeune enfance à aujourd’hui, sans condescendance ni égo démesuré, simplement l’histoire d’un homme.

La grande force de ce bouquin, mis-à-part sa simplicité, c’est le talent de Mark à sélectionner les anecdotes les plus savoureuses de son existence, qu’elles soient drôlissimes ou simplement essentielles à la compréhension de son univers. Ainsi on découvre avec intérêt ses premiers amours adolescents, avec des descriptions qui s’apparentent à des couplets d’hypothétiques morceaux, du genre "She had short hair for a girl, I had long hair for a boy". C’est tout bête mais c’est le genre de remarque qui fourmille dans ce récit, et qui à chaque fois vous arrache un sourire. On apprend ensuite comment il est devenu malgré lui le bad boy du lycée vers 16 ans, comment de batteur il a voulu devenir frontman, et on arrive bien vite dans les sujets délicats, dont la première tentative de suicide de sa sœur avec qui il avait une relation très privilégiée. Et Mark ne tarde pas à nous raconter la scène où il retrouve son père mort de crise cardiaque à 51 ans, ainsi que la non-relation qu’il entretenait avec lui, lui le scientifique de mécanique quantique incompris par ses pairs. Plus tard Mark confie : "I had been angry at him all these years but, now that I saw much of him in myself, it became easy to identify with him".

"Things The Grandchildren Should Know" :


Après cette première épreuve, qui le laisse seul à la maison avec sa mère et sa sœur, Mark se met au parachute, pour se sentir vivant comme il dit. Puis il donne des cours de musique pour des enfants perturbés, se sentant lui-même déjà un peu à coté de la plaque, "I felt like such a lost cause, with nothing going for myself". Et puis à 23 ans il prend la plus grosse décision de sa vie : quitter le foyer familial qui s’écroule pour tenter de réussir dans la musique. Direction la Cité des Anges, by car. Et là une fois de plus c’est magique, pour les fans au moins, quand on découvre comment sont nées les chansons. "Some were about girls I liked. Some were about how lonely I felt. The usual song fodder, I suppose". Tel un parfait arriviste, Mark avait toujours une cassette de démo dans la poche, juste au cas où. Puis il rencontre Carter son futur manager qui arrive à le signer pour deus albums chez Polydor par un extraordinaire coup de bol. La suite on la connait, ce sera A man called E en 1993 et A broken toy shop en 1994 sous la seule lettre E. "Hello cruel world" est son premier succès. Puis plus rien. Passage à vide. Jusqu’à ce qu’il entende Portishead à la radio qui lui inspire le morceau "Novocaïne for the soul". Passage de E en Eels, quelques concerts notamment chez KCRW, un buzz qui monte et les propositions affluent. Ne choisissant pas l’option la plus rémunératrice, Eels choisit d’être le premier artiste Dreamworks. Elliott Smith sera le second. Les scènes où les deux antihéros se rencontrent et passent du temps ensembles sont d’ailleurs grandioses (Elliott était très fan du morceau "Motherfucker", le gouvernement un peu moins). Il est d’ailleurs étrange de comparer les trajectoires de ces deux hommes, très proches l’un de l’autres et pourtant avec deux approches complètement différentes de la carrière, Elliott n’ayant rien fait pour que le succès arrive, et Mark ayant tout donné depuis le début pour réussir.

La suite est moins gaie. Alors que sa carrière décolle enfin, Mark reçoit le coup de fil qu’il redoutait tant. Sa sœur est partie pour de bon cette fois-ci, elle qui était "My biggest fan". A ce moment Mark ne comprend pas comment cela peut arriver alors qu’il doit se réjouir pour sa carrière : "This was the moment when I stopped trying to make sense of the world, because this just didn’t make sense". C’est alors qu’il se sépare de Carter, pour faire ce qu’il veut. "I wanted to be upfront and dry, even if it made me uncomfortable. Just like this book". Une autre des qualités de Eels, son intransigeance. Il fait ce qu’il veut, que la maison de disque aime ou pas, du moment que pour lui son album est bien comme il est. C’est le cas pour Electro Shock Blues et ceux qui suivront. Eels fait toujours ce qu’il veut, au grand dam des ses producteurs qui finissent par ne plus rien attendre de lui. Heureusement que public et critiques sont avec lui. Et puis Spider son principal musicos décède, et puis sa mère finit par décéder également, d’un cancer évidemment. Et Eels toujours de se relever avec une force phénoménale: "But even, though it was sad, I wanted it to be a wake up call for those of us who were alive and kicking".

Plus qu’une simple autobiographie, Things The Grandchildren Should Know est un exemple à suivre. Le message, très simple à dire, moins à faire : tirer le meilleur de tout ce qui peut arriver de mauvais, ne jamais baisser les bras, toujours relever la tête, parce que rien n’est jamais perdu et que, "It only takes a second for your life to change in huge ways". Respect Mister Eels.

Le site officiel

A lire aussi : Eels - Hombre Lobo (2009)

"Hey man", la chanson la plus positive de Eels :

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Concert - Be My Weapon + Stars Like Fleas + Ralfe Band le 27/10/09

Talitres, le label Bordelais que l’on ne présente plus, organisait il y a peu au Château Palmer de Cenon une soirée bien particulière. Réunies sur un même plateau, les trois pointures de la maison, soient trois groupes trop rares, trop indés, trop doués. Une triplette de formations inconnues du grand public, la faute à une distribution confidentielle, mais une triplette HD pour ceux qui ont eu la chance de recevoir l’info et de se rendre dans ce mystérieux château dominant un Bordeaux illuminé de mille feux.

Bravant mon rhume A de circonstance, je pénètre dans une salle que l’on croirait "des fêtes". Je ne m’attendais pas à ça, mais me sens rassuré en croisant des visages connus. Tout le "gratin" indie bordelais semble s’être donné rendez-vous pour saluer l’excellent talent de défricheur international de l’écurie de Sean Bouchard. Ralfe Band, l’un de ses chouchous, ouvre le bal de son folk champêtre en anglais. Son dernier opus Attic thieves avait été accueilli à bras ouverts par la presse spécialisée qui avait salué son élégance mélancolique. Et c’est exactement ce que l’on retrouve en live. Oly Ralfe, son frère d’arme Andrew Mitchell et leurs potes de tournée sont des touche-à-tout géniaux et la magie opère aisément.

"Women of Japan" :


Pause clope générale dans les jardins plongés dans l’obscurité, et le rarissime collectif de Brooklyn Stars Like Fleas entre en piste. Souvenez-vous, je vous avais parlé en 2007 de The Ken Burn Effect avec enthousiasme, le live est encore plus fou. Déjà prenez le frontman Montgomery Knott, qui se tient dignement avec une capote en laine sur la tête, un plaid sur les épaules et une barbe jusqu’au nombril. Syd Barrett sors de ce corps ! Et qui dit collectif dit nombreux instruments : harpe, porte-voix, violon, pédales, et surtout batterie, avec un batteur exceptionnel aux commandes de ces expérimentations post-rock en permanente instabilité. Les anti-mélodies sont servis puisque la musique des New-Yorkais s’apparente plus à de la musique improvisée de type free jazz qu’au format pop. Et c’est finalement ce qui fascine, car sans vinaigre le miel ne vaut rien. Voir sortir de ce magma bruitiste des flèches de mélodie insaisissables et fuyantes, c’est assez exceptionnel. Les Stars Like Fleas jouent une musique lente (de canapé diront certains), construite par touches, et qui ne ressemble à rien d’autre (allez si, peut-être un peu Akron/Family par moments). Eblouissant.

Un live des Stars Like Fleas :


Enfin, dernier larron à fouler les planches de cette scène improvisée, le grand David Freel que tout le monde connait sous le nom de Swell et ce soir rebaptisé Be My Weapon depuis son album March 2009. Son indécrottable casquette de nerd américain vissée sur la tête, il présente sa troupe, restreinte puisqu’il s’agit d’un trio. Mais quel trio ! A la batterie, peut-être l’un des meilleurs batteurs qu’il m’ait été donné de voir (d’aussi près en tous cas), Ron Burns de Smog. A la guitare et aux effets, Brian Mumford, tout aussi bon mais plus en retrait. Le schéma des chansons de Be My Weapon est assez original : Freel qui joue ses arpèges à la sèche, Mumford qui rajoute quelques effets et quelques simples notes, Burns qui plaque sa batterie par-dessus. On s’en doute avec Freel, les accords sont tous en mode mineur, le songwritting décontracté voire répétitif, mais on entend les mouches voler. Tout le monde est envoûté par ce folk déprimé et déprimant (on ne change pas) joué par un homme amoché, cabossé et amer, et ce même si je suis le seul à penser que "I miss your mischief" fait penser à "Hotel California". Tout le monde en redemande et le Californien exécute un rappel pour conclure cette bien belle soirée qu’on aurait cru privée.

"Bad bad bad" :


Les sites de Ralfe Band, Stars Like Fleas et Be My Weapon

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Linkwood - System (2009)

C’est en Linkwood (Nick Moore) que Trus’Me a placé toute sa confiance pour la première sortie album de son label Prime Numbers, dont je vous ai déjà dit beaucoup de bien. Comme pour toutes les précédentes prods, rien n’a été laissé au hasard, jusqu’au graphisme léché dont les à-plats de couleurs rappellent les artworks de nombreux albums de jazz des 60s et des 70s. L’orfèvre écossais a passé plus d’un an à travailler sur ce disque et le moindre beat témoigne d’un perfectionnisme forcené. Mais ça, c’est loin d’être une surprise. En revanche, là où je m’attendais à une débauche de deep-soul, je découvre un album infiniment plus varié et complexe, et dont la dominante serait plutôt… l’électro-funk !

Plus proche de Kraftwerk ou Cybotron que de Moodymann, la menaçante et métallique "Robot Parade" révèle d’entrée une facette inédite du musicien, à mille lieues du son soyeux dont il est coutumier. Il y aurait presque de quoi se sentir trahi. Après ça, les 8 minutes de pure soul de "Tears" rassurent forcément. Dans la veine de ses énormes "Lost Experiment" et "R.I.P.", Linkwood lâche un instrumental cinq étoiles à base de Moog et de vibraphone, sur lequel Reggie Watts pose son chant limpide, et même quelques petites phases de scat. Après la funky mais pas bouleversante "Falling", on pénètre dans la seconde et meilleure partie du disque par "Pumpernickel", dont les chœurs nonchalants et les échos de cuivres me font penser à des groupes en Tom, genre Tomboy ou Tom Tom Club. Même s’il est excellent, il ne fait aucun doute que ce morceau n’est là que pour faire monter légèrement la sauce avant l’énorme "Fudge Boogie".

Là, impossible de me brider, il faut bien que je l’avoue, je suis complètement gaga de ce titre depuis la première écoute. "Fudge Boogie" correspond exactement à mon idée de ce que doit être la funk aujourd’hui : raffinée mais dansante, synthétique mais humaine... Il y a indéniablement du Metro Area dans cette savante superposition de claviers (joués par le maître Fudge Fingas) et ce beat qui résument le meilleur du disco-garage new yorkais et de la house, mais avec une densité bien contemporaine. Avec en prime cette voix de diva qui clame : "I need you baby, and I get what I want / If I don’t get it, it’s because I don’t want it"… C’est pas du Roland Barthes, mais ça flanque des frissons... La qualité ne baisse pas avec la bombe housey "Chicago", l’impeccable dub-techno du morceau-titre (qui n’a rien à envier aux patrons du genre comme Echospace ou Beat Pharmacy) ou la très, mais alors très deep "Nectarine" et ses arpèges dignes de Larry Heard. La variété des genres, loin de plomber l'écoute, donne toute sa cohérence à ce System. Bluffant.

A noter : l’album est déjà sorti en CD mais la sortie du triple vinyle a été retardée. A surveiller !

En bref : un premier album parfaitement construit qui voit Linkwood s’éloigner de la sempiternelle house soulful pour balayer un spectre électronique beaucoup plus large, sans aucune faute de goût. A star is born !





Linkwood – Fudge Boogie.mp3



Le Myspace de Linkwood

Celui du label Prime Numbers

A lire aussi : Compilation Prime Numbers (2008) et Linkwood - Miles Away (2004)

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Floating Points - Vacuum EP (2009)

Complètement inconnu au début de 2009, Floating Points a sorti quatre superbes maxis de suite qui l’ont propulsé parmi les grosses révélations électroniques de l’année. Mais c’est début septembre qu’il a véritablement cassé la baraque avec ce Vacuum EP absolument irréprochable, paru sur Eglo, son propre label fraîchement sorti des fonts baptismaux. Que dire de "Vacuum Boogie", plat de résistance de l’EP, sinon qu’il s’agit d’une bombe en bonne et due forme, suffisamment riche pour me tenir en haleine dans mon canapé, et suffisamment groovy pour satisfaire un dancefloor bondé en plein peak time ? Ce style que l’on pourrait définir comme de la boogie-house (qui fait fureur en Angleterre, comme en témoignent plusieurs tracks du récent album de Linkwood) semble avoir trouvé son maître en la personne de Sam Shepherd.

Capable de produire de petites perles dubstep pour le compte de Planet Mu, ou de faire un détour par le hip-hop (sa toute première œuvre, "For You"), le Londonien livre cette fois un monument de house mélodieuse à la formule somme toute assez simple, tout en progression, à gros coups de synthés ravageurs. Quelle originalité, me direz-vous ? Aucune. Juste une qualité de production ahurissante et une sorte de souffle qui traverse le morceau jusqu’à l’extase de la quatrième minute. Tout est logique, sans snobisme ni maniérisme, mais bigrement euphorisant. Et cela suffit pour tenir l’un, si ce n’est le carton house de l’année… Sur l’autre face, la plus posée "Truly", avec son piano papillonnant aux vagues réminiscences chicagoanes, mérite aussi une écoute attentive, tout comme le jazz aquatique d’"Argonaut II", dont les fans de Theo Parrish devraient instantanément tomber accro.

En bref : l’un des meilleurs, si ce n’est le tout meilleur EP house de l’année 2009. Absolument indispensable.


Le site du label Eglo

Le Myspace de Floating Points

A lire aussi : John Daly – Sea & Sky (2009)

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The Auteurs - Now I'm A Cowboy (1994)

En 1994, alors que la pseudo guéguerre Oasis/Blur fait rage, et que l'étendard britpop fallacieusement mis en avant par le NME est à la mode,  une poignée de groupes méritant vraiment le statut d'indé, résiste à la hype de la pop brittonne suffisante.
Ces groupes ont pour nom The Mabuses, Baby Bird ou The Auteurs. Déjà, dès le nom, tout est dit : The Auteurs plutôt que The Authors. On sent poindre un certain classicisme et des références de bon goût, davantage portés vers la littérature française que vers le "renouveau" pop britannique bas du front, aux relents nationalistes douteux.
Donc, loin d'être préoccupé par la compétition stérile opposant aux groupes susnommés les Pulp, Elastica ou Suede, le dénommé Luke Haines qui ne souhaite pas se mélanger fabrique une pop qui n'a rien de révolutionnaire - bonnes grosses guitares électriques et acoustiques sont du casting - mais dont les thèmes les plus doucereux, les plus délicats sont soulignés du violoncelle de sa compagne, Alice Readman. Dès l'ironiquement nommé New Wawe (1993), la presse s'esbaudit avec raison, de ce son volontiers suranné, de cette pop baroque d'influence Kinksienne - une chanson ne s'intitule-t-elle d'ailleurs pas "Starstruck" ?"

Mais ce qu'il y a de nouveau, et de quasi unique à l'époque au Royaume-Uni c'est que nous avons bel et bien affaire à un songwriter de la trempe des glorieux anciens que sont Ray Davies, Steve Marriott ou Pete Townshend. Un songwriter, un vrai de la trempe des Morrissey ou Costello - on n'en voit guère d'autres parmi ses contemporains - si l'on juge non pas la médiocrité, mais la simple absence d'intérêt des textes de 90% de la musique pop qu'il est alors donné d'écouter.
Quotidien des petites gens, des anonymes dans leur banlieue sordide, chroniques de classes, il y a un peu de tout ça chez Haines. Acuité, tendresse, un certain cynisme aussi, mais point d'accents belliqueux. On évitera donc les raccourcis hâtifs avec le patronyme de l'Auteur en chef. Qu'il s'agisse de cette histoire d'inceste en demi-teinte ("A Sister Like You") et de son violoncelle toujours caressant, ou bien de cet engoncement de valeurs mis en lumière dans la chanson qui cite le titre de l'album ("Life Classes/Life Model").

Le single "Chinese Bakery", a cette ambiance très cinématographique et romantique ("She's going dowtown, but she comes from uptown / where the brokers and the dealers socialise/ She's going downtown 'cause she's a poet / and the Chinese bakery's open all night") ; il y a aussi les désolantes amours impossibles de "Underground Movies", la quête de la renommée illusoire de "New French Girlfriend".

Tout ici est stylé, affaire de goût, et les mélodies, les arrangements sont là qui, sans faire de surenchère, savent aller à l'essentiel ("Lenny Valentino", irrésistible brûlot d'ouverture de 2'19"). Jusqu'à la monumentale "The Upper Classes" et ses envolées de guitares rythmiques en boucle, qui avec ses 6'44" déroge à la règle de la concision, mais dépeint avec une précision, un feeling rares la vacuité d'une haute lignée ("There's nothing wrong with inherited wealth/ If you melt the silver - yourself").

Puis les parenthèses Baader Meinhof et Black Box Recorder seraient les dernières à porter leur auteur au pinacle. L'artiste continue cependant dans un relatif anonymat et sous son nom, à porter la bonne parole. Qu'importe : c'est sous la bannière de son 1er groupe et de ses quatre déclinaisons - il y eut aussi After Murder Park (1996) et How I Learnt to Love The Bootboys (1999) - et plus particulièrement de cet opus imparable, que nous continuerons de nous abreuver.

En bref : un disque oublié de la triomphante Albion des 90's. Mais qui, contrairement aux dinosaures de l'époque dont on s'est lassé, résiste au temps. Une écriture, une patine qui font souvent défaut dans la production ambiante.

Le site de Luke Haines, le Myspace des Auteurs

Le clip de "Lenny Valentino" :

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Gliss - Devotion Implosion (2009)

Le nom, la pochette m’avaient laissé circonspect. Une connaissance de bon conseil et la présence dans les bacs Total Heaveniens m’avaient plutôt intrigué. Je me suis finalement laissé allé à écouter Gliss et je ne regrette rien, pas une miette. L’idée est simple, creuser un peu plus ce revival shoegaze déjà largement représenté cette année par The Pain Of Being Pure At Heart, Crystal Stilts, Crocodiles et j’en passe. De l’anglais par des américains en somme. Parce que ce que l’on retrouve derrière tout ça, et Nickx avait raison, c’est la pierre angulaire Psychocandy. Le fantôme des Jesus And Mary Chain n’a jamais été aussi présent que sur ce disque, à la différence près qu’il est ici en compétition avec un petit côté Siamiese Dream de la bande à Corgan. Toujours est-il que la formule est gagnante : un trio, des guitares avec des effets, et des mélodies pop qui tiennent la route.

Mais avant tout, Gliss c’est qui ? Eh bien c’est la chanteuse, bassiste et programmatrice Victoria Cecilia (d’origine danoise, qui aime le death metal), le guitariste David Reiss (qui aime le jus de pomme et les audio books) et le chanteur Martin Klingman (qui aime le Velvet et le yoga). Tous sont multi-instrumentalistes, il parait même qu’ils s’échangent leurs instruments en concerts. Leur premier Lp en 2006 Love the virgins avait été remarqué mais sans plus. C’est Gareth Jones (Depeche Mode, Liars, Wire, Clinic) qui s’est chargé du (très bon) mixage. Et surtout, on les connait très utilisateurs d’internet sous toutes ses formes (blog, Facebook, Twitter…). Ok, mais quoi de neuf sous le soleil de Los Angeles ?


Tout d’abord une entrée en matière pour le moins efficace. Le massif "Morning light" perfore vos oreilles dès les premières secondes. Le titre est impeccable, la mélodie est évidente, les guitares torturées comme il faut et surtout le traitement de la voix est exemplaire. Selon les titres, Martin chante seul ou avec Victoria. Et quand la voix jeune et androgyne du premier copule avec celle de sa partenaire, l’effet est garanti. Il en manque peu pour que ce titre devienne un classique et j’adore tout particulièrement l’ambiance lendemain de fête qui plane au dessus du morceau. Pas de répits puisque "29 acts of love" est tout aussi direct. Dans le genre, il est difficile de faire meilleur single au groove pop.

Et puis vous avez les morceaux plus mous du genou. Je pense au sinistre "Sleep", au lancinant "Love songs" et au très Hammondien "Sister sister". C’est lent, atmosphérique, froid et donc élégant. A l’anglaise. "Beauty", "Sad eyes" et "Anybody inside" chassent sur des terres plus dream pop, moins plombées, plus lumineuses, même si les échos de guitare sont toujours aussi dégueulasses, la rythmique kraut et l’ambiance psyché. Enfin, last but not least, la perle centrale "Lovers in bathroom" où les californiens montrent qu’ils savent faire jouer leur guitare dans un très joli final.

En bref : 10 morceaux où quasiment rien n’est à jeter. Du shoegaze anglais par des américains inspirés et sympathiques. Que demander de plus ?

Le Myspace

A lire aussi : The Jesus And Mary Chain - Pyschocandy (1985)

"Morning light" :

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Dub Echoes - Bruno Natal (2009)

Pour beaucoup, le dub ne se résume qu'à une simple succession de boucles instrumentales, quelques basses bien nourries et un usage extensif des effets de réverbération et autres bricolages sonores. Mais bien plus que ça, cette musique, née d'une manipulation hasardeuse à la fin des années soixante, s'est révélée, dans son épure rythmique et stylistique, une matrice essentielle et une influence décisive pour de nombreux artistes, dans de nombreux registres, du hip hop à la musique électronique, en passant par le rock ou le punk. Qui n'a pas observé les innombrables remix "dub" qui ornent aujourd'hui fréquemment les secondes faces des vinyles lorsqu'ils ne rayonnent pas sur les premières. Rappelons-nous aussi, d'un si symbolique live des Clash à Kingtson, une certaine année 1982, et des générations d'artistes qui citèrent, ou citent encore, les pères fondateurs jamaïcains du dub et leur audacieuses expérimentations sonores.

Si le documentaire du Brésilien Bruno Natal, distribué dans nos contrées par Soul Jazz Records, a mis cinq années à être bouclé c'est justement pour recueillir l'indispensable témoignage d'un des pionniers de la musique dub, Lee "Scratch" Perry. Il est vrai que pour la parole du génial producteur et ingénieur du son, aussi brillant qu'azimuté, on peut prendre son mal en patience. Face caméra, le grand maître livrera ainsi sa synthèse illuminée : "La basse est le cerveau et la batterie est le coeur, qui donne l'impression d'être vivant". A vous de méditer.

Vous l'aurez compris, Dub Echoes est le fruit d'un travail de longue haleine dont la richesse des personnages est sans conteste la preuve la plus éclatante. Pour convaincre les profanes du caractère révolutionnaire du dub et de son immense influence sur la musique contemporaine, le réalisateur carioca a convoqué une pléiade d'artistes de tous horizons. Des inspirateurs historiques comme Perry, King Jammy, Sly Dunbar (de Sly and Robbie), Mad Professor, U Roy ou Bunny Lee aux "héritiers" tels que Roots Manuva, Bullwackie, Peter Kruder, 2 Many Djs ou encore Thievery Corporation et Asian Dub Foundation.


Tendant à l'exhaustivité, le film remonte à la culture jamaïcaine des sound-systems des années 50, véritables joutes de rue entre propriétaires d'installations sonores démesurées où l'exclusivité d'un titre et et la puissance fracassante d'un empilement d'enceintes pouvaient assurer à son possesseur succès populaire et renommée. C'est dans ce cadre, par un bel après-midi kingstonien de l'année 68, qu'un dénommé Ruddy Redwood se rendit au studio Treasure Isle de Duke Reid pour mettre en boîte un titre. L'ingénieur du son omettant d'enregistrer la voix du chanteur, la galette (dubplate), vouée aux oubliettes de l'histoire de la musique, initiera la vague dub. Dès le lendemain de son pressage, le morceau fait un ravage dans les sound-systems de l'île et rapidement des émules.

Très justement, Bruno Nadal n'oublie évidemment pas de consacrer le temps requis et mérité par les prophètes que furent ensuite King Tubby et Lee Perry, techniciens du sons et éminents bricoleurs autant que compositeurs géniaux. Il n'omet aucun détail mais c'est véritablement par la confrontation des témoignages entre anciens et modernes que le documentaire prend toute son ampleur. La foi inextinguible et la passion affichées par des musiciens loin d'être nécessairement catalogués "dub music" est saisissante. A Howie B, producteur entre autres de Björk, U2 et Tricky, d'en faire état : " Les gens continueront de découvrir le dub dans 20 ans, quand la drum'n bass aura disparu, quand le hip hop aura disparu, et peut-être quand le rock aura disparu". La pratique du sample et des effets ainsi que la recherche d'une épure rythmique dans la basse et la batterie ont transcendées les générations. Personne ne peut stopper l'"écho dub", tel pourrait être d'ailleurs le mot de la fin de ce film imposant et riche. Mais plutôt que de paraphraser, vais-je une nouvelle fois laisser la parole au laconique Lee Perry. "The dub has no end" nous lance-t-il. Le voilà le véritable mot de la fin.

En bref : Complet et intelligent, le film que la musique dub méritait. Un document essentiel, distribué une nouvelle fois par le classieux label londonien Soul Jazz Records.




A noter qu'une excellente compilation, intitulée également Dub Echoes, a accompagné la sortie du film.

Les sites web de Dub Echoes et Soul Jazz Records.

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La bande-annonce de Dub Echoes :

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