Mystery Jet - Twenty one (2008)

Play. "Hideway", premier titre et sirène d'alarme précédant le chant de Blaine Harrison. Le dj Erol Alkan est bien aux arrangements et le père, Henry Harrisson, n'est plus là. Le quatuor londonien qui en 2006 se payait le luxe généalogique d'afficher dans un même groupe un père et son fils dans Making Dens (d'avantage une compilation de singles et d' Ep que véritable premier album) vole aujourd'hui de ses propres ailes. Et c'est justement sous l'aile de Rough Trade que sort ce 11 titres dans le marasme des groupes anglais. Pas de The, c'est déjà ça. Il aura fallu de longs enregistrements (plus d'un an) dans divers studios londoniens (Konk, The Pool, The Garden, The Madhouse...) pour accoucher de modestes pop songs changeant de rythmes, d'époque et de son à chaque nouvelle chanson. Outsiders au milieu des Killers et autres Raptures, Mystery Jet s'en sort plutôt bien, dans le divertissement, sans révolutionner quoi que ce soit.

Plus travaillé, plus sage, Twenty one (passage à l'âge adulte) concentre néanmoins ses forces sur de nombreux arrangements eighties ("Two doors down", "Unbrellahead", "Behind the bunhouse") joliement excentriques et libérés. Laura Marling échappée des Noah and the Whale vient prêter main forte à un "Young love" des plus sympathiques. Comme sur le dernier Kooks, la candeur juvénile joue son rôle et les sonorités qui en ressortent sont d'avantage destinées à accompagner le trajet jusqu'à la plage qu'à bercer de longues veillées mélomanes. "Half in love with Elizabeth" ou "Fakes" et ses Ohohoh n'y vont pas par quatres chemins, pas plus que "Two doors down" dont les propos sentent un peu le réchauffé teenage "I think I'm in love with the girl next door, lalala...". Bien plus gai qu'un JT, Mystery Jet se savoure sans stress une rondelle de citron au dessus des glaçons.

En bref : 11 jolies chansons pop qui mettent le peps. Pas plus, pas moins.
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Le site officiel et le Myspace :
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A lire aussi : The Kooks - Konk (2008)
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Les vidéos de "Young love" et "Two doors down":

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Olivia Tremor Control - Dusk at cubist castle (1996)

"Il y a plus dans cet album que ce qu'il est possible d'y entendre". C'est la citation de Matt le May de chez Pitchfork qui adjugea en 2004 la note de 9.4 sur 10, score rarement atteint pour un classique de pop expé non reconnu. Produit par la meilleure communauté néo psyché de l'histoire, le collectif Elephant 6 d'Athens dont je vous ai déjà parlé aux travers des non moins classiques Neutral Milk Hotel, ce chef d'oeuvre lysergique chanté par Bill Doss et Will Cullen Hart s'est également vu allouer les participations guest star de Jeff Mangum justement mais aussi de Robert Schneider (Apples In Stereo) à la prod. Stratifié comme un ognon, on se ballade dedans, d'une couche à l'autre (Merci Pampers!) et on se retrouve bien vite intoxiqué par ses accès de psychédélisme et d'harmonies vocales sixties, d'avantage Beatles que Beach Boys, pour une fois. Ici on n'imite pas, on expérimente. Enregistré entre 1993 et 1996 sur un banal 4 pistes puis étendu en 8 pistes par Mr Pommes en stéréo, ce premier opus presque révolutionnaire fait aussi la part belle aux distorsions et aux fuzz lo fi.

Dusk at cubist castle est à la base un concept album si on lui ajoute son préfixe Music from the unrealized film script. Il devait originairement s'intituler Orange Twin mais à cause du projet parallèle de label d' Of Montréal portant le même nom, il en a été autrement. Et pour un premier album, les structures inattendues et complexes de ce disque pourtant ensoleillé annoncent déjà les prémisses de ce qui sera le deuxième et dernier Lp du groupe, le non moins indispensable Black Foliage qui, si on lui enlève ses parties bruitistes insoutenables, est un disque pop parfait. Douze ans après, ces oeuvres continuent de surprendre car elles appartiennent à la fois au normal et au paranormal. Et comme le faisait à peu près remarquer notre frère à tous Nickx, les meilleurs pop songs ne sont pas celles sur lesquelles on peut discuter tangiblement mais celles basées sur l'émotion et la mémoire inconsciente de l'homme. Et après plusieurs écoutes, croyez moi on nage en pleine inconscience collective.

Essayer de décrire les titres d'un tel album reviendrait à tenter de comprendre Piper at the gates of down ou bien évidemment Pet Sounds et St Pepper. Des accumulations magiques qui tiennent debout on sait pas comment, et qui savent se montrer tout autant étranges et inquiétantes que joyeuses et généreuses. "Jumping faces", mélancolie sixties introspective qui choisit l'astuce de se répéter sur elle même pendant 2 minutes puis qui envoie subitement sa mélodie, ses voix, ses guitares et son piano. Typique du morceau Elephant 6. Il en est de même pour le drone "No growing" et la pop majestueuse de "The Opera House", ouvrant le disque et disponible en écoute ci dessous. Après on frise la beauté sur "Holiday surprise", la pop anglaise sur "Courtyard", le piano pop sur "Marketing time". Tout est mis en oeuvre pour varier sans jurer, pour amener une nouvelle expérience d'écoute sur plusieurs dimensions, à l'aide de boules de prières tibétaines (faut le savoir), de scie musicale (presque trop classique) et de space bubbles (!?!). Pourquoi tout comme NMH, OTC a-t-il explosé en vol? Non mais pourquoi? Je suis orphelin de musique.

En bref : Unique et inoubliable, Dusk at cubist castle est un Must have de l'expérimentation sixties engendré 30 ans plus tard par une bande de drogués bien décidés à foutre le bordel.
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Le Myspace non officiel (fait par les fans) et le site d’ Elephant 6
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A lire aussi : Neutral Milk Hotel - In the aeroplane over the sea (1998)
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X-Men - J’attaque du mike / Diable Rouge (1996)

A l’heure où le rap français n’est plus qu’un cadavre purulent, il est bon de se souvenir d’une époque où l’hexagone comptait sur l’échiquier hip-hop mondial. Pas en terme de ventes, mais de qualité. Une époque où Skyrock commençait à peine à s’immiscer dans le rap et où les vrais amateurs se branchaient sur Générations 88.2 pour écouter freestyler la crème des MCs d’alors. A cette époque, le meilleur crew, et de loin, s’appelait Time Bomb. Une réunion d’individualités fortes sous la houlette de DJ Mars, DJ Sek et Ricky, fanatiques du son lourd du rap east coast. Et même si la plupart de ces individualités se sont ensuite fourvoyées dans leurs choix artistiques, elles resteront toujours liées à cet âge d’or du rap à la française qui court de -disons- 1992 à 1997. Snif.

Parmi les premières galettes de la toute jeune équipe, ce maxi, dont la sortie (en 1996) suivait de peu celle de la compilation Time Bomb Vol.1, est certainement le disque le plus emblématique du label. On y trouve le mythique “Time Bomb explose”, un morceau de près de 6 minutes où une belle brochette de MCs se succèdent au micro, de Pit Baccardi à Hifi en passant par Ali et Booba de Lunatic, dont c’est l’une des premières apparitions. Resté célèbre, le refrain (“Combien de blessés fils ? / Difficile à dire mais des têtes vont tomber”), s’il n’est pas un paradigme de finesse et d’intelligence, exprime parfaitement l’esprit de l’équipe, réunion de jeunes fauves des cités d’Ile-de-France prêts à tout bouffer pour se faire connaître. Les paroles, qui ne s’éloignent jamais de l’égo-trip et de l’esprit battle (“Ton flow c’est des gouttes d’eau sur mon K-Way”...), sont l’oeuvre de rappeurs élevés au freestyle et pas encore habitués à structurer des textes et développer des thématiques. Les X-Men, et particulièrement Hill G (dit “Ill”), impressionnent avec leur technique à la ricaine, leur diction souple et leurs punchlines bien troussées. En plus de “J’attaque du mike”, déjà présent sur la compilation, on trouve ici un remix de haute volée, “J’attaque du mix”, où un sample de Norman Connors accueille des lyrics inédits et jouissifs. Diable Rouge, qui partage la tête d’affiche avec les X-Men, livre quant à lui le rigolo mais dispensable “L’homme que l’on nomme Diable Rouge”. Cent fois plus faible que le reste du crew, il se révèle être un piètre MC. On est d’ailleurs sans nouvelle de lui aujourd’hui.

Même si DJ Mars continue à faire tourner Time Bomb avec de nouveaux artistes, les grandes heures du label appartiennent désormais au passé, comme le prouve d’ailleurs la sortie prochaine d’une anthologie. Restent un excellent album (le premier Oxmo, dont toutes les instrus sont signées par les producteurs maison), quelques apparitions fracassantes sur des compiles (L432, Hostile, L’invincible armada...) et surtout de nombreux freestyles et mixtapes, dénichables sur le net avec un peu de persévérance. Quant au maxi dont il est ici question, il est à ma connaissance introuvable dans le commerce. Ceux que ça intéresse trouveront ci-dessous quelques mp3 sur lesquels ils lâcheront certainement quelques larmes nostalgiques.

En bref : Un maxi d'anthologie qui résume à lui seul le son de Time Bomb, la meilleure école de l’histoire du rap français.



Time Bomb - Time Bomb explose
X-Men - J'attaque du mike
X-Men - J'attaque du mix
Time Bomb - Les bidons veulent le guidon
2 Bal Niggets - Predator III

A lire aussi : Oxmo Puccino et les Jazz Bastards - Lipopette bar (2007)

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Shake Sauvage - French Soundtracks 1968-1973

Comme l'indique son titre, cette collection à la plantureuse pochette, est dédiée aux meilleures pièces musicales ayant servi de bandes-son lors des fastes années 70 (les plus nombreuses), avec un seul intrus, le Grand Theme Malko de Michel Magne, datant lui des années 80, et infernal jam jazz servie au Fender Rhodes après une longue intro languide.

La particularité de cette compile qui a déjà quelques saisons d'âge, est d'offrir un regard éclairé sur quelques-uns de nos meilleurs compositeurs français, ayant le sens du groove, et sachant ce que jerker veut dire - hélas, non, pas du vilain Eric Serra !

Inaugurée par un véritable classique des dance-floors à la gloire de l'orgue Hammond et réhaussé d'une section de cors façon chasse à courre, c'est "Sexopolis", superbe et subtil accompagnement d'un film de boules obscur, mis en musique par le non moins obscur JP Mirouze, le disque se poursuit avec un brelan de tueries jazz/funk aux choeurs féminins éthérés émoustillants. La meilleure part de Charles Aznavour, c'était feu son beau-frère, soit le génial Georges Garvarentz, superbement à l'honneur ici avec pas moins de 3 pistes, l'énamouré jerk de Sapho ("Nues Dans L'Eau") le languide "Haschisch Party" tiré de Un Beau Monstre et le plus conventionnel façon générique de série ("Le Temps des Loups") .
Mais il y a aussi l'excellent Philippe Sarde qui offre une sinueuse et déhanchée descente de vibraphone, trompette bouchée et sitar -et descente de bars tout court, par le commissaire Piccoli pour qui a vu le très bon Max et Les Ferrailleurs de Sautet, j'ai nommé "Jukes Boxes" chez Saidani, revisité de moins convaincante manière dans la B/O de Quelques Jours avec Moi du même Sautet.

Il y aussi l'excellente contribution de monsieur Claude Bolling (dont une compile entière ne suffirait pas à relater les méfaits), c'est la sourde montée de basse de "Full Speed" suivie d'un piano libérateur et des choeurs féminins de rigueur. Que pourrait-on citer d'autre ?

L'inénarrable accent anglais de Nicole Croisille sur une revue soul de Francis Lai dont le jerk suprême (Thème d'Olivier) est aussi au générique ? Ou bien encore cet impayable démarquage de Blaxploitation signé Résonnance (alias notre Pierre Bachelet national !) où Lalo Schiffrin rencontre les Chemical Brothers sous forme de sirènes de police hurlantes ?

Cette gemme ultra rare de Vladimir Costa, capable de l'ignoble symphonie sirupeuse tout comme de la série noire fuzzy pop la plus sensationnelle(Bowery Mood ?)

Je pourrais aussi citer le méconnu Karl-Heinz Schäfer, auteur du cultissime Kidnapping, délicate rêverie parsemée de vibraphone, ou bien encore ce génial avatar de Psyche Rock de Pierre Henry, réalisé par le mythique Bernard Gérard, auteur entre autres de la B/0 de Ne Nous Fachons Pas, et dont le très rythmé "Crocodile Porte-Clé", thème d'un nanar avec Roger Pierre est proposé ici, à grand renfort de carillons tubulaires !

Bien sûr, l'on peut renâcler à 2 ou 3 séries Z qui viennent plomber le bon agencement de l'ensemble en fin d'album, s'étonner de l'absence de pointures telles Jacques Loussier, Raymond Lefèvre et surtout nos maîtres à tous que sont les François de Roubaix (ah!!!), Georges Delerue, (oh !) Michel Colombier (le plus grand !), regretter la portion congrue laissée à Bolling ou à Cosma ("Chou Fleur" aurait tellement eu sa place ici !), se dire que tenter le pari du génial guitariste (suisse OK, mais francophone) Pierre Cavalli, auteur de tant de bandes-son d'incunables tous plus excitantes les unes que les autres, aurait été top !

On pourrait tout arguer, sauf à contester l'impeccable goût de cette collection, et à ses choix courageux car pour certains, très underground. Mais pour tendre à l'exhaustivité, il eût fallu un coffret !

En bref : un concentré plutôt aventureux de ce qui s'est fait de mieux en maîtres compositeurs de B/0 en France, et de compositeurs tout court. Le genre qu'on ne trouve plus aussi inspirés de nos jours, mais qui à la croisée des 70's faisait la part belle au son poppy, jazz et jerk, ceux-là dont Serge Gainsbourg aimait tant s'inspirer, et avec qui il a aimé collaborer.
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A lire aussi : Marvin Gaye - Trouble Man (1972)

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"Full Speed" de Claude Bolling, extrait de la B/O de Qui ?

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The Magnetic Fields - Live à KarlstorBahnhof, Heidelberg le 03/07/2008

Même en découvrant la salle dans une vieille gare où il n'y a que des places asssises, et le programme horaire qui annonce un entracte, ceux pour qui c'était le premier concert de The Magnetic Fields ne pouvaient s'attendre à un concert si singulier. Tout le monde est assis, et le groupe aussi. "Il y a encore des sièges devant; on vous prévient, il n'y a vraiment aucune raison de rester debout" annonce la pianiste sans avoir l'air de plaisanter. Et tout le concert sera ponctué de ce genre de réplique, lancées avec un humour toujours pince-sans-rire. Ainsi ce que nous aurions détesté chez un autre groupe devient ce que nous adorons chez The Magnetic Fields : le bavardage et l'immobilité. Après tout, ils ne sont pas là pour donner dans la frime rock, et encore moins forcer l'humilité folk. Puisqu'ils sont sur scène, autant qu'il y ait jeu de scène, et jeu de soi. Le spectacle ce soir est entre le concert pop, la pièce baroque et le théâtre absurde. Néanmoins, même si l'immobilité du groupe relève du parti pris de mise en scène, les musiciens restent aussi figés sur leur siège simplement parce qu'ils n'ont pas envie de bouger, ni de sourire. La théâtralité du concert s'inscrit donc non pas dans l'artifice et dans l'hypocrisie, mais dans le jeu des visages et parfois des instruments. De gauche à droite, les visages accentuent respectivement la souffrance, l'intensité, l'inexpressivité, la nonchalance, et le désarroi. Stephin Merrit, tout à droite, surjoue dans la voix grave, le froncement de sourcil et la moue boudeuse. Bertolt Brecht aurait adoré. The Magnetic Fields impose sur scène une interprétation au énième degré, si bien qu'on ne sait jamais auquel on se situe. C'est une distanciation intelligemment créée : on assiste au concert de musiciens qui interprètent avec humour des musiciens tristes qui interprètent des chansons tristes écrites avec humour.

Malgré la distance mise en place, un concert de The Magnetic Fields est aussi un bel hommage rendu à ses auditeurs. La playlist comporte des extraits de tous les albums du groupe, et même des extraits des projets parallèles de Stephin Merrit (notamment The Gothic Archies). Et l'ironie que l'on apprécie tant dans ces chansons est ici restituée dans les traits forcés (quoique) des interprètes. Ainsi "Smoke and mirrors", extrait de Get Lost (1994), dont l'ironie se situait dans l'habillage electro pop sexy, est ici réarrangé en version pop baroque; mais l'effet s'est déplacé sur les visages des musiciens. Et, chose inattendue, la totalité des titres extraits de Distortion sont réinterprétés tout en cordes. Encore une belle révérence aux auditeurs déroutés par le son noisy pop de ce dernier album, qui retrouvent sur scène tout le style de The Magnetic Fields. L'effort est inpressionnant : il s'agit de passer du son de The Jesus and Mary Chain à celui de The Divine Comedy qui se serait débarassé des rythmiques (aucune basse ni batterie). Ce qu'est devenu le "groovy" "Three Way" en est le meilleur exemple.

Les musiciens possèdent les partitions des morceaux, ce qui dénote d'un grand souci de précision. Et oui, ils forment un parfait quintet à cordes (voix toujours très bien placées, piano, guitare, viloncelle et banjo) dont le jeu délicat révèle au spectateur une émotion cachée mais bien réelle. Car derrière l'ironie, les voix sombres et les beaux pincés de cordes ne trompent pas, et touchent sans détour.

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Le site officiel de Stephin Merrit et de ses projets.

Le Myspace de The Magnetic Fields.

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A lire aussi : Field Music - Write Your Own History (2006)

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Une vidéo postée sur la page You Tube de Merrit : "All the umbrellas in London". C'est du live, mais il est toujours question de distanciation...

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Morgan Geist - The Driving Memoirs (1997)

The Driving Memoirs est une pièce d’électro-disco minimaliste fortement désabusée et parfois franchement déprimante. La sécheresse des beats, la rareté de la basse et l’intense répétition des boucles décourageront certainement le néophyte dès les premiers titres. Difficile d’accès et pas dansable pour un sou, ce premier album reste cependant le meilleur moyen de comprendre l’évolution de celui qui, aux côtés de Darshan Jesrani, lâchera cinq ans plus tard l’une des plus grosses bombes électroniques des années 2000, j’ai nommé : Metro Area.

Inspiré tout autant par Detroit, qu’il découvre sur le tard, que par New Order et les B52s, Morgan Geist est surtout l’un des premiers producteurs de l’ère numérique à s’être penché sur le versant obscur du disco (la “leftfield disco”, comme disent les Britanniques), qu’il célèbre depuis 1995 sur son label Environ. Si ses travaux ultérieurs, comme ses remixes de Telex (le fantastique “Rendez-vous dans l’espace”) ou The Rapture (“House of jealous lovers”), déroulent des basses charnues dans des atmosphères plutôt happy, on nage ici dans une sobriété terrassante. Et pour cause : l’album est dédié à la soeur du musicien, disparue quelques mois auparavant dans un accident de voiture.

La sonorité presque comique des synthés vintage est contrebalancée par des cassures rythmiques incessantes et des nappes tristes et amples - élégiaques, pourrait-on dire. “Self init” s’apparente dès lors à une réflexion sur l’écoulement du temps et la fragilité de la vie, tandis que le “Linking tunnel” guide lentement mais sûrement l’auditeur vers cette lumière spectrale que ceux qui ont frôlé la mort disent avoir aperçu. Même les tracks les plus enjoués, le très jazzy “This too shall pass”, avec ses breaks étranges, ou le housey “Detoured” semblent avoir été conçus pour contrarier ceux qui voudraient remuer leurs popotins. En alimentant ainsi notre frustration, Geist réalise mine de rien un disque parfait pour les mélomanes masochistes, une espèce à laquelle je me targue d’appartenir.

En bref : Avec ce premier essai aride à l’esthétique radicale, Morgan Geist prouve que le disco peut être triste, lent et méditatif. Un album important dans l’histoire de la musique électronique, sans lequel Lindström et Prins Thomas ne seraient peut-être jamais parvenus à nos oreilles.

A noter : plus de dix ans après The Driving Memoirs et 6 ans après le premier album de Metro Area, Morgan Geist sera de retour cette année en solo, avec un album prévu pour septembre et qui, au vu de ses dernières prods, devrait faire très mal.

Le Myspace de Morgan Geist et celui de Metro Area
Le site et le Myspace du label Environ

A lire aussi : Peter Visti - Balearic love / Bad weather EP (2007)
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Calvin Harris - "Great DJ remix" / "Dance with me" (2008)

Une rapide bafouille pour vous donner quelques nouvelles de l'Ecossais Calvin Harris, dont Vade se remémorera sans doute avec plaisir la belle performance au Trabendo de Paris en avril dernier. Plus la peine de présenter celui qui se proclame à tout bout de chant « inventeur de la disco » et qui revient à nos oreilles dans un exercice qui a fait sa prime renommée : le remix. En digne rejeton de son époque, le bonhomme s'engouffre dans le tourbillon buzz myspace des Tin Tings pour recomposer le titre « Great DJ » (pure provocation!). Il signe là un beau travail dans la parfaite lignée de son album I created disco, à grand renfort de synthé et de lignes de basses rebondissantes. « The drums... the drums... the drums... the drums... the drums... » répète Katie comme une supplique insolente... délicieux !

Autre actualité pour le garçon, toute aussi importante, sa collaboration avec le rappeur britannique Dizzee Rascal, soit dit en passant très à la mode également, pour le maxi Dance with me. Une autre jolie sortie pour le blanc bec de Drumfries dont la voix et les instrumentations se marrient à merveille au flow et au groove revigorant de son voisin anglais. Calvin est toujours dans la place, qu'on se le dise. Pour les estivants musicophiles sachez qu'il sera également dans nos places françaises des Eurockéennes et Des vieilles charrues, les 4 et 18 juillet prochains.

Le remix de « Great Dj » des Tin Tings, mis à disposition par Phunk

Le myspace de Calvin Harris

A lire aussi : Calvin Harris – I created disco (2007)

Le clip de « Dance with me » :

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Jim Noir - Jim Noir (2008)

Un des oubliés de l'année, c'est bien Jim Noir, jeune blanc bec mancunien de 24 ans qui "ne pensant pas être quelqu'un d'intéressant" a brodé autour de sa vie pour livrer de drôles de chansons électro pop euphorisantes et éclairées. Les plus curieux avaient déjà remarqué le très acclamé premier album Tower of love à l'esthétique de la pochette identique à celui-ci et qui collectionnait son lot de tubes de poche néo psyché pop. Alan Roberts donc, qui a déjà ses fans mais qui on est bien d'accords, n'en a pas assez. Et pourtant tout le monde mériteraient de venir se faire fouetter les tympans sur ces rengaines lyriques cools à la Beck ("On a different Shelf"), temporellement perdues dans les sixties, les Beach Boys une fois encore en ligne de mire ("Same place holiday").

Des good vibrations qui se ressentent tout au long de mélodies en cascade et de touches d'électronica malicieuse. Vocoders, réverbs et refrains cycliques sont bien au dessus techniquement de tout ce qui peut se faire en ce moment en terme de "perfect atmospheric pop". C'est Person Pitch avec le bon côté de la défonce, celui qui donne le sourire. "Ships ans clouds", entre les Byrds et les Super Furry Animals, un "Don't you worry" complètement Airien, un côté décontracté très Beta Band, et un disque qui ne redescend jamais, propulsé par un effet rétro plein d'allégresse. Mais plus que tout ce sont les voix de "Happy day today" par exemple qui élèvent les harmonies vocales canoniques au rang de cosmiques. Tout comme le petit bonhomme sur la pochette, on flotte dans un espace temps figé confis de titres parfaits ("Look around you", "All right", "Day by day by day"), qui seraient tous cylindriques dans un monde idéal. "Good old vinyl", tout est dans le titre, est un voyage à lui tout seul. En haut, en bas. En haut, en bas.

En Bref : Sans aucune aide extérieure, un jeune anglais vient de démontrer qu'il faudra désormais compter sur lui dans l'univers de la pop enfumée.
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Le site officiel et le Myspace
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A lire aussi : White Williams - Smoke (2007)
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L’excellent clip de "All right" et "My patch" issu du précédent album :



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Scenario Rock - Histrionics (2008)

On ne connaît pas la fréquence de l'attribution du prénom Mehdi  en France ; il a été en tout cas à la tête de 2 des (nombreux) groupes passionnants à sévir  dans l'Hexagone. Après Mehdi Zannad, responsable du délicieux easy-listening de Fugu, voici Mehdi Pinson.

Ce dernier est originaire de la riante cité de Meaux (oui, pas si loin de Versailles), d'où la peut-être légitime connexion à la galaxie Justice et que croyez-vous qu'il fit pour tuer l'ennui là-bas ? Créer un groupe, bien sûr. Enfin, un groupe... qui n'a de réelle existence que sur scène, puisque dès le premier méfait Endless Season (2004), Mehdi Pinson préside essentiellement avec son ami Ludovic Therrault aux destinées de Scenario Rock.

Ce qui est joué dans ce disque fait la part belle à la face cachée de nos fantasmes 80's. C'est donc dans une veine très poppy, que Mehdi et sa voix qui ressemble à s'y méprendre à un croisement de celle de Robert Smith (le refrain de "War Wound" et... tout le reste) et de Kevin Rowland (Dexys Midnight Runners), s'aventurent dans un anglais impeccable. "I know it's been all treacherous /the whole story was treacherous..." lance-t-il dans l'irrésistible refrain de "Both Gotta Move On", aux airs de classique, et qui pouvait prétendre facilement au titre de single de l'année 2008. Tout l'album ne baigne pas dans le même hédonisme béat, cette délicate inconscience à laquelle fait écho la très catchy "Perfect Love Antidote". Certains refrains, certaines mélodies sont plus alambiqués et se méritent à l'issue de plusieurs écoutes ; notamment le long morceau-titre, somptueuse suite de thèmes exécutés au piano, instrument dominant du disque,.
Histrionics reste nonobstant un disque aux arrangements d'une rare pertinence : ici une touche de marimba (l'exotique "The Gipsy Waltz"), là de la trompette bouchée et des nappes de flûte sur "Mirage". Ce qui donne aussi une richesse harmonique certaine, c'est tout simplement le parti-pris relativement ambitieux dans la composition, qui évoque éventuellement l'art d'un Kim Fahy des Mabuses. Mais c'est là tout l'art de composer des chansons que l'on s'approprie dès les premières écoutes comme autant d'air connus. "Son of A Morrocan" (chanson autobiographique ?) illustre à merveille cette économie dans la production où le moindre handclap, la moindre touche de Rhodes participe à la richesse mélodique de la chanson.

Histrionics respire l'esprit libre d'un artiste qui ne craint pas les inévitables comparaisons à Supertramp ou à on ne sait quel autre machin honteux.
Dans un monde idéal, tous les kids en bermudas se seraient rués dans les magasins commander l'album incluant le sautillant "Who's that girl/ dressed like a model" et Nagui de remettre à Mehdi une Victoire de la Musique, en concurrence avec Jesse Chaton, Julien Pras, Denis Bortek et Philippe Pigeard. Dans un monde idéal,  pour paraphraser Coluche qui disait l'envers de "Quand on pense qu'il suffirait que les gens achètent pour que ça se vende !"

En bref : le disque idéal pour renouer et assumer une passion enfouie des Prefab Sprout ou  
Tears For Fears, avec une qualité de composition inattaquable.

le Myspace du groupe

A lire aussi : The Mabuses - Mabused (2007)

Un mix de titres tirés de l'album enregistrés à la Boule Noire, à défaut de pouvoir intégrer l'hilarante video de "Both Gotta Move On", consultable sur Youtube.

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Wire - 154 (1979)

Wire, groupe majeur de l'avant-garde post punk, est avec ce 3ème album en fin de cycle. Le groupe sort d'années intenses ponctuées de recherches, de démarches toujours plus jusqu'au-boutistes dans sa musique. En concert, il ne joue jamais les morceaux qu'il vient de faire paraître, caressant le public dans le sens contraire du poil façon PiL. Habitué à délivrer des morceaux courts, son gimmick est que la chanson commence avec les premières paroles et s'achève... dès qu'il n'y a plus rien à déclamer. C'est ainsi le credo de Pink Flag, légendaire premier manifeste. Chairs Missing (1978) transforme ensuite l'essai avec toutefois une esthétique no-wave bien plus glaciaire.

Peu avant de splitter et de se reformer pour une mouture plus indus, Wire commettra son album le plus abouti, dans lequel, plusieurs essais sont de mise. Par exemple, c'est le taciturne Graham Lewis , bassiste de son état et aux faux airs d'Andy Mc Kay de Roxy Music qui délivre le chant sur l'angoissé "I Should Have Known Better" (non, pas la reprise des Beatles), juste avant que Colin Newman ne lui emboîte le pas avec sa verve de teigne cockney habituelle sur le survolté "Two People In A Room"... qui ne sera pas repris par Stephan Eicher plus tard. Comme sur l'album précédent, les synthés sont à l'honneur, mais pas seulement : de nombreux instruments sont en effet aussi utilisés comme le cor anglais sur l'incroyable "A Mutual Friend", morceau arrangé de manière presque progressive qui n'aurait pas trouvé sa place chez le Wire initial. Ici, on pense aussi bien à Roxy qu'à Procol Harum.

Déjà, rien que l'affaire du cor anglais suffit à calmer tout le monde - il n'est pas de mauvais disque pop-rock, réalisé avec cet instrument, ("I Got You Babe", "Happy Together", "Village green") qu'on se le dise. L'album est très varié, ponctué de nombreuses humeurs, celle toujours très ténébreuse chantée par Lewis ("A Touching Display" que les Cure vont user jusqu'à la corde) et le très prenant morceau en loop qu'est "Blessed State".  Colin Newman qui conserve son rang de frontman sur tout le reste réussit sur "Single K.O" ou sur le très rythmé et saccadé "On Returning"  une performance sur le fil et de haut vol.

Fidèle à sa démarche postmoderne, Wire intitule son 3ème album sur la foi du nombre de concerts que le groupe a donnés jusqu'alors. Les chiffres récurrents dans son oeuvre servant habituellement  à numéroter leurs différentes sorties discographiques (cf Object 47).

154 et tout ce qu'a servi Wire dans sa première période, devait être l'abreuvoir du rock à prétention arty privilégiant rythmes saccadés ad nauseam pour les 40 ans à venir. Sans jamais en restituer l'implacable matrice.

En bref : un classique et une réussite absolue. Un disque inépuisable qui sert d'acte de naissance aux années new-wave et post-punk.

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_A lire aussi : Public Image Ltd - Album (1986)

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Un extrait live du génial concert à Rockpalast devant un parterre de teutons post-hippies avachis ; essayez de repérer le magnifique moustachu aux cheveux frisottés et au regard de bovin anesthésié !

Au programme : "Another The Letter" de Chairs Missing et "The 15th" de 154

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The Thermals - The body, the blood, the machine (2006)

Je l'avoue, c'est d'abord la pochette pastiche christique qui m'a attiré. Des couleurs de feu que l'on retrouve au dos de l'enveloppe en carton , dans le rétroviseur d'une berline américaine filant à tout berzingue vers on ne sait où. Portland peut-être. Là d'où viennent nos deux membres principaux de The Thermals, à présent plus que Hutch Harris et Cathy Foster. Je ne fus pas déçu. Brûlot power pop mélodique en mode mineur, le corps le sang et la machine déroule, je cite, une "pop post punk" dans la lignée de Dinosaur Jr, Sebadoh et autres Pearl Jam. Repérés par Sub Pop, produit par Brendan Canty de Fugazi et déjà à leur troisième fait d'arme, les Américains confirment leur engagement politique anti Bush en n'oubliant pas les rythmiques et les mélodies. Surprenant et passé quasi inaperçu, il mérite qu'on s'attarde dessus.

Hutch tel un prêcheur dégénéré dégueule son animosité envers l'époque mais reste ultra positif, comme pour mieux symboliser son désir d'évasion de ce monde, de ce gouvernement, où il ne se reconnaît pas. Les titres sont d'ailleurs bien souvent des slogans révolutionnaires comme "Power doesn't run on nothing", tubesque, ou encore "Returning to the fold". Beaucoup de revendications pour au final un disque direct et rugueux mais pourtant totalement accessible. Des titres courts on s'en doute pour un punk qui sonne trop pop pour être vrai ("Back to the sea", génial!). De la hargne on passe à la structure. Et en ressort un titre comme "A pillar of salt", presque college radio, en quand même plus incandescent. En fait la quasi totalité des morceaux trouvent leur place au sein de ce pamphlet anti intégrisme religieux étatique. Au moins dix fois que je l'écoute cette semaine. Ca doit être un signe.

En bref : La machine Thermals donne corps et sang dans sa quête de power pop athée et démocratique. Entraînant et vindicatif.
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Le classique "A pillar of salt" et "Returning to the fold" clipé par Pitchfork Tv :





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Lykke Li -Youth Novels (2008)

Il y a des formes rondes, des paroles superficielles, des mélodies sucrées. Et puis il y a cette voix, aussi douce qu'un bonbon. L'ensemble est d'une fraîcheur réelle, le plaisir d'écoute est immense. Lykke Li, toute jeune chanteuse suédoise, est exceptionnelle. Pourtant, dans son premier album Youth Novels, elle ne propose rien d'autre que de la pop. Pop au sens le plus vulgaire du terme. Vulgaire au sens le plus noble du terme.

Alors qu'est-ce que Lykke Li a de plus que les autres ? Eh bien ce que Lykke Li a de plus, c'est le moins. Ecoutons de plus près le jouissif single "Little bit" : il y a un beat, volontairement saturé mais parfaitement cutté, il y a une petite guitare, et il y a le chant... et il n'y a rien d'autre. Parce que la voix et la mélodie, excellentes, suffisent à elles seules à faire tenir la chanson. Sur Youth Novels, chaque chanson est si bien écrite qu'il est inutile de surcharger l'instrumentation. Et si l'instrumentation tend à l'épure, la production bénéficie d'un soin extrême, qui fait de Youth Novels un objet d'une perfection plastique absolue, un pendant musical au design contemporain : rond, pop, minimaliste, aux lignes claires et précises. Lykke Li et Björn Yttling (de Peter, Björn and John) créent une sorte de dance acoustique, de la pop de chambre moderne.

Les parfaits"Dance dance dance", "I'm good I'm gone", "Let it fall", "Breaking it up" rappellent pourquoi les puristes électro et indé ont succombé à l'écoute du "Hollaback girl" de Gwen Stefani/Pharrel Williams ou du "Slow" de Kylie Minogue/Emiliana Torrini : l'envie de danser est la même, imparable, l'épure instrumentale est radicale, et les voix sont sucrées, irrésistibles. Mais à la différence de ces stars pop, Lykke Li a le charme sans la minauderie. Lykke Li est moins pétasse que grande classe. Tout est dans le flux de voix, jamais dans la respiration racoleuse.

Et puis il y a "Hanging high", qui en plus d'être tout simplement beau, vient faire acte d'un événement culturel majeur. Derrière les choeurs du refrain, ceux exactement que l'on a entendu chez Jens Lekman et Taken By Trees l'an passé, c'est mine de rien toute la pop suédoise qui vient de se trouver une identité. Après avoir vécu dans l'ombre de la pop britannique, dont elle n'avait pris que la structure, la pop suédoise acquiert une véritable swedishness, dans sa composition mélodique parfaite et dans ses voix enchantées. Youth Novels confirme la force et l'identité de cette pop jusque dans ses influences exotiques (la guitares hispanisante de "This trumpet in my head", et le 1,2,3,4,5,6 en français dans le texte de "Window blue"), et c'est sûrement pour cette raison aussi qu'il nous enthousiasme tant.

En bref : Un disque de dance acoustique, entre pop minimaliste et électro discrète, qui derrière des formes toutes suédoises, semble inventer un son tout nouveau.

Son myspace et son site officiel.

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L'énergie lascive du single "Little bit" en vidéo, ainsi qu'une version live de "I'm good I'm gone" enregistrée avec la crème des musiciens de Stockholm: Lykke Li est un personnage fascinant, plein de mystère, habité, impénétrable...

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Hot Chip - Made In The Dark (2008)

Avec ce troisième album, la démarche des Anglais de Hot Chip devient évidente : à chaque nouveau disque, le son évolue et s'épaissit. Ils avaient débarqué avec les ritournelles minimalistes de Coming on strong il y a quatre ans. Les voici de retour, après le tempéré magnifique The warning, avec un son plus gros et plus live que jamais. Avec plus de guitares et plus de synthés, le groupe a la ferme intention de nous faire danser. Mais il semble tellement obsédé par cette ligne de mire qu'il se laisse aller à ses délires les plus geeky. Trop occupé à gonfler leurs chansons, Hot Chip ont oublié de les écrire. Eux qui nous avaient auparavant tant séduits par la finesse de leur pop songs ont ici créé des monstres.

Les beats les plus puissants ne sont pas nécessairement les plus efficaces, et Hot Chip devraient, après s'être épuisés à porter ces créatures sur scène, s'en rendre compte à leurs dépens. Made In The Dark : Hot Chip a en effet créé ce disque à l'aveuglette, avec la frime pour seul éclaireur, ô combien trompeur. Dès le début ("Shake a fist"), on se dit qu'on ne supportera pas longtemps d'entendre ces geeks se prendre pour des héros d'arcade dancing game. En matière de revenge of the nerds qui font de la grosse dance, on avait atteint les limites au col des improbables Slagsmalklubben."This game's called sounds of the studio." Mais le jeu n'amuse personne d'autre que le groupe lui-même.

La grande qualité de Hot Chip a toujours été de réussir à nous faire danser la tête en l'air, l'air songeur, le regard triste. Alors poussant jusqu'au bout ce qui ressemble désormais à une formule, Made In The Dark alterne tueries dance et balades mélancoliques. Sauf que ce que nous aimons tant sur le précédent, c'est que les titres dance sont mélancoliques. The Warning est un des rares disques dance dont on ne se lassera jamais, car chaque chanson y est, indépendamment du nombre de bpm, empreinte d'une profonde émotion, d'un souffle pop délicat, d'une subtilité aujourd'hui perdue. Bien que produit de manière plus modéré que ce Made In The Dark, The Warning est indéniablement plus fort. Avec des titres comme "Boy from school", Hot Chip dépassait les pionniers New Order dans l'art de dessiner une larme à l'oeil d'une electropop imparable. Ici, Hot Chip livre des slows sans substance, empruntant des rythmiques 90's au plus mauvais R'N'B américain. Le plus triste ne réside donc pas en ces balades, mais dans le sentiment de déception qu'elles créent.

En bref : Un délire geeky, lourd au possible. Espérons que Hot Chip calment leurs ardeurs par la suite, car ils viennent de se brûler les ailes.

Le myspace

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Seul titre à sauver du naufrage, le single Ready for the Floor, plus pertinent encore en vidéo:

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Clinic - Do It ! (2008)

Les liverpuldiens de Clinic sont de retour pour la 4ème fois, enfin 6 si l'on inclut la 1ère compile réunissant les légendaires premiers simples de ces iconoclastes british ainsi que la médiocre compile d'inédits publiée l'an passé.

Les Clinic sont un groupe d'allumés apparu en 1999 dont le style fait de surf avec beaucoup de reverb et mâtiné de Farfisa et de melodica n'est à nul autre pareil. De la voix faussement geignarde de Ade Blackburn au gimmick des masques de chirurgien sur le visage, c'est peu de dire que le parcours de ces drôles paraît quelque peu sortir des sentiers battus, et n'avoir par exemple aucun rapport avec les Zutons ou autres Coral issus de la même scène.

Ce disque, à priori un peu plus assagi que les précédents, ne change pas fondamentalement la donne lo-fi du groupe. On imagine l'affaire emballée live en moins d'une semaine sur un 8 pistes de fortune. Les gimmicks de Clinic sont sans doute comme autant de limites à sa trajectoire commerciale, encore que tout le monde le sait, la scène rock anglaise est suffisamment implantée pour lui permettre de subsister de manière insulaire.

On pourra ainsi arguer que chaque album du gang est interchangeable, et que semblables aux Ramones, ces musiciens usineront encore et toujours des mêmes artifices. Dans ces conditions, difficile de faire ressortir tel ou tel LP et a fortiori, tel ou tel morceau, même si, cela est vrai, la collection initiale de simples sur Alladin, conserve notre suffrage. Le dénominateur commun restant également le second degré, celui qui par exemple leur faisait pasticher sur leur premier véritable album, une pochette célèbre d'Ornette Coleman, pourtant très éloigné de la galaxie "Clinicienne". Groupe incorrigible et inclassable, à voir en concert pour céder sous les coups de boutoir de leurs morceaux joués au taquet et à 2'30" de moyenne !

En bref : groupe attachant, n'appartenant à aucune chapelle, et qui nous refait le coup de l'hyper-productivité ; tout juste 6 mois séparent Do It ! de Visitations.

___ Le Myspace _
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Ci-dessous, "Cement mixer" live, extrait de Clinic (1999) :


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Spiritualized - Songs in A and E (2008)

Jason est de retour et met le feu ! En effet, dans ce nouveau recueil dédié aux chansons en la et mi, pas moins de 3 titres sont "incendiaires" : "I Gotta Fire", "Soul On Fire" et "Sitting On Fire". Sinon que dire de la nouvelle livraison de Jason "Spaceman" Pierce ? Que chaque nouveau disque de Spiritualized est un événement, d'autant que pas moins de 5 ans se sont écoulés depuis le boudé par la critique et très garage Amazing Grace.

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Les choses, pourrait-on dire, reprennent le cours des premiers disques, et notamment du très pharmaceutique et génial Ladies and Gentlemen We Are Floating In Space (97) et de son non moins réussi follow-up Let It Come Down (2001) ; à ceci près que l'inspiration n'est pas toujours complètement à la hauteur des disques précités. Et qu'assez curieusement, et alors que Spiritualized s'est fait le spécialiste des symphonies opiacées n'ayant rien à envier au Philly Sound Spectorien, ce sont ici les titres les plus rentre-dedans qui convainquent le plus : naviguant au gré d'interludes instrumentaux courts, les rudimentaires mais efficaces "Yeah Yeah", "You Lie You Cheat" sonnent comme des uppercuts. Qu'on se rassure, Spiritualized n'a pas abandonné son savoir-faire d'orfèvre pop orchestral, et certains titres tels le magnifique "Sweet Talk" ou le très Beach Boysien "The Waves Crash In", volent au dessus de la mêlée pour ce qui est de l'interprétation au bord de la rupture façon Dylan, et des arrangements de cordes, toujours somptueux.

Las, ce qui pour n'importe quel autre nouveau groupe relèverait du grand oeuvre - par ailleurs difficilement accessible - ce nouvel opus de Spaceman est une (très relative) déception. Normal quand on a autant tutoyé les étoiles et laissé autant de morceaux mémorables derrière soi. Mais pour les néophytes, ce disque doit figurer en bonne place dans les listes d'achats, afin de découvrir l'univers d'un des groupes anglais les plus singuliers et originaux de son époque.

En bref : on est content de retrouver Spiritualized, car même si le groupe ne signe pas un nouveau chef d'oeuvre, sa démarche originale témoigne toujours d'un talent fulgurant.

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