Des Oreilles Dans Babylone

02 juin 2008

Animal Collective - Concert au Krakatoa de Bordeaux le 26 mai 2008

La soirée s'annonce bonne. Un soleil couchant qui guide le tram m'emmène doucement vers le lieu du spectacle. Je rencontre en route un anglais nommé Matt, ce sera mon compagnon de concert. Et peu avant que l'on franchisse les portes, il me rassure en qualifiant la première fois qu'il a vu l'animal en concert de "Fucking awsome". Encore sur les marches, mes oreilles perçoivent d'autres discussions, dont l'une, très juste, résume à peu près les deux effets Animal Collective : "Comment ça il n'aime pas? C'est juste qu'il aime mais qu'il ne le sait pas". C'est ça. Il y a ceux qui accrochent et n'en descendent plus et ceux pour qui ça ne passe pas du tout. Parmi les premiers cités, félicitations aux plus courageux qui apprécient sans aucune drugs. Là où je veux en venir c'est que forcément, quand le groupe le plus original et inspiré des 10 dernière années passe dans le coin, je fonce.

Pour ouvrir le bal, l'athénien Bradford James Cox alias Atlas Sound, échappé de Deerhunter, alimente des univers parallèles de couches électroniques, de voix et de guitares, plutôt raccord avec ce qui doit suivre. Sympa et bien barré. A l'heure, Avey Tare, Panda Bear et Geologist s'installent sans Deakin et sans masques, pour une fois. Bref salut, et vlan, ça commence. Loin du folk expérimental des débuts, Peacebone a une force inouïe. Les voix et les boucles électro sont plus que jamais mises en avant. Stawberry Jam, 8ème Lp sorti l'an dernier (déjà), est largement exposé dans cette représentation au light show épileptique, reléguant les néons de la tournée Neon Bible au rang d'ampoules écologiques. Dur de ne pas chanceler, au milieu de ce chaos visuel sonore hystérique et primal, agréable et perturbant, aveuglé par mille couleurs psychobordéliques. Spectre vivant de Brian Wilson person pitché, le grand Panda Bear inonde la salle de son chant fantomatique planant remplissant chaque recoin de la salle.

Et de ce dernier album, For reverend Green, Cuckoo Cuckoo ou encore Fireworks sont déjà des classiques de pop droguée, beaucoup plus abordables que dans les premières productions. Les plus rancuniers, voyant le succès public et commercial s'installer, commencent à déserter. Au contraire, je pense que les diverses distorsions et dissonances qui font le son du groupe continuent d'oser à penser autrement et surtout ne stagnent pas. Chaque nouvel Ep est l'occasion de se rendre compte d'où en est le groupe. Prolifiques les freaks du Maryland? Pas qu'un peu. Et en général, sont souvent joués sur scène les morceaux d'un hypothétique prochain album.

Vous l'aurez compris, Animal Collective c'est peu de répit, c'est 18.000 idées à la minute, c'est comme je l'ai lu, "Revolver et St Pepper enregistrés dans un asile psychiatrique créatif". Mais Animal Collective c'est encore plus que ça. C'est bizarre, intense, sauvage, fou, mystique, tout ce que vous voulez. Et comment l'on arrive à ça me direz vous? Des cris, du vacarme, des cymbales, des grésillements, des murmures, des échos, beaucoup d'échos. Une réverb et une saturation qui prennent aux tripes et qui submergent. Qui l'espace d'instants fugaces font quitter son corps pour décoller de quelques mètres. Une déferlante bruitiste et antimélodique mais complètement géniale, enchaînée sur un rythme tribal. Plus dure en est la chute. Je ne saurais trop que vous conseiller d'apprécier.

Le Myspace d’Animal et le site du Krakatoa

Reverend Green en live :

01 juin 2008

Interview - Art Bleek

Voilà quelques semaines, je m'étais extasié à l'écoute du maxi "Euphorized" du frenchy Arthur Pochon, alias Art Bleek. Un maxi deep house d’une grande qualité qui m'avait littéralement scotché. L'envie d’en savoir plus sur son mystérieux géniteur était bien trop pressante... Résultat, cette petite interview réalisée à distance, depuis la Chine, par le truchement magique d'Internet.

Vous avez débuté la musique étant enfant, dès l'âge de 6 ans, comment s'est déroulé cet apprentissage ? A-t-il conditionné votre parcours musical et votre façon de composer ?

Mon apprentissage de la musique a commencé avec le piano en cours particulier. Un peu plus tard, alors que j'étais au conservatoire en classe de solfège, j'ai commencé le saxophone alto, probablement influencé par le jazz que j'appréciais déjà. Puis j'ai intégré le CNR de Paris (Conservatoire national de région) en classe de saxophone, solfège et théorie musicale. Parallèlement, je suivais des cours particulier de théorie musicale et solfège avec Ruth Friedenson (qui avait été l'élève de Nadia Boulanger). Mes professeurs de musique étaient intransigeants et la rigueur avec laquelle ils abordaient la musique a sûrement façonné mon côté perfectionniste. Ils m'ont appris à ne pas se satisfaire trop facilement et m'ont contraint à une discipline dans le travail. J'écoutais beaucoup de musique, en particulier du jazz ( John Coltrane, Miles Davis, McCoy Tyner, Bill Evans et Abdullah Ibrahim m'ont marqué à jamais) et de la musique dite « classique ». Bach et Beethoven sont pour moi incontestablement parmi les plus grands. J'ai également été « happé » par la musique contemporaine, dodécaphonique et autres musiques expérimentales (électro-acoustique, acousmatique...) assez vite.

Vous avez fréquenté successivement le Conservatoire de Paris puis le Boston Berklee College. Après la prestigieuse institution française qu'êtes-vous allé chercher aux Etats-Unis ? Qu'y avez-vous appris ?

Toutes ces années au conservatoire m'ont appris beaucoup de chose mais il fallait commencer à « digérer » cette somme d'informations. Je ne savais évidemment pas ce que j'allais trouver à Berklee mais ce que j'y ai vécu fut une de mes expériences musicales et humaines les plus marquantes. J'y ai rencontré des musiciens de tous pays et de tous horizons dont le chanteur Charles Chemery (aka Charlie Sputnik) avec qui je travaille toujours aujourd'hui. On jouait beaucoup, les jams sessions étaient quasi quotidiennes. J'ai pris conscience de ce que je voulais faire plus que tout: composer. La liberté résonnait dans ce seul mot.

Du saxophone et de vos prestations jazz à la deep house de votre dernier maxi "Euphorized", comment s'est déroulé votre cheminement artistique et ce changement de cap net ?

Il n'y pas eu de changement de cap net. Tout s'est fait de manière progressive. Il y eut d'abord beaucoup d'errance et de questionnement. Un ami m'avait prêté un magnéto 4 pistes à cassettes sur lequel j'ai commencé à faire mes premières expérimentations. Cette petite machine a bien sûr fini par ne plus marcher tellement je l'ai rudoyée et triturée dans tous les sens. On m'en a alors prêté une deuxième jusqu'à ce que je m'équipe d'un ordinateur et d'un logiciel de musique. Mes compositions d'alors mêlaient toutes sortes d'influences. J'utilisais mes saxophones alto et soprano, mon clavier midi, mon piano, ma flûte traversière, quelques percussions et des samples que je piquais sur mes CD, tous styles confondus. Mais le résultat final sonnait assez mal. C'était très mal mixé. Il fallait que je me familiarise avec les techniques d'enregistrement et de mixage. Je me suis donc fait engager comme stagiaire dans deux studios. L'un était un studio d’enregistrement et de mixage exclusivement publicitaire, l'autre l’un des plus importants studios de Paris, tant par sa renommée et les musiciens qui y travaillent que par sa taille et les équipements qui le constituent. J'y ai bien sûr appris à servir le café puis, petit à petit, à installer les micros pour toutes sortes de sessions, les yeux rivés sur la table de mixage et les oreilles collées aux enceintes. Je me sentais comme une éponge et je glanais toutes les informations que je pouvais y trouver. Mes compositions ont pris d'autres directions puisque je me sentais plus à l'aise avec l'aspect purement technique de la production musicale. J'ai commencé à écrire de la musique pour des pièces de théâtre, des documentaires et autres courts métrages. La musique à l'image m'a toujours beaucoup attiré.

Comment qualifieriez-vous votre musique aujourd’hui ? Sur "Euphorized", on peut ressentir une inspiration purement "Detroitish", de la techno de Detroit. Les grands maîtres américains vous ont-ils profondément influencé ?

Je crois que ma musique aujourd'hui, à travers mes différents projets, reflète mon goût pour toutes sortes de musiques, qu'elles soient dansantes ou plus introspectives et intellectuelles. Je ne pourrai jamais me satisfaire de travailler dans une direction unique. Il y a tellement de sons, de rythmes et de structures à explorer et à mélanger...
Bien que j'aime beaucoup de styles musicaux, parfois aux antipodes les uns des autres, je dois avouer que je ne suis pas un grand connaisseur de la house et de la techno, même si j'y trouve de véritables « perles ». Le peu de connaissance que j'ai de ces musiques doit certainement limiter leur influence sur mon travail. Je pense être quasiment incapable de dire si tel ou tel morceau vient de Detroit, de Chicago ou de Philadelphie. Cela peut donner un résultat plutôt positif sur un morceau comme "Euphorized", et parfois sûrement complètement hors sujet ou à côté de la plaque sur d'autres morceaux.

Quelles sont les autres influences majeures qui concourent à vos productions ?

Sans vouloir être sentencieux, il me semble que la vie quotidienne est ma source majeure d'inspiration et d'influence. Je peux aller dans un musée ou une galerie et être marqué par ce que j'y vois. Ces impressions se retrouveront forcément dans mon travail. L'état d'esprit dans lequel je me trouve à tel moment de la journée ou de la nuit influenceront le choix de tel son, tel accord ou telle atmosphère. Par exemple mon prochain vinyl qui sortira chez Resopal intitulé L.A. EP est empreint des sensations et des ambiances que j'ai vécues lors de mon voyage à Los Angeles en novembre 2007, mais dans une direction donnée: une tech-house assez minimale. J'ai également traduit ces impressions dans des morceaux qui n'ont rien à voir avoir ce style de musique. Mais je n'oublierai jamais tous les musiciens, compositeurs et producteurs qui m'ont profondément marqué, ainsi que les peintres, sculpteurs ou les écrivains dont les œuvres m'ont, d'une manière ou d'une autre, donné des perpectives nouvelles et significatives.

Qu'est-ce qui vous séduit dans la musique électronique ? Comment votre rapport à la composition en est-il transformé ? Comment composez-vous ?

Je crois que la musique électronique, ou plutôt LES musiques électroniques n'en sont encore qu'à la préhistoire si l'on considère que les expérimentations ont débuté dans la première partie du XXe siècle. Je me demande souvent quelles formes prendront tous ces courants musicaux dans quarante ou cinquante ans.
Les musiques électroniques sont pour moi comme d'immenses champs d'explorations et d'expérimentations sur la matière sonore, dont les variations possibles sont quasiment infinies. Tout dépend de ce que l'on veut « dire » avec sa musique. Qu'est-ce qui se cache derrière ou entre les lignes ? D'ailleurs, toutes les musiques n'ont pas forcément cette ambition-là et c'est précisément ça qui est intéressant. Chacun peut trouver dans les diverses formes musicales ce qu'il cherche, mû par son envie et sa curiosité. Selon les contingences, mon activité de compositeur variera en fonction de ce que je cherche à dire et du public à qui je souhaite m'adresser. Si je compose un morceau de House, j'essaie de me plonger dans cet état d'esprit particulier de la House qui est faite pour faire danser. Il est très difficile, malgré tout, d'échapper aux codes imposés par tel ou tel style de musique. Il faut essayer de les détourner, de jouer avec; d'être dans la continuité plutôt que dans la redondance ou la répétition.

Rechercher de nouveaux terrains musicaux à explorer, est-ce pour vous une devise ou simplement une nouvelle source de motivation ?

Encore une fois, tout glissement vers de nouveaux terrains se fait progressivement. À force de travailler dans une direction, en y associant des éléments nouveaux, des sons que je n'ai pas encore utilisés, je vais obtenir un résultat que je n'avais jamais obtenu auparavant. Le changement peut aussi se faire par pur « accident ». Une manipulation involontaire va générer un son ou un rythme intéressant.

Comment s'est passée votre rencontre avec les Allemands de Connaisseurs Recordings ? Et votre collaboration avec le label de Francfort?

À vrai dire, je ne connaissais pas vraiment les artistes de Connaisseur Recordings, mais je trouvais que certains de mes morceaux s’accordaient bien avec les précédentes sorties du label. C'est surtout le nom qui m'intriguait. J'ai envoyé une démo à Alex Flitsch qui s'est montré intéressé, mais il m'a répondu que le planning des sorties du label était complet pour un certain temps. Nous nous sommes quand même rencontrés lors de sa venue à Paris pour une soirée consacrée à Connaisseur Recordings au Tryptique (avant que l'endroit ne change de nom). Plusieurs mois se sont écoulés avant que je ne lui envoie une autre démo, dont le morceau "Euphorized". Je crois qu'il a tout de suite apprécié le morceau et a ainsi décidé d'en faire un maxi.

La scène électronique française est plutôt florissante et s'exporte bien, quel regard portez-vous cet "état de grâce" ? De qui vous sentez-vous proche dans l'hexagone ?

Je porte malheureusement un regard plutôt défavorable et négatif sur la production française, du moins sur les labels qui, à mon sens, ne prennent pas ou plus de risque. Si la scène française s'exporte bien, c'est parce qu'elle ne trouve que peu de soutien sur son propre territoire et est obligée de chercher ailleurs un moyen de se faire entendre. Constatation que d’autres font avec moi...
Mais les labels sont-ils les seuls à blâmer ? Le public français est-il aussi curieux que le public anglais ou allemand? La question reste ouverte...

Pouvez-nous me donner une playlist d'une dizaine de titres que vous écoutez actuellement ?

Je vais vous donner des noms de compositeurs plutôt que des titres en particulier:
- Tornike, producteur dont je ne sais rien, mais dont j'aime la simplicité, la rondeur et la chaleur des sons. (À écouter le titre “Hidden Sound”)
- Certains compositeurs du label américain 12k (musiques expérimentales), dont Taylor Deupree.
- Marshall Watson (musique minimaliste, intelligente et fine)
- Arvö Part.
- Frederic Galliano (l'album Espaces Baroques)
- Jesse Rose (dont les morceaux sont souvent empreints d'humour et de petites « trouvailles » sonores, mais à la production tranchante)
- Reel People (j'avais adoré le morceau “The Rain”. Leur dernier album est très bon également, tant du point de vue musical que de la production)
- John Coltrane (encore et toujours)
- Donald Byrd
- Roy Ayers
- Langenberg (le titre “Good Morning Mrs Future”)
- Plein d'autres encore...

Art Bleek ? Quel est l'origine de ce pseudonyme ?

Je tairai l'origine exacte du pseudonyme. Tout ce que je peux dire c'est que le nom, excepté « Art » qui est la contraction d'Arthur, est inspiré d'un film sur la musique, en particulier sur des jazzmen...

Quels sont vos projets actuellement en gestation ?

J'ai des 12" qui doivent sortir chez Resopal (L.A. EP), Loungin' Recordings (Urban Watcher EP), Night Drive Music (Touchée EP, plus un autre dont le titre reste à déterminer), et deux albums: un chez Loungin' Recordings et un autre chez Mille Plateaux, prévus pour cette année.

Des dates de concert prévues ?

Pas de concert prévu pour l'instant...

Le myspace d'Art Bleek

A lire aussi : Art Bleek - Euphorized EP (2008)
Lire la suite

31 mai 2008

Across The Universe - Julie Taymor (2007)

"Film musical" sorti l'an dernier dans l'indifférence la plus totale, Across the universe partait pourtant d'une idée de départ plutôt alléchante: Une comédie musicale moderne dont les dialogues sont exclusivement issus de chansons des Beatles. L'occasion vous l'imaginez de se livrer à un blind test géant sur la discographie des Fab Four. Spécialiste des films musicaux (Titus, Frida) et des grands spectacles visuels et sonores (Le roi lion), la jeune réalisatrice livre un film flamboyant et naïf transfiguré par des compositions en or inégalées à ce jour. En résultent des scènes d'une intensité exemplaire. En ouverture, seul sur la plage, Jude annonce les règles : "Is there anybody to listen my story...", 2 secondes de bande et déjà des frissons. D'autres sont du même acabit: I wanna hold your hand sur fond de campus et de foot US, Let it be interprété à capella par un petit black assi dans la rue fondu en gospel majestueux sur fond d'enterrement. D'autres passage sont en revanche un peu plus tirés par les cheveux et quelques transitions sont limites. Plus tard dans le film, le délire visuel est poussé à son paroxisme, comme porté par d'obscures substances et la séquence du recrutement sur I want you est un sommet de chorégraphie orchestrée. Les montages et les incrustations hors norme se multiplient et le film, plutôt beau à voir au début avec son grain si détaillé, de tourner en kaléidoscope psychédélique presque grossier.

Vous l'aurez compris, les fans seront comblés par les références, du nom des personnages (Jude, Lucy, Sadie, Jojo, Prudence) jusqu'au titre, chanson écrite par John Lennon et diffusée dans l'espace par la NASA en février 2008. L'histoire elle ne va pas chercher bien loin. De Liverpool au Greenwich village, un Roméo et une Juliette tentent de vivre une love story sur fond d'émeutes anti guerre du Vietnam et de quête spirituelle du rock. Enregistrée en analogique sur vieux matériel, la bande originale est supervisée par T-Bone Burnett déjà responsable de la très branchée BO de O' Brother. Et les 33 chansons des Beatles du film de se retrouver réinterprétées par les acteurs et par quelques guests dont Joe Cocker, Bono (mouais) ou les Secrets Machines (mieux). Acteurs qui d'ailleurs n'inspirent pas vraiment la prestence qu'ils devraient. Là est un peu le problème, à force d'être idéaliste et insouciant, le film peut paraître niais par moment. Heureusement que l'impression générale réhausse le niveau. Et c'est une fois terminé qu'on réalise à quel point ces quelques chansons sont vraiment le fidèle reflet de l'époque intense qu'ont été les années 60.

En bref : Grand spectacle son et lumière qui, si l'on se laisse emporter, comprend quelques passages bien épidermiques.

_
_
_
Acheter le dvd sur Amazon ou sur Ebay

A lire aussi : I'm not there - Todd Haynes (2007)

Le trailer et la scène de Let it be :

30 mai 2008

Pluxus - Solid State (2008)

Le phénomène Pluxus est très étrange. Chacun de leurs albums se transforme manifestement en une occasion d’expérimenter la chimie facile. Peut-être quelqu’un se souvient de ces mélodies frénétiques aux formes obsédantes présentes sur leur précédent album, European Onion, sorti il y a presque cinq ans. Par contre, nombreux se remémorent les expériences prolifiques de Gaston Lagaffe, ses innovations en tout genre et sa non moins célèbre boite « Le Petit Chimiste ». Faut-il encore citer en vrac quelque unes de ces inventions : le gaz somnifère, le savon miracle qui adoucit la peau, la cire qui ne glisse pas ou encore le gaz hilarant… Bref : loufoques, saugrenues et finalement burlesques, les productions de Pluxus n’ont rien à envier de celles leur cousin de bande dessinée. Surtout quand leur dernière production s’intitule Solid State.

Sebastian Tesch, Adam Kammerland et Anders Ekert sont de véritables pionniers de la scène musicale suédoise. S’ils présentent seulement quatre albums depuis leur formation, ils sont néanmoins actifs depuis plus de dix ans dans un pays reconnu pour raffiner à l’excès une pop sucrée et moelleuse. Comme tant de monde dans le milieu de l’électronique, les trois Stockholmois viennent de formations classiques et se sont rapidement rendu compte qu’ils s’amusaient plus avec des claviers, synthétiseurs vintage, ordinateurs et autres machines. Ils ont mis au point leur son et, visiblement, se l’ont fait pillé par la horde doucereuse des formations nationales. Le groupe a aussi fondé en 2000 son propre label, Pluxemburg, où ils ont produit leurs albums. Ce dernier opus a d’abord été sorti en 2006 sur ce label, mais Kompakt s’est finalement occupé de leur deuxième entrée en matière en 2008.

Quand European Onion était extrêmement volatile, sortes de marshmallows flottants issus d’une cuisine lagaffienne, Solid State a lesté quelques sucreries pour gagner en stabilité. Sobre, mieux ficelé, moins étourdi et tout simplement moins saoulant que le précédent, il nécessite même plusieurs écoutes pour se laisser apprécier. Alors, moins réussi ? Le raccourci est un peut abrupt. Solid State se laisse distiller, lentement. Un peu trop d’ailleurs. L’album hésite entre une atmosphère downtempo, toujours pop ("Transciant"), un peu plus dansante ("Bootstrap" et "Contax") mais loin de l’agression du précédent single "Agent Tangent" avec son tourbillon de friandises. Certains titres s'apparentent même aux expérimentations d’Ellen Allien ("Solid State", "Slow Peel"). Malheureusement, la production laisse s’installer un certain état engourdissement et d’essoufflement caractéristique d’un trop plein de glucides. Mais la chimie facile laisse encore de trop belles occasions d’expérimentation. Pourvu que leurs produits ne leur pètent pas à la figure.

En bref : plus lent, moins dansant, moins sucré, les Suédois Pluxus marquent un pause dans leurs expérimentations frénétiques.

Leur MySpace

Le clip de Kinoton

Ratatat : nouvel album !

Avec un peu de retard, je me fends de l’annonce de la sortie du nouvel album de Ratatat, un de mes duo new-yorkais préféré. "LP3" est, comme son nom l’indique, leur troisième "long-player" – après l’excellent Classics de 2006. L’album est prévu pour 8 juillet et le single "Shiller" est déjà disponible sur le net avec la face B "Malaho" (elle devrait faire partie d’un futur quatrième album), depuis le 5 mai et uniquement disponible en vinyle. Leur maison de disque, XL Recordings, a pris le soin de préciser que la guitare si particulière de Mike est toujours présente, mais agrémentée de nouvelles textures venues d’un clavecin, wurlitzer, mellotron et même d’un piano à queue.

À l’écoute de Shiller on peut se surprendre de sa relative lenteur et de sa production apaisée. Cependant, si on se souvient des précédents opus du duo, on aura remarqué leur goût prononcé pour les longues mises en bouche ; le morceau se situe d’ailleurs en introduction de leur album. Et puis, en visitant leur MySpace, on trouve un autre titre "Mirando", qui présente les traits caractéristiques du duo : pesanteur, nonchalance et riffs griffants. La bestiole est de retour, et je ronronne déjà de plaisir.

"LP3" Tracklisting:

1. Shiller
2. Falcon Jab
3. Mi Viejo
4. Mirando
5. Flynn
6. Bird Priest
7. Shempi
8. Imperials
9. Dura
10. Brulee
11. Mumtaz Khan
12. Gipsy Threat
13. Black Heroes

Le Myspace et le site.

Le clip de Mirando

A lire aussi : Ratatat - Classics (2006)

Concours - Joseph Arthur au Café de la Danse à Paris le 23 juin 2008

Le songwritter américain qui descend le plus de Léonard Cohen sera en France cet été pour présenter non pas 1 mais 4 Ep sortis cette année : Could we survive, Crazy rain, Vagabond Skies et Foreign Girls. Et comme si cela ne suffisait pas, le 16 septembre prochain est annoncée la sortie de son septième album studio, Temporary people.

En attendant cela, Dodb vous propose de gagner l'une des 10 places mises en jeu pour le concert du 23 juin au Café de la Danse à Paris. Pour cela il suffit de répondre à cette question : Comment s'appelle le premier album studio solo de Joseph Arthur? et d'envoyer vos réponses avec vos coordonnées complètes à contact@desoreillesdansbabylone.com avec Concours Joseph Arthur dans l'intitulé du message, et ce avant le 15 juin prochain. _

_
Réservez vos places sur Fnac.com

_
Le site offciel et le Myspace de Joseph Arthur
Le Myspace du Café de la Danse

_
Joseph Arthur interprète In The Sun au David Letterman Show :

Joseph Arthur "In the Sun"

28 mai 2008

MGMT - Concert à la Laiterie de Strasbourg le 24/05/08

Enfin, enfin, enfin la première date française de la tournée de MGMT, après un passage par Paris en Février. Nous brûlions, brûlions, à force d'écouter Oracular Spectacular depuis des mois, alors que nous brûlions déjà trop pour attendre la sortie française. Depuis, nous leur en avions même pas voulu d'apparaître sur toutes les couvertures. Après tout, le délire devait être collectif et solidaire. Et ce soir, nous ne leur en voudrons même pas d'avoir attiré autant d'adolescentes à leurs premiers rang. Celles-ci s'affolent à l'arrivée du duo, accompagné d'un batteur et d'un bassiste, dans un registre vestimentaire évidemment seventies. Mais dès le premier titre Weekend Wars, les regards s'échangent en périphérie du public qui avait décidé qu'il s'amuserait ce soir. La chose devient évidente lors des chansons suivantes, et surtout après Time to Pretend : le groupe ne donne rien sur scène.

Ou pas grand chose. MGMT joue son album dans le désordre, rapidement, précisément. Deux inédits, un solo de guitare vaguement psyché, et puis s'en vont. MGMT fait le concert promotionnel d'un groupe lambda, alors que nous venions vivre une grande messe psychédélique. En réalité ils ont l'air un peu perdu, l'air de ne pas comprendre comment ils sont arrivés là, ni ce que nous attendons d'eux. Mince, est-ce que tout était de la faute de Dave Friedman? Leur a-t-il produit un disque au-dessus de leurs moyens? Pourtant ces chansons extraordinaires émanaient bien de ces deux garçons, qui avaient de leur corps ouvert la porte d'un monde merveilleux à travers des clips faits de couleurs hypnotiques, d'images improbables, et d'héroïsme mythique. Mais MGMT ne propose rien de tout ça ce soir; alors qu'ils devaient nous inviter à entrer dans ce monde tant rêvé, ils nous en ont fermé la porte au nez. Les chansons ont toutes perdu de leur magie. Les plus grandes étaient toutes petites (Kids, The Youth). Les plus colorées étaient toutes ternes (Future Reflections). MGMT, nous ne vous avons jamais demandé de vous produire en professionnels, de contenir votre jeunesse, votre folie, vos fantasmes. Nous voulions vous voir danser les bras en l'air, décomplexer le jeu de scène, aller au bout de ce que vous aviez amorcé. Vous nous avez mis la tête dans les étoiles, et ce soir vous nous avez fait redescendre sur cette Terre que nous n'aimions plus tellement. Oui les garçons, maintenant nous vous en voulons.

Pour se faire une idée, Pieces of What au célèbre Later Live Show:

A lire aussi : MGMT - Oracular Spectacular (2008)

Okkervil River - The Stand Ins (2008)

Non il ne s'agit pas d'une chronique mais d'une annonce. Alors que mon groupe texan favori est aujourd'hui encore en tournée aux quatres coins du monde (jusqu'en novembre) pour promouvoir l'exceptionnel The Stage Names sorti l'an dernier, Pitchfork annonce sur son site la sortie le 9 septembre prochain du 5ème Lp du groupe, toujours chez Jagjagwar. Même si nous n'avons pas encore d'artwork ou de tracklist, The Stand Ins s'annonce comme une séquelle à The Stage Names qui devait à la base être un double album. Will Shef sera le seul leader de cet opus puisque Jonathan Meiburg se consacre désormais uniquement à son excitant projet solo, Shearwater, dont le dernier effort sera disponible le 3 juin prochain sous le nom de Rook, faisant suite au génialissime Palo santo.

L'attente risque d'être longue pour les fans, même si en attendant vous pouvez toujours télécharger gratuitement et légalement The Golden Opportunities, une mixtape de 9 titres dont 8 reprises (John Cale, Gainsbourg, Randy Newman...) enregistrés cet hiver en tournée.

Le site officiel et le Myspace

Pour la route, Will Sheff en solo acoustique interprète A girl in port :

Mise à jour du 02/06/08 :

Pochette et tracklist

1. The Stand Ins, One2. Lost Coastlines3. Singer Songwriter4. Starry Stairs5. Blue Tulip6. The Stand Ins, Two7. Pop Lie8. On Tour With Zykos9. Calling and Not Calling My Ex10. The Stand Ins, Three11. Bruce Wayne Campbell Interviewed on the Roof of the Chelsea Hotel, 1979

27 mai 2008

Animal Collective - Concert à la Laiterie de Strasbourg - 23/05/08

Vite, débarassons-nous tout de suite d'une considération malheureuse : la qualité du son. Alors oui, il y avait trop de basses, et oui c'est bien dommage pour les spectateurs qui n'avaient pas de bouchons. Il était difficile il est vrai de percevoir les différentes strates électroniques jouées ou programmées par le trio. Après, qui peux bien attendre d'Animal Collective un son limpide? Car ce que le groupe propose sur scène, ce n'est pas une interprétation rigoureuse de compositions virtuoses à apprécier avec distance, mais une expérience physique à vivre ensemble avec abandon.

Il est donc impossible de reprocher quoi que ce soit à Animal Collective, tant la présence de ses musiciens, en chair et en os, en T-shirts et en tongs, est entière, authentique et généreuse. C'est évident, c'est la transe qui est au coeur de la démarche, et à ce jeu-là les trois musiciens se donnent tout entiers: Avey Tare danse frénétiquement, Geologist secoue la tête en tous sens, et Panda Bear frappe ses caisses comme si rien d'autre ne comptait. L'invitation va de soi, que le public participe à la transe! Bien sûr, celui-ci hésite, décontenancé par une attitude inhabituelle en ces lieux, même s'il est indéniablement conquis et emporté par la cadence folle de Peacebone ou par le réarrangement aérien de Chocolate Girl.

Car comme Animal Collective possède une inspiration infinie, son répertoire est déjà un puit sans fond, ce qui en concert laisse place à toutes les possibilités. Ce Chocolate Girl est un moment si inattendu qu'il est émouvant : perle éclatante extraite du tortueux Spirit They're Gone, Spirit They've Vanished (2000), il est ici relu, ralenti, bousculé. Les compositions d'Animal Collective ne sont jamais figées, toujours en mouvement. Alors sur scène ils étirent Fireworks, et se réapproprient même le Comfy in Nautica de Panda Bear solo, d'une beauté absolue, à donner des frissons.

Et tout participe d'un même mouvement. Animal Collective envisage sa musique, exactement comme Atlas Sound en première partie, comme un flux continu: les morceaux initiaux ne sont qu'un point de départ à un immense mix psychédélique. Ils s'enchaînent et se mélangent les uns aux autres; nos musiciens ne s'arrêtent pas un instant. Ils ne laissent aucune place pour des applaudissements, qui seraient de toute façon bien saugrenus, autant que la hauteur désolante de la scène. Nous devrions tous danser autour du groupe sans complexe et profiter pleinement d'être ainsi invité à prendre part à une expérience nouvelle, animale et collective, moderne et réactive. Qui passe à côté d'artistes si essentiels à leur temps risque de rater quelque chose de sa propre vie.

Le clip de Fireworks:

Le myspace.

26 mai 2008

Interview - Kidsaredead

Kidsaredead ne se prend pas vraiment au sérieux. Pas plus qu’il n’a jamais véritablement coupé avec son enfance. Entre le souvenir encore pétulant de la photo de sa professeur de piano à moitié dénudée et les révisions pour ses études, il trouve cependant le temps de s’adonner à la composition musicale. L’exercice est profondément ludique, presque enfantin : porté par une voix gracile, il dessine de parfaites mélodies pop lo-fi. Avec ses instruments et dans la cave des ses parents, il nourrit toujours un seul et unique dessein : conquérir le cœur des filles (et celui de Karl Blau). Une rapide interview, coincée entre deux caddies au rayon bricolage de Auchan-Clouange.

Qui es-tu Kidsaredead ?

Le genre de mec qui renverse des petits pois carottes sur sa chemise à la cantine.

Comment en es-tu venu à faire de la musique ?

Quand j'avais 5 ans, ma première prof de piano avait des photos d'elle un peu dénudée dans la pièce où elle donnait ses cours. Ca remonte à longtemps, c'est assez trouble dans ma mémoire, mais je me souviens que je les regardais d'un air hébété.
Sinon, sur la pochette de mon greatest hits de Police, il y avait une photo de Sting en train de faire du yoga au bord d’une piscine à Hawaï, genre le succès n’est pas incompatible avec une vie spirituelle épanouie. Je crois que c’est ça qui m’a donné envie de faire rock star pendant mon adolescence. Heureusement, ça m’a passé.

Comment travailles-tu ?

Au début, j'enregistrais sur un 4-pistes puis je me suis acheté un 16-pistes. J’ai fait mes chansons tout seul jusqu’à maintenant, en jouant plus ou moins mal de tous les instruments.

Quelles sont tes principales influences ?

Après notre déménagement à Clouange, j’ai acheté Sticky Fingers des Rolling Stones et Harvest de Neil Young en promo au centre commercial AUCHAN près de chez mes parents. C’était cool. J’ai dû trouver pas mal de disques de Prince en promo là-bas aussi.
J’ai fait l’acquisition de OK Computer le jour de sa sortie et je me suis tout de suite fait une cassette pour mon walkman. La même année j’avais aussi Wowee Zowee de Pavement en cassette et je l’écoutais tout le temps dans le bus.
Le jour où j’ai découvert A Wizard, a True Star de Todd Rundgren, je l’ai écouté d’une traite dans ma chambre avec mon frère alors que mes grands parents étaient venus nous rendre visite.
Quand j’ai eu la grippe en Angleterre, j’étais cloué au lit pendant deux bonnes semaines et j’écoutais des CD de MP3 fourrés de groupes Tropicalia (Os Novos Baianos, Caetano Veloso, Joyce…) que j’avais pompé chez Flóp.

Pour l’instant tu n’as enregistré que des démos, prépares-tu un enregistrement pour 2008 ? Des concerts ?

J'ai fait un premier concert de mes chansons à La Java en mars dernier dans le cadre d'une Bienfaisance organisée par les disques Bien.
Je vais me contenter pour l'instant d'accompagner mes amis avec qui je joue depuis cette année :
Flóp le 28 mai au pop in et le 5 juin à la Java, Orwell le 5 juillet à St Nicolas de Port, Alban Dereyer
Je participe au prochain disque de Variety Lab, un très chouette projet pop, riche en collaborations qui devrait sortir dans quelques mois.
Sinon pour mes propres trucs, je vais essayer de trouver un peu de temps pour enregistrer à Los Angeles avec les musiciens de Toto.

Tu as dédicacé une de tes compostions à Karl Blau, comment l’as-tu rencontré ?

J'ai rencontré Karl Blau en première partie de Laura Veirs deux jours après avoir découvert the Microphones et Little Wings (groupes du label K records). Il jouait avec une pédale de boucle et il s'en servait comme d'un quatre-pistes en live de manière super casse gueule mais ses chansons était très touchantes. J'ai adoré et j'ai été le voir à la fin du concert et je ne sais pas ce qui m'a pris, je lui ai promis de faire une chanson en son honneur (en me disant que ça changerait des chansons sur les filles...). J'ai passé tout l'été à écrire mon mémoire de maîtrise et pendant les pauses je trouvais des nouvelles parties à la chanson, et comme j'ai été très lent à faire mon mémoire, je me suis retrouvé au final avec cette chanson de 6 minutes qui change toutes les trente secondes. Je lui ai envoyé en espérant qu'il la mette sur un des disques de sa collection mensuelle Kelp mais bon je crois que je dis trop Karl Blau dans la chanson et que par humilité, il a préféré l'écarter. Ou alors il l'a trouvé nulle. En tout cas, Kelp monthly recommence ce mois-ci et Karl Blau vient de sortir un disque intitulé AM qui est super cool, où il adapte notamment des poèmes de l'auteur de Winnie l'Ourson dans un style kurt cobainesque pas piqué des hannetons.

Au final, tu es plutôt Playmobil ou Légo ?

Héhé. Lego. C'est la base de l'overdub. En ce moment, j'essaye d'avoir une approche plus Playmobil de la musique mais c'est pas gagné.

Qu’écoutes-tu ce moment ?

I need an end - Orwell
September - Alban Dereyer
Un Homme de goût simple - Flóp
Cas de peu d'intérêt - Tante Hortense
Nothing New - Karl Blau

Propos recueillis par Antoine

Le MySpace de Kidsaredead

24 mai 2008

Islands - Arm's way (2008)

Il y a des fois comme ça où rien qu'à la pochette, on sait que ce que l'on va entendre va suprendre. Ici une illustration originale et quasi vaginale qui attire l'oeil autant que le subconscient. Une fois renseigné, il s'agit du 2ème Lp de la reformation partielle et complétée des relativement bien aimés The Unicorns. Pour ceux qui s'en souviennent, en 2006, Return to the sea avait en effet conquis la grosse poignée de gens au courant. Depuis, Jaime Tambeur est parti et Nick Thorburn (anciennement Diamond) a pris du grade au sein du nouveau sextet basé à Montréal. Et nick est du genre de ceux qui ne lachent pas prise, qui comme Brian Wilson ou Lennon / McCartney avant eux tentent de livrer le disque pop parfait. Et à ce petit jeu là les Islands ne sont pas si loin du compte.

En fait avec Arm's way, réel tournant de leur carrière, le groupe devient le seul véritable concurrent si l'on peut dire d' Arcade Fire, leurs voisins, qui accrochez vous, ont commencé à tourner en première partie de Diamond et sa bande. Et en attendant le prochain Wolf Parade, peu sont ceux qui font prendre à leur pop expérimentale telle ampleur et telle diversité de composition. Car loin du grand frère, chaque titre s'autorise son moment de folie, loin de la norme, polyrythmique et étrange. Référents, le Vertigo de 11 minutes et trois mouvements qui réussit tout ce qu'il tente ou Life in jail, fantastique ballade qui finit en liesse scandée bien montréalaise.

Bien avant Vampire Weekend, les Islands sont considérés comme ceux qui ont réhabilité le Graceland de Simon, avec l'utilisation de thèmes caribéens contribuant à une atmosphère parfois afropop (J'aime vous voir quitter en français dans le texte). A l'opposé, Creeper s'impose comme le titre le plus mémorable, confectionné à l'aide de vieux sons de synthés 80's sur une base de guitare tubulaire. Au milieu, In the rushes est le titre que Muse a toujours rêvé d'écrire, d'un romantisme gothique à toute épreuve. Et comme chez leurs compatriotes désormais superstars, les arrangements de corde théatraux partagent l'affiche avec les couches de cuivre, les synthés et les guitares. Et comme eux encore, les thèmes de l'écriture tournent autour de la mort, interprétée par de très jeunes joueurs, tous talentueux. Les écoutes répétées à venir et entamées devraient vraisemblablement consacrer ce disque comme mon numéro 1 de l'année.

En bref : Ce disque est énorme, fantastique et majestueux. "Et Funeral, tu te prends pour qui? "
_

_
_
Le site officiel et le Myspace

Acheter le Cd ou le MP3 ou Acheter d'occasion

Le début (mais suffisamment pour se faire une idée) des clips de Creeper, The Arm et Abominable snow

21 mai 2008

Justice - Concert au Sumum de Grenoble le 16 mai 2008

Je m’étais dit : «Mozart et le rock indé, bon, c’est bien, mais il faut que j’écoute un peu autre chose, de la musique de jeune, un peu comme Daft Punk» (que je me surprends à aimer, quand je ne me crispe pas sur ma montre, en attendant la fin de ces boucles interminables qui font le charme si caractéristique de ce groupe). Je vais écouter Justice, donc, puisque même Télérama en dit du bien. Je tombe sur DANCE, et je fuis au bout de 18 secondes d’écoute, les petits chanteurs à la cross de bois n’ayant jamais été ma tasse de thé. «Insistes, tu verras, c’est bien», me dit mon vieil ami Nicks, toujours impitoyable envers la chanson-française-de-qualité, mais très ouvert sinon, même à l’électro hype plutôt fédératrice.

À force d’insister, voilà que je me retrouve à un concert de Justice, et je vous épargne les étapes de cette conversion inattendue. «Fédérateur», c’est effectivement l’adjectif qui vient à l’esprit, quand on observe le public et son comportement durant les premières parties (car, hélas, il y en a eu deux). Une pom-pom girl, vêtue d’une improbable salopette, se trémousse sur fond de variété remastérisée par un DJ qui se permet toutes les audaces … en matière de mauvais goût (on a eu droit à The final countdown, souvenez-vous, ça va vous revenir). Une partie de la salle s’échauffe dans la fosse, et s’en donne à cœur joie, tandis que l’autre, assise, prend son mal à patience, et ose quelques sifflets pour essayer d’abréger la torture. C’est exactement ça Justice : une musique qui fédère les trentenaires amateurs d’électro et les ados amateurs de beats (« Putain, Justice ça déboîte »). Du gros son qui déboîte, en effet, mais des empilements d’amplis Marshall en guise de dispositif scénique, qui fonctionnent clairement comme un principe de distinction, en rappelant les installations de Jeff Koons.

Justice c'est un peu de pub, du merchandising, mais aussi la couverture de Télérama, et un clip du fils Gavras, qui joue, à l’évidence, sur la conception légitime de l’œuvre d’art comme opacité, objet devant être interprété. Il y en a donc pour tout le monde ; sauf que, quand même, on a l’impression que c’est le côté dance-floor/big rave partie qui l’emporte un peu, dans l’ensemble ; les titres s’enchaînent avec un art consommé du faire-danser, un peu appuyé parfois : attention le rythm of the beat va aaaaaaaaaarrrrrrriiiiiiiivvvveeeeeer, et il arrive (bom, bom, bom,etc. ). On prend, au demeurant, grand plaisir à retrouver les morceaux de l’album complètement transfigurés, hâchés, dispersés, ou réduits à l’état de trace, de vestige, ou de leitmotiv. Précédée d’un long crescendo, Genesis prend toute sa dimension d’ouverture wagnérienne ; Stress est littéralement dépecé, comme dans un exercice de style qui aurait consisté à en dégager les éléments constitutifs, à les épurer, en vue de sur-dramatiser l’ensemble ; l’inévitable Because we are your friend vient juste après, et, là, sur fond du clip désormais bien connu, on ressent comme l’expression d’une vague solidarité émeutière, qui rend plutôt sympathiques nos deux parisiens branchés. Le thème de Phantom est intelligemment traité comme un leitmotiv discret, et DANCE passe, indolore, même pas mal. L’album est pris dans un gigantesque maëlstrom sonore et rythmique, qui tantôt le condense, tantôt le dilue. Où sont passées les basses slappées de l’album , par exemple ? Les rappels nous envoient, à l’inverse, des bomb-bass à vous décoller la plèvre, et nous assomment avec un final étonnamment métal (Les amplis Marshall, c’est des amplis de guitare non ?), furieux, dans un crescendo rythmique qui nous laisse pantois…et heureux.

Le Myspace

Destroyer - Trouble In Dreams (2008)

Chaque album de Destroyer sort, même distribué comme ici par Rough Trade, avec la plus grande discrétion. Il est pourtant de chanceux initiés qui accueillent chaque sortie avec la curiosité la plus vive. Car au fil d’un répertoire en mouvement, Daniel Béjar, des plus grands poètes nord-américains contemporains, replie et déploie un univers textuel fascinant. D’une litérarité emphatique à une oralité triviale, de ficelles absurdes en cordes sensibles, la poésie de Béjar chasse sur les terres du non-sens. « Night’s surgeon dons his robes to take apart a fellow amateur » : une écriture cryptique dont nous ne pourrions avoir la clef ? Mais ces références à l’Art, aux villes concrètes, au Cinéma, et surtout à la Pop ne sont-elles pas autant d’invitation à entrer dans la ronde des mots ? Les textes de Destroyer sont troués de ramifications auto-référentielles : il y a au détour de chaque vers un renvoi à d’autres chansons, enregistrées sur des albums précédents. L’Eternel Retour ? La vie ne serait que cycles sans raison ? La question à peine posée que les mots creusent sur place puis partent en vrille.

La poésie de Destroyer est sonore, ne l’oublions pas, et elle est là mue par le nouveau perpétuel. La linéarité aveugle ? La vie ne serait que paliers perdus ? La question à peine posée… Et elle est là, la fébrilité des Mélomanes, moins sur les écrits que sur l’ïnouï évidemment : où le son de Destroyer est-il allé cette fois-ci ? C’est que nous étions passés du lo-fi We’ll Build Them a Golden Bridge au glam rock de Streethawk : a Seduction, puis du du folk rock noisy de This Night aux symphonies synthétiques de Your Blues. Ici Trouble in Dreams : belle déception. Destroyer creuse à peu près le même sillon que sur le précédent Destroyer’s Rubies, à savoir une sorte de piano-prog-rock d’influence 70’s. Dommage, ce n’est pas là que le groupe était le plus pertinent.

Dan Béjar se situerait donc dans une démarche contraire à celle de Leonard Cohen, pour qui la guitare n’était au départ qu’un prétexte au verbe, mais qui a finit par s’impliquer plus encore dans la mise en musique. Dans Trouble in Dreams, Destroyer semble avoir asséché la composition et tourné le dos au radicalisme sonore des précédents opus, aux partis pris extrêmement marqués. On écoute alors parfois un groupe qui chercherait à avoir des idées, qui malheureusement ne fonctionnent que rarement. Plus triste, l’emphase qui apparaît sur Shooting Rockets (From the Desk of Night’s Ape) va se révéler indigeste et énervante en fin d’album (les quasiment inaudibles Leopard of Honor et Plaza Trinidad). L’auditeur se retrouve ainsi immergé dans un ensemble dont il peine à sentir la consistance. Il se raccroche à quelques mélodies, à de belles nappes de synthé (revenues de Your Blues), à la délicatesse de Blue Flower / Blue Flame, aux cavalcades de Dark Leaves Form a Thread, à l’outro de Foam Hands ou à l’intro de My Favourite Year. Ces quelques réussites lui retiendront une attention certes émue mais pas éblouie. Pour le reste, Destroyer n’est tout simplement pas parvenu à mettre en forme ses chansons. On regrette alors, profondément, les derniers joyaux de Béjar au sein de The New Pornographers : Myriad Harbour, Entering White Cecilia et The Spirit of Giving sur Challengers. Ces pop-songs renversantes, produites au pinceau fin, avaient laissé augurer du meilleur, surtout auprès des admirateurs passionnés du canadien.

Mais cette fois-ci, entre le clair et l’obscur, Destroyer a préféré le flou, qui donne à vrai dire bien mal à la tête. Et déformer ainsi les contours des chansons n’a contribué, au-delà sûrement de l’effet recherché, qu’à les rendre impuissantes et inexpressives. Non, pas un mauvais disque en soi, c’est juste qu’à côté des crêtes sauvages, impressionnantes de splendeur, que sont This Night et Your Blues, les vallées cultivées de Trouble in Dreams font bien pâle figure.

En bref : Destroyer, pourtant fins et doués, négligent la mise en musique des grands textes de Daniel Béjar.

___________________________________________________________________

Le site pour les infos, et myspace pour écouter. Mais Béjar et Destroyer sont avares en communication.

Acheter le Lp ou le Cd

Donc, aucune vidéo officielle, aucun live TV... que de plans de concerts filmés à la volée, dont ce Dark Leaves Form a Thread, de piètre qualité plastique malheureusement:

The Submarines - Honeysuckle weeks (2008)

Qui a dit qu'il n'y a que la souffrance qui mène à l'art? Car nous tenons aujourd'hui dans nos mains la preuve du contraire, le contre exemple parfait où tout n'est qu'amour et joie de vivre. Vous me direz, ça sonne un peu neuneu dit comme ça, et je sens déjà les diabétiques de la pop trop sucrée amorcer leur prochain malaise. Car The Submarines est un couple marié et heureux. Celui de Blake Hazard et John Dragonetti. Après Declare a new state en 2006 écrit chacun de leur côté durant une séparation et enregistré ensemble durant les retrouvailles, et celui-ci écrit ensembles post mariage ça sent un peu les feux de l'amour.

Et pourtant, les deux tourtereaux accouchent d'un brillant petit album de sweet pop. You, me & the bourgeoisie, premier single extrait du disque inspire la positive attitude façon Nena, mais fini en solo de Gockenspiel à faire tomber un mur de Marshall, ou presque. Bon pour eux, leur talent ne se limite pas à ça et plusieurs titres comme 1940 ou Fearn Bear rebondissent comme un bon dub oldschool, ou presque (bis). Enregistré dans le home studio au fond du jardin, Honeysuckle weeks est irrésistiblement catchy, 10 morceaux pour 30 minutes de jeu. Paradoxalement, seule la Wake up song n'éveille pas grand chose. Quelques touches d'électronique bien choisies épaississent la sauce et permettent de déguster ce disque comme il se doit, avec de la chantilly.

En bref : Derrière une pochette Yellow Submarine, The Submarines s'aiment et aiment la pop. Et nous les aimons. Et tout n'est qu'amour. Hallelujah !

_
_
_
Le site officiel et le Myspace

Le clip de Peace & hate extrait du premier album :

_
A lire aussi : The Bees - Sunshine hit me (2002)
Lire la suite

20 mai 2008

Tapes 'n Tapes - Walk it off (2008)

Aperçus en surfant sur les nombreux sites américains de musique indépendante, une pochette et un nom bien particuliers qui me rappelaient vaguement quelque chose. Un album écouté en 2006, The Loon, qui d'après mes souvenirs valait très clairement l'attention, malheureusement aussi vite oublié qu'arrive le flot des nouveautés. Dur dur de durer. C'est donc en successeur que s'érige ce nouvel opus produit par le désormais inévitablement présent dans mes chroniques Dave Friedman. Plus concentré, plus méritant, plus sale (The dirty dirty, forcément) mais peut-être moins accrocheur. Premier constat. Et pour la comparaison Clap Your Hands que l'on tente de leur faire porter, il faudra repasser, carrément rien à voir, si ce n'est une carrière calquée au niveau du calendrier et un producteur commun pour leurs deux deuxièmes, Dave, encore lui!

Quoi qu'eux aussi chouchous de la blogosphère, au moins anglophone, la bande de 4 emmenée par le chanteur Josh Grier déploie sa pop rétro moderne évoquant ainsi Pavement, Modest Mouse ou Arcade Fire. Conquest fait partie de ces morceaux moins nerveux mais mieux produit. Comme posé, mûri, repus. Dans l'air du temps, Headshock fait appel aux guitares saturées, la batterie sur Say back something est profonde à n'en plus finir, si claire qu'on dirait de l'électronique. Et la chanson qui déroule autour, tranquillement, son histoire et ses guitares. Line n'est pas mal non plus, dans son final orchestral. On pourrait encore qualifier Blunt de Pixies, ou George Mickaël de Sonic Youth. Ou s'émerveiller devant la ballade Anvil. On pourrait. Mais ce serait devoir décrire chacun de ces 12 tubes de poche. A écouter. Plusieurs fois.

En bref : Minneapolis represents! 12 chansons pop assez classes pour rentrer dans le top 2008.