Sept ans que Richard Sanspeur ne nous avait rendu visite. Pour son nouveau forfait, après un LP en forme d'hommage et de citation des maîtres Kraftwerk ("Satan's Circus"), Fearless et son avatar Death In Vegas jouent à nouveau la carte de l'épure. S'il n'est pas entièrement instrumental comme son prédécesseur, Trans-Love Energies a au moins le bon goût de ne plus convoquer chanteurs brit à tout va, ce qui rendait parfois illisible sa démarche à l'image de ce que pouvait donner son vilain pendant de Chemical Brothers, ou à un degré moindre les "groupes" à géométrie variable que sont les Archive ou Massive Attack.
Séparé de son alter ego Tim Holmes, Fearless conduit en solo et pour la première fois de manière ostentatoire ce nouveau disque, assumant lui même l'intégralité des quelques parties chantées.
L'ambiance générale n'est pas sans rappeler l'ambient d'un Aphex Twin circa 93/95 - sa meilleure période, on ne s'en plaindra pas - ainsi va l'inaugurale et sombre "Silver Time Machine", étirée et obsédante. "Black Hole" qui lui succède dans un fade in savant ne déparerait pas au sein des lugubres délices du Closer de Joy Division.
Parmi les autres réussites, les ambiances cafardeuses du répétitif "Lightning Bolt", la transe syncopée de "Coum" sont les pistes les plus réussies de ce Trans-Love Energies, assez caractéristiquement d'ailleurs celles où la voix blanche et monocorde de Fearless est omniprésente. En revanche, les remix ou versions différentes proposées en bonus sur le double vinyle sont assez pesantes voire gonflantes, et c'est finalement dans la concision que monsieur Death In Vegas convainc le mieux, dans ce qui reste son disque le moins sexy (comprendre racoleur), mais sans doute le plus cohérent à ce jour.
En bref : sans peur et sans binôme, Richard Fearless revient à un son plus dark, avec un disque qui gagne en cohérence dans les climats et la conception, débarrassé qu'il est du casting par trop envahissant de ses prédécesseurs.
Pour la génération avant la mienne, Diablogum reste un groupe mythique au sein du paysage francophone. Honte sur moi, je n’y ai mis les pieds plus que de rigueur. J’avais bien effleuré quelques fois un disque comme #3 mais jusqu’à cette année, jamais je n’étais tombé amoureux de leur univers. C’est aujourd’hui chose faite grâce à ce disque sorti hors circuits, qui doit la seule petite lumière médiatique qu’il a reçu à son patronyme honorifique. Et puisque le retour sur les planches et dans les bacs du plus culte des groupes français se fait attendre, quoi de mieux pour patienter que cet ovni slow-core, produit purement français et pourtant tellement américain.
Comme son nom l’indique, cet album est joué en duo. Guitare/voix/batterie. Michel Cloup (Experience, Binary Audio Misfits) + Patrice Cartier. Pas plus. Ni moins. Un choix pour le moins minimaliste, qui privilégie l’épure aux dépends de la sophistication. Tout comme la pochette noir et blanc aux relents de BYG Actuel. Tout comme le phrasé parlé jamais crié. Et puis il y a ce son grave et chaud de la guitare barytone. Tout contribue à cette lente et courte introspection. Cette mise à nu d’un artiste oublié sur le bord de la route et qui a encore des choses à dire. "Une histoire, mon histoire. Universelle, banale. Mon histoire, notre histoire", tel commence ce disque solennel d’à peine six véritables morceaux.
Michel Cloup y est à vif. Les thèmes sont lourds : l’enfance, le deuil, la dépression, la douleur, la fatalité, le tout avec un regard quadra mélancolique à souhait. Sans jamais verser dans le pathos, avec peu de mots et en imageant comme un poète, Michel Cloup frappe sec et fort sans chichis. "Expliquer l’inexplicable, pour accepter l’inacceptable" lâche-t-il dans "Cette colère", premier coup de force du disque. Un de ces je ne-sais-quoi qui laisse des frissons sur son passage, entre rage et amour.
Sa guitare est son autre grande force. Typiquement américaine mid-90’s côté Slint et Shellac. Des soli juste comme il faut et un son écorché mais précis qui s’étend sur de relativement longs morceaux. Sommet du disque, et meilleure chanson de l’année pour moi, "Notre enfance" reflète en cela tout ça. Il y a tout. La longueur (12 minutes), la présence, les breaks, le sens, la charge émotionnelle, l’histoire. Notre histoire.
En bref : pesant et dépouillé, Notre Silence est un regard unique sur la vie, d’un classicisme et d’une sobriété folle. Un soleil noir.
Madame Nickx et moi nous sommes fait une spécialité des "dernières" ; c'est donc à l'Espace Julien qu'accompagnés de Nickx Junior, nous avons rendez-vous avec Keren Ann pour l'ultime date de sa tournée 101 ; mais revenons aux préliminaires.
De Daho à Bashung
Combien, à part votre serviteur, auront reconnu l'accompagnatrice de Doriand (avec un "D"), support artist de la jolie franco-néerlandaise ? Car il s'agit bien en effet de l'ex-meneuse des cultes et très délicats Valentins qui officie à la guitare folk, seul oripeau instrumental du mini-set, si ce n'est le tambourin agité frénétiquement en final des morceaux par le chanteur dandy.
Lequel ne se prive pas de rappeler (merci à lui) les exceptionnels états de service d'Edith Fambuena en variété pop française (de Daho à Bashung, en passant par.......à peu près tout le monde) qui, bien qu'abîmée par les années, n'a rien perdu du charisme qui avait fait d'elle l'ex-égérie de la nouvelle vague gay romantique du début des 90's.
Et à la vérité, c'est presque d'elle dont on le plus envie de parler, plus que de Doriand, au demeurant chanteur néo-réaliste aux histoires drôles et tendres, jamais très loin d'un Renan Luce, et sans doute plus attachant que toute la cohorte d'affreux Benabar de la terre !
Louise Brooks, Mireille Mathieu et Carla Bruni
Place à Keren Ann dans une salle qui c'est un comble, ne l'est pas, avec le parti gonflé de lancer le set après avoir balancé le title-track lancinant de 101, juste avant de monter sur scène. En formation resserrée, la belle Keren a donc décidé d'abandonner la très discutable coupe de cheveu à mi-chemin entre Louise Brooks et......Mireille Mathieu qu'elle arborait sur la superbe pochette du dernier album.
A présent, sa silhouette moulée dans le cool d'un fut moulant et de la veste rock'n'roll de rigueur, évoque davantage une Carla Bruni branchée, et c'est tant mieux.
Le groupe de 4 musiciens, particulièrement efficace propose batteur, sosie de Sinclair à la basse, clavier et ô joie rien de moins que Philippe Almosnino, échappé des Wampas, dont le jeu virevoltant insufflera à "Sugar Mama" et certaines vieilles scies telles "It Ain't A Crime", une seconde jeunesse. Keren, d'humeur très accorte, fait de longs commentaires sur les chanteurs peints sur les murs de l'Espace, se félicitant de figurer aux côtés de Dee Dee Bridgewater et s'autorisant une saillie réitérée envers Booba et Diam's, qu'elle se désole (?) de ne pas côtoyer (LOL).
Son maousse, voix diaphanes...
Un sobre éclairage aux tons violets sied particulièrement à la mélancolique et magnifique "Strange Weather" qui lance les hostilités. Le son est maousse, la voix en pâtira d'ailleurs parfois, mais ça n'est pas grave. C'est à un véritable best-of de sa déjà conséquente discographie que convie Keren ; tous les morceaux qui comptent seront joués, avec une part belle faite évidemment à 101. Dont les morceaux de bravoure hormis la chanson-titre, sont tous interprétés. Nos préférés ? Outre la chanson d'ouverture, un très beau "You Were On Fire" délicatement saupoudré de Theremin, et sur lequel Keren évoque feu Trish, la chanteuse des hélas méconnus Broadcast.
Ca n'est d'ailleurs pas le moindre des mérites de la muse néerlandaise que d'évoquer les voix diaphanes les plus prisées des années 90/2000 ; on pense aussi à l'adorable Hope Sandoval sur "All the Beautiful Girls" et la rêveuse "Song From A Tour Bus".
Traitement club...souvenirs feutrés
Si l'on devait retenir une caractéristique de la prestation de Keren Ann ce samedi, c'est l'absence de faute de goût, tant dans le choix de ses accompagnateurs ; qu'il s'agisse de ses propres musiciens ou de la première partie. Ou de façon plus subjective, de celui du répertoire interprété, qui atteint son apogée après le rappel.
Auparavant la tant attendue et tourbillonante "My Name Is Trouble", jouée en 12ème position aura droit à un traitement club : après un début classique, ce ne sont que guitare funky et basse slappée étirées sous de roboratifs stroboscopes, avec faux départs, vrais redémarrages, et Keren qui prend la pose oiseau de nuit sur le dance-floor !
Feu d'artifice final, les deux plus beaux titres du fantastique Not Going Anywhere (2003), le morceau-titre bien évidemment, et aussi le grandiose "Sailor And Widow" (ma préférée entre toutes), où la voix de Keren -qui officie derrière la batterie pour l'occasion- n'a jamais tant évoqué nos souvenirs feutrés de la grande Suzanne Véga.
Que l’on appelle ça chillwave ou que l’on ne l’appelle pas, on ne peut que constater que nous avons ces dernières années été submergés par une vague de disques jouant avec les ambiances aqueuses et aériennes, en entrelaçant boucles électroniques, notes de synthé et voix éthérées. Les premiers disques reçus, inattendus et révélateurs (je pense notamment au seul, unique, et sublime EP des suédois d’Air France), semblaient tomber du ciel, portés par le vent. Objectif manifeste : créer du beau. Et amener l’auditeur à se détacher des lois de la pop et de la pesanteur. Seulement voilà : en lisant la presse, on aurait pu croire que 2011 allait être l’apogée du genre. Or, que j’écoute, simple exemple, Washed Out ou Neon Indian, je ne pense qu’une chose : Pffff. Comme un ballon qui se dégonfle, et qui échoue platement dans l’océan. Où les vagues perdraient de leur fluidité à force de courants contraires. Où dans « flotter » j’entends « flotch, flotch ». C’est pourquoi je suis heureux, en cette fin d’année, d’entendre un disque enfin accomplir ses ambitions élémentaires et oniriques. Cela n’étonnera personne, il vient de Suède. Il s’appelle An album by Korallreven. Et aux commandes, on note la présence du claviériste de The Radio Dept, groupe dont on ne vante plus les qualités.
On a beau reprocher aux journalistes de vouloir créer des genres out of the blue, tout concourt, sur cet album de Korallreven, à définir un canon, en accumulant des éléments devenus caractéristiques comme autant de figures imposées. On a ces références aux contrées exotiques (Korallreven signifie « récif de corail ») et fantasmées. Et surtout, on a ces grandes envolées lyriques et ce savant collage réverbéré de voix humaines, de bruissements naturels, de sons synthétiques et de boucles électroniques, si bien que l’on pense autant à Brian Eno qu’à The Avalanches. Et quand je dis savant, je ne pense pas nécessairement à une maîtrise métronomique manifeste ou à une précision d’artificier. Non, il s’agit ici de réussir à superposer les strates de sons pour leur donner une apparence accidentelle, à imiter les mouvements naturels, à donner l’illusion d’une musique dépendante des courants de l’air et des courants de l’eau. L’impression de flottement…
Et si Korallreven réalisent mieux que d’autres leurs ambitions impressionnistes, c’est parce qu’ils ont envisagé leur album comme un tout, brouillant non seulement les lignes à l’intérieur des morceaux, mais aussi entre les différentes pistes. Si bien que l’on ne sait jamais vraiment où l’on en est : ne cherchons pas, on est transporté. Le disque terminé, reste une impression d’avoir quitté l’espace et le temps, sans parvenir à définir ce que l’on vient d’entendre : la sensation d’avoir rêvé. On se souvient d’une entrée en matière céleste et épique, sur deux morceaux encore à peu près identifiables. On se souvient aussi des voix de Victoria Bergsman (Taken by Trees) et Julianna Barwick. Puis il semblerait que l’on se soit laissé capturer, emporter dans une série de rêves imbriqués les uns dans les autres : « A dream within a dream within a dream within a dream » : cette voix résonne encore... On se souvient d'échos qui semblaient se répondre et se répéter d’un bout à l’autre du disque, comme si la musique créait des espaces qui se dépliaient et se repliaient sur eux-mêmes, à l’infini… Et lors des dix dernières minutes, celles qui précèdent le réveil, on se souvient avoir entendu le tempo ralentir, tandis que les espaces se multipliaient ; il s’agissait pourtant d’une seule et même plage, puisque, dans le trouble et le doute, on aura vérifié… Écoute après écoute, d’autres souvenirs refont surface. Les autres restent enfouis sous des strates encore inexplorées, attendant que l’on replonge pour les chercher.
En bref : un album de chillwave, impressionniste, séduisant, électronique, complexe, aérien, onirique, délicat, inspirant, exotique.
Qu’on se le dise, King Krule, de son vrai nom Archy Marshall, a seulement 17 ans et débute son projet solo après avoir officié en tant que Zoo Kid. Issu d’une famille de musiciens, c’est à 8 ans, selon les dires, qu’il compose son premier morceau et découvre ses aptitudes au songwritting. Autant dire que la pop ça le connaît, lui qui a déjà un maxi au compteur (Out Getting Ribs) et signe ici son premier EP éponyme chez True Panther (Morning Benders, Real Estate, Teengirl Fantasy). Ses prestations scéniques, au Midi Festival d'Hyères et à la soirée d’ouverture du Pitchork Festival à Paris notamment, ont eût tôt fait de lui assurer un premier succès d’estime.
Abstraction faite de son jeune âge et de sa maturité vocale précoce, on a ici affaire à un vrai disque de pop hybride aux accents ambient et jazzy. La voix d’Archy Marshall, suave et envoûtante, surplombe une instrumentation éthérée et minimaliste : guitare nimbée de reverb, basse profonde, batterie lo-fi à la frappe légère. Son chant (plutôt du parler-chanter) a un timbre mélancolique particulier qui prend de la consistance lors de ses accès de violence, sans jamais succomber à un excès d'émotions. Loin d’être omniprésent, le chant sait se faire discret sur "Bleak Bake", laissant la place à des textures vaporeuses. Il est même absent sur l’introductif "36N63" et ses lignes de contrebasse.
"The Noose of Jah City", en guise de final est sans conteste le sommet de cet EP. Il semble télescoper toutes les (bonnes) inspirations d’Archy Marshall pour en former un morceau plus abouti. Parmi les échos de guitare et le chant écorché qui ne cesse de dévoiler une certaine anxiété juvénile, on entrevoit la naissance d’un style singulier qui ne demande qu'a se développer. King Krule pourrait bien devenir un de ces songwriters à l’univers inspiré et intimiste comme le sont Bradford Cox et Kurt Vile. L’avenir nous en dira plus.
En bref : nouvelle coqueluche anglaise, adulé par Pitchfork et NME, King Krule semble couver un grand talent du haut de son jeune âge. Profitons-en avant qu’il ne soit happé par la hype.
Habituellement ultra-prolifiques, les Emeralds n’ont rien sorti cette année, du moins en trio, sûrement accaparés par le succès de leur grande œuvre de 2010, Does It Look Like I’m Here ?, et la tournée qui a suivi. Le showman et soliste du groupe, le rouquin Mark McGuire, a quand même trouvé le moyen de sortir deux albums, l’un seul (Get Lost) et l’autre avec le duo Trouble Books, ainsi qu’une double compile. Mais la surprise vient du plus discret des droneux de Cleveland, Steve Hauschildt, dont Tragedy & Geometry est le premier véritable effort solo, après une poignée de cassettes et de Cdr. En charge de la programmation des synthétiseurs, Hauschildt a sans doute énormément contribué à l’évolution des Emeralds vers un son plus électronique et hypnotisant, moins bruitiste que sur leurs livraisons passées. Ses arpèges euphoriques et ses accords flottants fournissaient un cadre parfait pour les divagations guitaristiques de son acolyte.
Il y avait une telle complémentarité entre les deux musiciens (et même les trois, n’oublions pas John Elliott) sur DILLIMH ? que je me suis naturellement demandé, en lançant la galette, si Hauschildt supporterait le poids de la solitude. Et la réponse est : oui et non. Oui parce que des titres comme "Overnight Venusian" et "Batteries May Drain" sont des petites perles psychédéliques ; le premier semblable à un océan ténébreux de nappes, le second, pour moi le meilleur du LP, dans une veine clairement krautrock à la Neu!, avec un beat mid-tempo presque dansant et un riff bien accrocheur. Et non, parce que Steve a beau se démener comme un diable sur ses claviers, ce qui fonctionne sur quelques morceaux tombe un peu à plat sur d’autres.
"Music for a Moire Pattern", la pièce centrale de l’album, présente par exemple une progression un peu trop molle du genou pour maintenir l’attention éveillée durant ses 11 minutes. Quant aux plages ambient courtes qui font office d’interlude ("Arche", "Cupid’s Dart"), elles ne présentent pas un grand intérêt. Tragedy & Geometry souffre surtout d’une trop grande uniformité de textures, et l’on se prend à imaginer à quel point certains titres pourraient être sublimés par la guitare de McGuire. "Already Replaced" apparaît ainsi comme une version squelettique, loin d’être désagréable mais incomplète, du grandiose "Candy Shoppe".
Si l’ensemble manque parfois de relief et de tension, c’est parce que Hauschildt a fait des choix esthétiques forts, en s’orientant vers des sons chauds et accueillants, et en structurant ses morceaux comme de vraies chansons pop. Tout en restant bien sûr très cosmique ("Blue Marlin", "Peroxide"…), Tragedy & Geometry ne vise pas le même type de transe que les Emeralds, reste plus en retenue, moins expansif, ce qui en fait, de loin, le disque le plus accessible de toute la galaxie Emeralds, et une formidable porte d’entrée vers l’œuvre foisonnante du groupe.
En bref : escapade solo plutôt réussie pour le plus discret des Emeralds. Moins viscéral et plus pop que les disques du trio, Tragedy & Geometry est accessible, planant, et contient quelques fulgurances, comme le fabuleux "Batteries May Drain", mais aussi quelques longueurs.
Je sais, je tiens là le titre le plus long et le plus idiot de l'année 2011, voire au delà ! Décodage immédiat : "As High As The Highest Heavens and From The Center To The Circumferance Of The Earth". On pourra y reconnaître l'ambition tellurico-stratosphérique typique d'une certaine tendance shoegaze, à la recherche d'un son à la fois massif et ample. Mais là encore, il ne suffit pas d'appuyer sur une pédale d'effet pour avoir du talent, et n'est pas Besnard lakes qui veut. Trio originaire de New York, True Widow, se la joue puissant, sombre et minimal, et, sans être follement original, trouve un style et un son, qui ont tout pour plaire.
On ne peut pas dire que la presse spécialisée ait buzzé d'une manière ou d'une autre sur cette formation (aucune recension à ma connaissance) ; c'est donc grâce à un disquaire (et oui ça existe encore, les ptits jeunes) que j'ai découvert ce disque.
Le son accroche tout de suite l'écoute : cette batterie downtempo qui ouvre le premier morceau "Jackyll", mixée très en avant, sonne au plus près de l'oreille, et semble dire merde au Loveless de My Bloody Valentine. Puis un lent tremblement de terre, quelque chose qui vous saisit doucement, vous impacte physiquement, une basse qui semble vouloir célébrer les noces du sludge et du shoegaze. Et enfin, une guitare claire amorce un motif entêtant qui sera repris par la voix.
Tout l'album repose sur ce minimalisme instrumental basse/batterie/guitare, très loin du prog savant des Besnard Lakes. Sur des tempos généralement lents, chaque instrument a droit à son intro, son attaque. Une sorte de stoner rock shoegaze, avec des voix claires, tantôt masculine tantôt féminine, direction le plus haut des cieux, mais qui viennent habilement élargir le spectre sonore, et évitent à l'ensemble de sombrer définitivement dans la crypte.
Du coup, les compos sont d'une grande simplicité, et les paroles aussi. Les motifs mélodiques ne sont jamais très développés, esthétique stoner oblige, et la guitare assure ce qui pourrait parfois ressembler à des ponts. Tout est tellement étiré que les refrains arrivent comme des codas, en délivrant l'oreille des boucles répétitives. Bon, les amateurs de chanson seront peut-être un peu perplexes, mais " Skull eyes" prouve qu'ils savent en écrire, et qu'ils ont la possibilité pour leur prochain album de ne pas se répéter, en se contentant de leurs trouvailles sonores.
En Bref : du stoner rock pour âmes en peine, sombres héros de la crypte, exilés pour veuvage à plein temps, les yeux rivés sur les chaussures. Les voix et les bribes de mélodies apportent ce qu'il faut de délicatesse.
Nous avions découvert ce producteur avec son énorme Vacuum EP, en 2009. Déçus par son premier live parisien quelques mois plus tard, nous avions mis cette piètre performance sur le compte de sa jeunesse. Ceci dit, le potentiel de Sam Shepherd apparaissait déjà avec évidence, ainsi que son ouverture d’esprit et sa vision élégante du groove. Depuis, le Britannique a mûri et lâché quelques beaux 12'', dans des styles très variés, de ses travaux orientés bass music sur Planet Mu ou house sur son propre label Eglo, à ses aventures plus jazzy et instrumentales sur Ninja Tune, dans un style proche du Cinematic Orchestra. Mais il n’avait pas encore sorti le disque qu’on attendait de lui, celui qui accomplirait la synthèse entre toutes ces orientations. Eh bien le voici, ce fameux disque. Shadows est l’œuvre d’un musicien au top de sa forme, sûr de son style. Très long EP qui a tout d’un album (37 minutes pour 5 titres), il confirme Floating Points comme l’un des artistes les plus intéressants à avoir émergé de Londres ces dernières années.
Il n’est finalement que très peu question de house sur cet EP, bien qu’il s’articule autour d’un véritable chef-d’œuvre du genre, "ARP3", sorte de prolongement mélancolique de "Vacuum Boogie". Même lorsqu’un pied house vient délicatement se poser sur le piano de "Realise", c’est pour mieux être perverti, saccadé, et finir plus près de Burial que de Theo Parrish. Les rythmiques garage et 2-step, la basse synthétique et les nappes surpuissantes rappellent que Floating Points fait partie de la même génération que Julio Bashmore ou Joy Orbison. Mais les ressemblances s’arrêtent là, car le son de Floating Points n’est pas aussi exubérant et direct, taillé pour les clubs. Il est au contraire très intériorisé, concentré sur les détails et l’émotion. Autant au niveau de ses motifs mélodiques que de son ambiance et de sa structure, Shadows peut d’ailleurs être considéré comme un disque de jazz.
"Myrtle Avenue" et "Sais" sont clairement influencés par le son de Weather Report, du Miles Davis de Bitches Brew et par le côté organique des pianos électriques de Bob James et Herbie Hancock. La manière qu’a Shepherd d’imbriquer ses morceaux et de tenir une même couleur musicale sur l’ensemble du disque est également très jazzy (ou cinématographique si vous préférez) - c’est flagrant sur le diptyque "Realise" / "Obfuse". Tout n’est ici que délicatesse et sobriété, c’est pourquoi une écoute superficielle de Shadows peut laisser une fausse impression de platitude. Il faut faire l’effort de tendre l’oreille pour en apprécier toutes les subtilités.
En bref : jazzy, subtil, jouant astucieusement avec les codes de la house et de la bass music, Shadows est à ce jour le disque le plus abouti de Floating Points.
Un peu de hip-hop ne fait pas de mal. Surtout quand c’est pour mettre à l’honneur l’un des plus discrets (et pourtant prolifique) rappeurs US. Le MC de New Orleans a battu tous les records en 2011 avec deux albums (dont un avec The Alchemist) et deux mixtapes officielles. Verde Terrace est la dernière de ces dernières, produite par Dj Drama, et peut à juste titre être considérée comme un véritable album de quinze titres. Comme toujours avec Spitta (un autre de ses pseudos) le résultat est quasi impeccable.
Avec lui j’ai découvert le terme weed-rap, et plus particulièrement weed-talk. Spitta est un gros fumeur de marijuana et ne s’en cache pas, aussi bien dans le flow nonchalant que dans les textes explicites à base de jeux de mots fumeux. Verde Terrace ne change pas la donne et aligne des chill-beats en mode laid-back. On ne s’y presse pas, on est cool. "Hennessy beach" le démontre avec force d’instruments jazzy, saxophone et claviers old-school en tête.
Mais il peut aussi s’aventurer non sans risques dans un registre plus "banger", c’est-à-dire tape à l’œil. "Car talk" est en cela un gros morceau west-coast à la limite du vulgos, mais une sacré bombe si l’on se laisse aller. Mais c’est une exception. L’ensemble reste plutôt groovy et de très bonne facture pour qui aime chiller justement. Entre autres, Young Roddy vient lui prêter main forte sur l’excellent "Crack BC". Lil Wayne également sur le bien nommé "Smoke sumthin" qui reprend l’instru du "Elevators" d’Outkast. Les reste est excellent, et malgré quelques titres en-dessous, l’album s’écoute d’une traite avec grand plaisir.
En bref : un très bon disque (gratuit) pour découvrir le hip-hop laid-back de Curren$y. Imparable de manière générale.
On ne trouve plus grand chose aujourd’hui sur la toile ou ailleurs au sujet du groupe anglais The Heads. C’est fort dommage car au milieu des années 90, à une époque de l’histoire de la musique où il était bon ton de se pavanaer sur la brit pop d’Oasis, c’était l’une des rares formations britannique à jouer la carte du rentre-dedans grunge et psyché. A l’occasion de la ressortie en double cd -plus de 10 ans après- de l’album jusqu’alors quasi introuvable, il était grand temps de revenir sur ce disque en particulier qui comme nombre de premiers albums montre le sommet de ce que peut faire un groupe.
Comment ne pas se sentir accablé sous le coup de massue qu’est "Quad", titre introductif de l’album. D’une cacophonie de drones, fuzz, réverbs, le morceau frappe par la basse de H.O. Morgan immédiatement suivie des guitares tonitruantes de Simon Price et surtout Paul Allen (alors tout nouveau dans le groupe, remplaçant le formateur originel). A la batterie derrière, Wayne Maskell tape dur. Un son massif que l’on a retrouvé par la suite chez les Queen Of The Stone Age ou plus récemment chez Megafauna. C’est bien évidemment l’une des bombes du disque, qui commence sur les chapeaux de roues.
Originaires de Bristol, The Heads nouvellement formés enregistrent quasiment tout en jam lo-fi ce manifeste de musique stoner au Foel Studio sous les manettes de l’un des membres d’Hawkwind. On pense à eux en effet, mais aussi à toute la bande Loop, Spacemen 3, Stooges, MC5… Les références se suivent et ne se ressemblent pas, mais les six Lp qui suivront témoigneront de ce délicieux melting-pot. Toujours dans l’excès et la non sophistication, The Heads et le chanteur Paul Allen envoient du bois. "Chipped" est un autre de ces rouleaux compresseurs.
Tous les morceaux sont du même acabit. Que ce soient les anciens, ou ceux du disque additionnel de la réédition qui comporte notamment des inédits et des extraits des trois Peel sessions réalisées (Peel était l’un de leur plus grands fans et ne s’en ai jamais caché). Et puis encore une fois parlons visuel -car le numérique n’a pas encore gagné- cette pochette façon Russ Meyer est tout de même sensationnelle !
En bref : drivé par des guitares écorchées vives et plusieurs très bons morceaux, ce premier album d’un groupe anglais disparu peut candidater au titre de chef d’œuvre de son époque, dans son genre.
Replica est le 6ème album de Daniel Lopatin sous cet imprononçable pseudo, et c’est aussi le meilleur. Si tout ce que touche le petit gars de Brooklyn ne se transforme pas forcément en or, à l’image du désagréable LP de Ford & Lopatin sorti en début d’année, il est difficile de nier que ses productions en tant qu’Oneohtrix Point Never méritent toutes les louanges qu’elles ont pu recevoir sur le net et ailleurs. Son style, qui s’affine un peu plus à chaque sortie, est on ne peut plus compliqué à définir. Les influences de Steve Reich, du drone et de la Kosmische Musik sont les plus détectables, mais cette musique hautement stupéfiante ne peut se résumer à ça. Car on y trouve également de larges traces d’ambient et d’électronica 90s, ainsi que des résidus de jazz, de house, de musiques classique et contemporaine... Dans l’unique but de nous faire triper, OPN use de tous les pouvoirs qui sont en sa possession, sans aucune considération de genre, et c’est l’un des aspects les plus appréciables de l’album.
Pas tout à fait aussi morbide que le suggère sa pochette, Replica est plus méditatif qu’apocalyptique. Le type de disque qui vous fait entrer bien profondément en vous-même, jusqu’à n’être plus qu’une sorte de conscience décharnée, un squelette métaphysique. Cela tient surtout à son caractère totalement immersif, dû pour l’essentiel à l’accumulation de boucles entêtantes de piano, de cordes intenses, de nappes et de sonorités aquatiques – cf. la bien nommée "Submersible". C’est d’ailleurs de cette capacité à envelopper que l’album tient sa cohérence, malgré un fourmillement d’idées et des morceaux aux structures souvent complexes et évolutives.
Entre l’ambiance presque grégorienne de "Remember", l’incroyable "Sleep Dealer" derrière laquelle se dressent les spectres de The Field et Moodymann, l’électronica à la Boards Of Canada, et la récréation 8 bit de "Child Soldier", Oneohtrix Point Never offre un voyage cosmique all inclusive, tâte de toutes les textures les plus opiacées, jusqu’à massacrer, par moments, ses harmonies sous le bruit blanc ou les parasites. Pour autant, l’ensemble est beaucoup moins noisy et expérimental, plus rythmique et carré que ses productions précédentes.
C’est qu’OPN a changé de méthode pour ce disque, s’appliquant à travailler quasi uniquement à partir de samples de vieilles publicités. Un concept intéressant, qui revient en gros à transformer la merde en or, tout en faisant appel à la mémoire de chacun de manière subliminale. Mais cet aspect théorique reste secondaire car les sources sont impossibles à identifier, et surtout parce que la beauté immédiate de cette musique efface toute velléité de réflexion approfondie au profit d’un état d’introspection plus passif.
Déclenchées par les sons concrets et l’hypnose des boucles, des images surgissent, toujours légèrement embuées, comme atténuées par un trajet de plusieurs années-lumière. Ce sont des visions cosmiques, des bribes d'au-delà qui glacent souvent le sang mais s'avèrent aussi étrangement réconfortantes. Une expérience de cinéma mental assez hallucinante, à réserver tout de même aux oreilles téméraires.
En bref : un exercice pointu de sampling au service d’un psychédélisme électronique à la fois éthéré et très prenant. Le port d’un scaphandre ou d’une combi d’astronaute est vivement conseillé pour s’immerger dans le cosmos d’OPN. L’un des gros trips de 2011.
Encore une fois c’est la pochette qui m’a plongé dans l’univers du duo français Nomenklatür. Entre visuel hard-core et éclat électronique, avec ce corps dont le cerveau rayonne et où la peau est à nue. Le titre plus ou moins fascinant également. L’envie d’en savoir plus, d’écouter et de se laisser aller à un genre dont je ne suis pas forcément spécialiste, une sorte de techno new-wave sombre et marécageuse. Et dans cette optique, le deuxième Lp d’Olivier Brucker et Olivier Rossi se pose là.
Instantanément ça marche. On retrouve un son mi-analogique mi-digital, des basses pour danseurs de salon et une noirceur affirmée. C’est pourquoi il ne faut pas trop croire le premier titre de l’album, "It’s all in the air" qui fait appel à la voix éthérée et hypnotique de Mini, car on ne la retrouvera plus par la suite. Dès "Personal diary" on est un peu plus dans le vrai univers Nomenklatür. Angoissants et longs, leurs tracks le sont très certainement. On pense aux années 80’s, à Giorgio Moroder parfois ("This is going to happen"), mais de manière générale le son est pourtant très allemand.
Leur premier album Gift Of Ages (sorti chez Space Factory, quel programme !) était quant à lui plus indus, davantage new-wave. Ici c’est réellement la précision métronomique teutonne qui intervient. Surtout sur le superbe "Freaky freaky". D’une noirceur totale, Nomenklatür extrait un spleen électronique qui ne cache cependant pas une certaine évidence pop, celle-là même qui m’a certainement accroché au projet. Le break de ce dernier morceau à 3’35" en témoigne. Pas de surprise que tout cela soit sorti chez Module.
En bref : bande originale possible d’un film imaginaire, un film où le héros serait vêtu de noir et marcherait seul dans la neige, sur fond d’électronique froide et entraînante à la fois.
Le site du disque, et la page Soundcloud de Nomenklatür qui recèle plein de super mixs à se passer en soirée
Un concert d’I’m From Barcelona c’est un peu plus qu’un concert, sans en être tout à fait un, je m’explique. Déjà leur réputation les a précédés. Quand on s’y déplace on sait que l’on peut y aller déguisés, grimés, enjoués, éméchés, pas de soucis. Clairement, un concert d’I’m From Barcelona c’est une grande fiesta de près de deux heures non stop. Une cours de récréation géante dans laquelle il est interdit de se prendre au sérieux, de bailler ou de s’énerver contre son voisin. C’est sourire jusqu’aux oreilles pour tout le monde.
Puis ils ont ces bouilles de suédois, touts rondes et barbues. Et puis ils sont treize sur scène, sur deux étages (ils peuvent monter jusqu’à 29). Ils se marrent, ils s’éclatent, nous aussi. Très vite, comme si cela ne suffisait pas, la bande de foldingues bombarde la salle de ballons de baudruches géants, et de dizaines de milliers de confettis rouges et blancs, on se croirait presque à un concert des Flaming Lips. Ca vole dans tous les sens, plus personne ne regarde le concert, les enfants adorent. Les cuivres sont à la fête, ça bouge les têtes ça bat des mains, on ne voit plus rien.
Ce sera comme ça jusqu’au bout, quand il n’y en a plus il y en a encore. En ce qui concerne la musique, soyons honnêtes, ça n’est pas forcément calé. Ils seraient 5, 10 ou 20 ça serait pareil. On a droit à un grand foutoir ou finalement les moulinets de bras et autres handclaps sont plus importants qu’un solo de guitare bien placé. Là n’est plus la question. Les morceaux des trois albums studios sont suffisamment efficaces pour mettre en musique des publicités de voiture, ça ira donc pour nous faire danser main dans la main. Parce que ce soir là, que l’on vienne de Jönköping, de Bordeaux ou d’ailleurs, on vient tous de Barcelona, dans la joie et la bonne humeur.
On avait raté la sortie du 45, on ne pouvait manquer celle de l’album en vinyle (500 ex only). Mars Red Sky pour ceux qui on ne sait comment seraient passés à côté est le nouveau projet disons, stoner -appelons un chat un chat-, du meilleur songwritter français, alias Julien Pras. Alors vous me direz quel est le rapport entre un délicat confectionneur de ballades pop et un grand méchant loup à guitare électrique ? A priori aucun, et pourtant force est de constater que le disque fonctionne à plein régime, potards à 11, et comble un vide à priori bien présent dans le paysage musical hexagonal.
Mars Red Sky est un trio. Autour de Julien Pras (Calc, Victory Hall), on retrouve le batteur Led Zepelien Benoit Busser et le bassiste débordant d’énergie Jimmy Kinast. Pas plus. Et ça suffit largement pour faire revivre Black Sabbath et autres Kyuss d’un coup de baguette magique. Julien Pras quant à lui, à la manière d’un Elliott Smith avec Heatmiser, ou J. Mascis avec Dinosaur Jr. s’autorise une parenthèse bruyante bien que mélodique. C’est d’ailleurs la seule concession de ce disque à priori violent : être gorgé de mélodies, sans doute inspirées par le désert espagnol des Barderas où la musique a été mise en boîte, entre deux trips de peyotl assurément.
En fait l’album est davantage planant que massif, sans doute grâce à la voix de Julien gentiment psychédélique. Mais bon rassurez-vous ça envoie quand même du bois (les riffs lourdissimes de "Marble sky"). Entre instrumentaux assumés (un "Falls" hypnotique ou encore "Saddle point") et tubes de toujours ("Strong reflexion" et sa basse, lent et planant, mais aussi l’incontournable "Curse"), le disque défile jusqu’à son terme sans fausse note. Il faut dire 7 titres (longs) c’est peu, même si la version vinyle comporte un titre bonux. On en redemande.
En bref : nous aussi on sait faire du stoner mélodique bien lourd et perché comme du Dead Meadow.
En voilà un. Un disque de 2011 qui risque de laisser une trace et dont on se souviendra à la fin. Comme un Timber Timbre, on y revient, parce que l’on sait que l’on va y découvrir des choses à chaque fois. Et j’ai envie de dire "enfin!" pour ce duo d’Oklahoma qui avait déjà sorti un très beau premier opus (plus sombre encore) en 2009. Au final c’est un disque presque outsider qui commence à se retrouver sur beaucoup de lèvres, et qui irrémédiablement va se frayer un chemin vers un petit succès cette année.
Que font particulièrement Jesse Tabish et Jonathan Mooney comme musique ? Une sorte de folk céleste qui tient autant du western hanté que de la ballade poussiéreuse. Une majesté harmonique de chaque instant, mieux que n’importe quel Fleet Foxes. Par contre un peu de Grizzly Bear oui. Du Midlake parfois. Ce qui marque aussi c’est la grande retenue dans l’interprétation, cette majesté rampante qui sait aussi envoyer les cordes quand il faut.
Sans prévenir, Tamer Animals remplit ses 40 petites (mais suffisantes) minutes de majesté harmonique, imprégnant chaque titre d’un halo de grâce tout en créant une possible bande originale de film. Au milieu, émergentes, il y a surtout deux tours d’ivoire, deux morceaux incarnés. "For 12", chevauchée nocturne qui emprunterait presque son intro aux Suburbs canadiens avec ses cordes dénudées et son piano. L’un des plus beaux titres de l’année. L’autre c’est "Old statues". D’une intro morriconnienne le morceau dévie comme un "Black water" vers quelque chose de beaucoup plus grand et subtil, sans âge. Le reste de l’album est tout simplement tuant.
En bref : un très beau disque de folk habité et subtilement orchestré, possédé de bout en bout, avec de vrais beau titres. Belle surprise.
