Scarlett Johansson - Anywhere I lay my head (2008)

Il fallait presque s'y coller... ne serait-ce que pour ramener son verbe et laisser se déverser le flot amer de la critique. Comme bon nombre de ses confrères et consoeurs du septième art, la nouvelle égérie [poumonnée] du cinéma américain Scarlett Johansson se veut une artiste complète. Elle s'offre pour se faire un premier disque à l'enchanteresse pochette, Anywhere I lay my head, où la belle gosse reprend quelques titres de l'excellent et inénarrable Tom Waits. A mon grand regret, je ne pourrai être ni sévère ni vraiment médisant... quoique que...

Quitte à ne faire un disque que de reprises, un seul titre a été composé par Scarlett Johansson, le choix du répertoire du crooner maudit californien relève déjà du bon goût. C'est appréciable. Encore faut-il ne pas le vandaliser ou se la branler, en bon bobo pompeux ou en actrice hollywoodienne gâtée. L'ambition se doit d'être en présence car évidemment, réinterpréter les chansons racées de Tom Waits ne saurait être exercice aisé et peut facilement passer pour de la plus pure prétention. Pour éviter cet écueil, Scarlett Johansson s'est attaché les services du doué David Andrew Sitek, membre du groupe new-yorkais TV on the radio et multi-instrumentaliste agité du bocal. N'en déplaise à Jean-Daniel Beauvallet l'éminence grise musicale des Inrockuptibles, et au risque de passer à ses yeux pour un « sot/sourd se contentant d'une écoute bâclée et des oeillères de [ses] a priori » (cf. son article paru le 25 mai 2008), je ne me répandrai pas sur le merveilleux « entrelacs de textures et atmosphères au service de la voix spectrale » de la demoiselle... Cliché. Je ne ferai pas non plus de cet album une des pépites de l'année 2008. Désolé, pas de jeune fille à la perle pour moi.

Certes, production il y a, et production plutôt ouvragée de surcroît, j'en conviens. Dès les premiers accords de synthétiseurs de « Fawn », l'ambiance est en place, richement accompagnée par une orgie « free » de cuivres et clochettes. Effectivement, les territoires de Scarlett et David sont brumeux et troublants. Ils perturbent. « Town with no cheer », qui succède à cette introduction instrumentale, offre déjà la preuve qu'il n'y a pas péril en la demeure et pas de saccage en perspective. La voix de l'actrice surprend, basse placée et noble, en retrait derrière les nappes riches et foisonnantes de la musique concoctée par Dave Sitek. La version de « Falling down », titre de l'album Big Time (1988), est bien maîtrisée et parvient par moment à faire oublier son créateur. Mais à réécouter l'original, on se dit que cette débauche d'efforts et d'effets est vaine et illusoire.

En réalité, le vrai problème pour moi est que cette album soit quasi-exclusivement composé de reprises et qu'il relève plus du talent d'arrangeur et de producteur de Sitek que du don de la nouvelle muse « woody allen-ienne ». Scarlett Johansson est juste, ne minaude pas et ne fait pas injure à Tom Waits, c'est un bon point (je crois que vous aurez compris mon inclinaison pour Waits, auteur qui a entre autres collaboré avec William S. Burroughs...). Pour autant, cela ne fait pas de Anywhere I lay my head une oeuvre personnelle et touchante. Manque la création. En dépit de ce que peuvent penser certains, la musique n'est pas seulement re-création. Cependant, pas de crime de lèse-majesté ici, un disque bien agencé et qui dévoile une voix mature et profonde. Autant de raisons de ne pas tourner le dos à Scarlett et d'attendre avec attention un deuxième essai plus intime de la miss.

En bref : Un disque de reprises de Tom Waits respectable, finement et peut-être trop produit. Un premier jet brumeux et féérique pour Scarlett Johansson, honorable mais pas le chef d'oeuvre annoncé.

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Le clip de « Falling down » :

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Ratatat - LP3 (2008)

L’annonce faite il y a quelques semaines de la sortie de LP3, le nouvel album de Ratatat ne vous a certainement pas trompé. Mes atomes crochus pour le duo new-yorkais auront recommencé à s’agiter. Un léger trouble provoqué par cette délicieuse particularité qu’avaient les deux précédents opus de m’envelopper dans un univers touffu et mystérieux. Emmené par le guitariste Mike Stroud et le mixeur/producteur Evan Mast, les deux potes de lycée ont depuis le départ œuvré dans l’instrumental. Des morceaux à la structure simple et efficace dont la base repose essentiellement sur l’utilisation du tiercé guitare, basse, synthétiseur. Et comme il serait difficile de demander à Ratatat de changer des habitudes déjà bien ancrées, les new-yorkais n’auront pas bougé d’un iota en trois albums, toujours chez XL Recordings.

La griffe Ratatat n’est ni véritablement révolutionnaire, ni totalement conformiste. L’équilibre de l’équation repose sur le velouté et la pesanteur de la production d’Evan habilement écorchée par les saillies de guitare de Mike ; sur l’utilisation d’instruments rock et sur une production orientée électronique sans jamais tomber dans le genre hybride trop rapidement étiqueté électro-rock. La dimension instrumentale est certainement leur plus grand atout comme leur plus grand défaut : leur univers fonctionne en totale autonomie et ne supporte que très peu l’introduction d’éléments hétérogènes. La cohérence d’ensemble n’en serait que malmenée et le charme rompu. La comparaison avec quelques groupes de rock instrumental des années 60-70 n’est pas fortuite. The Ventures ou encore Joe Satriani ont composé des mélodies terriblement accrocheuses mais d’un style identique. Une recette reproduite à l’envi et n’intégrant que peu d’éléments novateurs.

Alors, je dois peut-être l’avouer, je suis assez mitigé concernant LP3. D’abord, la pochette est moche. Le matou rugissant de Classics a été remplacé par une statuette sur synthétiseur sur fond de flou artistique baveux. Je passe. Et puis les inquiétudes qui étaient apparu à l’écoute de "Shiller" se sont révélées justifiées. Le rythme d’ensemble s’est ralenti. La bestiole a le cafard ("Shiller", "Mi Viejo", "Flynn", "Black Heroes"), baille aux corneilles ("Bird Priest"), s’amuse à faire des ronds d’eau ("Imperials")… Des occupations dignes d’un fauve neurasthénique enfermé dans la cage d’un zoo. N’allez cependant pas croire que le reste de l’album est aussi peu intéressant qu’une visite dans un parc animalier. L’épique Mirando et la cavalcade Falcon Jab font presque oublier un parcours monotone à la manière du titre Brulee. Même les nouvelles textures dont leur maison de disque avaient vanté n’apportent qu’un intérêt mineur dans la composition des morceaux. Pas vraiment en phase avec l’excellent clip de Mirando où les explosions, les poursuites dans la jungle version Alien Vs Predator laissaient présager plus qu’une simple ballade de santé.

En bref : Peu inspiré, LP3 n’est pas l’album le plus intéressant du duo. Les quelques réussites sont noyées dans la masse fastidieuse des autres morceaux.




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A lire aussi : Ratatat - Classics (2006)

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TV On The Radio - I was a lover (2006)

Bref exercice d’admiration, pour ce morceau inaugural du sublime Return to cookie mountain, deuxième opus du désormais quintet TV On The Radio. Le groupe est singulier à plus d’un titre. D’abord parce que le producteur des deux albums, David Sitek, est aussi un des musiciens du groupe. Le problème de savoir quelle est la part du producteur dans le rendu final est donc réglé. Multi-instrumentiste et grand maître des effets en tout genre, c’est à lui qu’on doit toutes ces ambiances post-rock, bourdonnements, vrombissements, électrisations, mais aussi de nombreuses interventions instrumentales, de la cythare électrique à la clarinette, en passant par les percussions. Sitek met son talent au service d’un projet clairement avant-gardiste : « je hais les roulements de batterie et les solos de guitare qui font l’ordinaire du rock». Mais la singularité du groupe tient aussi à des lignes mélodiques assurées par deux chanteurs exceptionnels : Tunde Adembimpe, chanteur puissant à la tessiture imprévisible, et Kyp Malone, haute-contre pas très orthodoxe mais bouleversant. Deux voix et deux techniques vocales très différentes, tantôt en canon, tantôt à l'unisson, et qui, souvent, se mêlent, et parviennent à se fondre, à s’indifférencier. Malgré tout ce qui les oppose, l’individuation de l’une et de l’autre n’est jamais garantie : «We are in the same bed but with different bodies », dit l’une des chansons du premier album (Poppy).

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I was a lover - before this war, donc. Attention, this is not a love song ! «Nous ne sommes pas un groupe politique, mais nous ne pouvons ignorer le monde qui nous entoure. La littérature, le cinéma, se sont emparés de ces questions ; mais la musique des années 2000 ne parle que de baiser et planer... Nos disques parlent de baise, mais aussi de comment on se fait baiser», balance Sitek. Dans cette chanson, en effet, on ne baise pas : on A baisé (i was a lover), mais on ne peut plus, quelque chose s’est cassé, quelque chose du désir est mort. Un certain état du monde brise l’élan amoureux, bloque les forces désirantes, et condamne le sujet à ressasser le passé. La guerre fait bander Bush et ses généraux, mais pas vraiment nos artistes de TV On The Radio. Bowie n’avait pas tort en affirmant que leurs textes rappelle la prose poétique de la beat generation. Comme l’ont souligné Deleuze et Guattari, peu d’écrivains ont aussi bien révéler la capacité de la libido à investir ou des-investir le monde, à être en prise directe avec lui, y compris avec la guerre ou la politique, au delà du coït génital, «misérable petit secret» à quoi l’on réduit la sexualité (Lawrence).

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La rythmique donne d’emblée le ton : ça martèle et ça explose, c’est faussement funky, c’est chaloupé mais, désolé, on ne dansera pas, ou alors une danse des morts. Une esthétique de l’anesthésie se met en place : la guitare est bloquée sur deux notes, tandis qu’un saxo commence une phrase musicale coupée net, comme si quelqu’un avait débranché brutalement la sono. Cette phrase avortée sera la structure rythmique, plus que mélodique, du morceau. Alors qu’un spasme électrique rajoute à l’ambiance déjà en place, les chanteurs attaquent en voix de tête, puis basculent subitement dans les graves, tandis que la guitare tient toutes ses promesses : elle ne produira ni notes ni riffs, mais un déluge, un magma, une nappe sonore indifférenciée, comme un bruit blanc, avec quelques soubresauts dans les aigus. On est saisi par cette présence incarnée de la guerre, brutale, mortifère, mais comme en retrait, comme le décor de la confession, portée, elle, par une voix qui se met en avant. Que ce soit l’art de Malone à la guitare, ou celui de Sitek à la production, le son est traité comme un décor, un fond, un arrière plan, et l’album entier joue de ces effets d’éloignement du son (écoutez les claviers de Province). Puisque nous sommes invités à saisir l’image au travers du son, par le titre même du groupe, on pourrait aller jusqu’à parler de profondeur de champ (sonore). C’est, en fait, très exactement la position de l’Amérique, qui n’ a jamais connu de guerre sur son territoire, mais toujours au loin (d’où le trauma du 11 septembre). Quelques notes de piano, elles aussi martelées, en guise de break, portées par de puissants coups de tambours ; on est très loin du piano élégiaque de Province. Le morceau, au final, réussit, à exprimer une violence inouïe, décuplée par la poésie des mots et la puissance évocatrice des sons ; violence d’un récit qui dévoile le processus inexorable d’une fêlure intime, mais aussi le dégoût et la révolte. La beauté qui s’en dégage a quelque chose d’étrange, comme l’est toujours la beauté des avant-gardes artistiques.

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Les Wild Beasts à la Flèche d'or de Paris le 20 juin 2008

Les Parisiens ont décidément de la chance! Ils pourront venir assister gratuitement dans le cadre d'une soirée Are you Loaded? au concert des futurs excellents Wild Beasts le 20 juin prochain à La Flèche d'or. Ce groupe de Leeds, loin de se soucier de la hype, apparait déjà comme the next big thing au vu des premiers échos parus sur Limbo, Panto , premier LP du combo qui sortira chez Domino le 16 juin. Et pour l'avoir écouté quelques fois, ça va réveiller la pop anglaise, malgré un chant ténor qui ne fera peut-être pas l'unanimité. Et avec Vopop Team, The Tatianas , The Disciplines et OX.Eagle.Lion.Man en première partie, je ferais presque le déplacement... Le rendez-vous est fixé, en attendant une possible chronique de l'album.

Le Myspace du groupe, le site de la Flèche d'or et le label Domino Records

A découvrir dès à présent, les vidéos de The Devil's crayon et Assembly :


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White Williams - Smoke (2007)

Adeptes de la coolitude bonsoir. Sans aucun savoir théorique de l'enregistrement studio, Joe White Williams, du haut de ses 23 ans, emprunte sur un brillant premier album, ce qui aurait pu appartenir à un Hot Chip ou un Sparks, avec l'audace et l'insolence d'un Dan Deacon. Un de plus avec Girl Talk à bidouiller une électro pop inventive et colorée. Mais là où d'autres partent dans une dance music pompeuse et hype, petit Joe choisit la fantaisie et une décontraction à la Beck. 100 % fun et bubblegum, Smoke sort pour le moins du registre habituel du label Tiger Beat 6.

Headlines, In the Club ou New violence se diffusent dans l'air avec une facilité de premier de la classe, instantanément parfaits et pop. Les morceaux qui suivent offrent une multitudes de petites choses à découvrir témoignant d'une ouverture musicale de la taille d'un cratère. Volontairement imparfait ou pas, le disque plutôt long pour le genre souffre tout de même d'un manque d'homogénéité et certains titres de milieu d’album sont parfois poussifs dans l'artisanat. Mais ce serait se tromper lourdement que de s'arrêter à ça. Parce que Route to palm tient une sacrée classe et que Violator est taillé dans le roc. Quoi qu'il en soit agréablement jouissif.

En Bref : Labtop et synthés analogiques en deuxième langue, little Joe est vraiment un cool gars.

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A lire aussi : Dan Deacon - Spiderman of the rings (2007)

Le faux clip de New violence, sommet de blind test cinéphilique :

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Shearwater - Rook (2008)

A peine le temps de faire mûrir ma chronique de Palo Santo que Jonathan Meiburg réattérit sur ma platine confirmant ainsi sa réelle ambition de faire décoller l'ex side project d' Okkervil River, Shearwater.

Officiellement mais amicalement divorcé de Will Shef, il sort à présent son 5ème album toujours sous les auspices du monde ornithologique, du folk doucereux et de la beauté délicate, style Will Oldam au début. Une séparation d'autant plus nécessaire que les deux groupes ne se ressemblent en fait pas du tout, hormis peut-être dans les lyrics. La voix de Jonathan est désormais bien connue de tous mais elle continue de surprendre en atteignant des sommets d'aigus perchant le disque dans une vue aérienne du monde, en parfaite adéquation avec le thème animal du groupe. La pochette elle aussi, réalisée par le duo allemand Kahn & Selesnick, offre une vision très hitchcockienne de l'indifférence générale productrice de signification quant aux thème de l'environnement, de la déconnexion spirituelle ou de l'isolation. Un presque malaise attisé par des morceaux qui créent l'insécurité, en s'étirant longuement ou en s'arrêtant brusquement. En fait simplement essayer que chaque instant compte.

Pour arriver à ses fins, Jonathan a fait appel à plus de cordes, plus de Lap steel, plus d'Hammond et plus de Glock. Plus d'instruments en somme, et une place plus importante laissée à l'émotion. I was cloud ou d'innocents paysages bucoliques de guitares, pianos et clarinette. South col instrumental, baigné dans un conte fantasmagorique de bêtes et d'oiseaux, de créatures sombres et mystérieuses. Leviathan, bound nous avait déjà comblé sur Myspace, et Rooks et On the death of the waters réussissent la transformation. Deux points de plus, dans l'inutile mais néanmoins difficile débat "Mieux que Palo Santo ou pas? ". Mieux je ne sais pas, en tout cas plus ambitieux sans excès, assurément. Et c'est un peu le reproche que je fais à ce disque, 39 minutes c'est un peu juste et ça manque de grandeur. Pour de la power pop je dis pas mais là, le genre ne se prête pas forcément à la précipitation. D'autant que l'album s'écoute fort et dans le silence afin de percevoir la multitude de sonorités et d'idées différentes. Dispensables également, les envolées Mariachi du titre éponyme. Mais écouter The snow leopard ou The hunter's star, c'est être catho chroniqueur et pardonner. Parce que le regard rivé à la fenêtre et les oreilles attentives, Rook est vraiment magnifique, au moins autant que son grand frère.

En bref : En coupant le cordon d'avec Okkervil River, Shearwater devient ce qu'il voulait être depuis le début, un putain de bon groupe avec des putains de bons disques.

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Le site officiel et le Myspace

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A lire aussi : Patrick Watson - Close to paradise (2006)

Une exceptionnelle mise en scène sur une session Palo Santo :

Shearwater "Palo Santo"

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Polmo Polpo - Like Hearts Swelling (2003)

Like Hearts Swelling se décline en cinq plages, longs espaces étirés au possible, composés de motifs répétés et crescendos. Parlons de post-rock alors, d'autant que le disque est sorti sur Constellation Records. Les trois premiers tableaux, saisissants, créent un paysage industriel, à la fois vivant et déjà mort, où l’on peut entendre les machines vrombir, grincer, crachoter, et créer une harmonie contemplative et parfois lyrique. Les deux derniers ressemblent plus à des tableaux impressionnistes, à de grandes plaines jaunes et humides où le son est moins dense, la composition moins dramatique, l’éléctricité évaporée. La juxtaposition n’a rien d’artificiel : nous allons bien du labeur à la retraite d’un même mouvement. Et Polmo Polpo, plus intéressé par les fondus que par les cuts, ouvre des zones de convergence où les espaces se recoupent : qu’entend-on au début de Farewell ? Un clavier ? Un oiseau ? Une poulie ?

En effet rarement disque aura si bien posé son décor et créé ses ambiances : les sons ne sont plus identifiables et assimilables à des instruments, ils semblent exister en tant que tels, et créent un champ dans lequel l’auditeur est immédiatement immergé. Cette transparence du moyen rend la musique plus forte, comme libre, autonome. L’espace est déjà réel, il n’est que cadré. L’oreille est contemplative, fascinée. Les tempos sont lents et laissent l’intensité grandir. Et on a beau faire, et apprécier les violoncelles de Sky Histoire et Like Hearts Swelling, ce sont bien les progressions industrielles des trois premiers volets que l’ont retient de l’ensemble.

A l’écoute de Requiem for a Fox, et même si Polmo Polpo travaille évidemment plus sur les progressions que sur les ruptures, à la 7ème minute la surprise est totale et l’idée remarquable : ces beats qui apparaissent comme le lierre sur la tôle, parasites magnifiques, seraient-ils une invitation à la danse ? Polmo Polpo va bien au-delà : c’est tout le mouvement de l’homme entre les rouages de la mécanique des machines, c’est cette recherche d’un rythme de travail, d’un rythme de vie, cette prise d’élan en manque d’envie qui est au cœur de la vie des citadins modernes. Polmo Polpo bâtit un disque post-industriel, où la lutte des classes n’est plus sociale mais esthétique, où la cheminée d’usine devient canon quand on trouve la beauté sous les laideurs imposées. Toute la première partie du disque invite à la contemplation industrielle, au ravissement des sens en milieu glaçant, désormais dernière nécessité face au travail nécessaire.

Car ces sons qu’Einstürzende Neubauten aurait rendu oppressants, ce qu’ils sont pour la plupart de ceux qui les vivent, sont ici enveloppés d’une acoustique brumeuse, d’une brume lointaine, et transfigurés jusqu’au sublime. On apprend alors à peine ce dont l’oreille de l’homme est capable, puisqu’en acoustique aussi tout n’est question que de perspective. On entend ce que l’on veut. Ce disque est profondément bouleversant, car il agit comme une vertigineuse révélation.

En bref : Un disque de post-rock qui ne change pas le genre. Il est juste infiniment plus beau que les autres.

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Le site de Constellation records

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Non pas des vidéos, mais Requiem for a Fox et Farewell illustrés par un amateur:

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The Delgados - Hate (2002)

Puisqu'on en est à débattre de l'influence ou non d'un producteur comme Dave Friedman sur un enregistrement studio, Hate, l'album du tournant pour les Delgados, peut servir de tube à essai pour l'expérience. Là où les détracteurs en sont encore à juger la transformation prétentieuse voire démesurée opérée par le sublimateur de talent, les convaincus qu'un bon son peut être flamboyant et épique apprécieront le travail remarquable fait sur les arrangements et les progressions. 4ème disque et tout de suite après The great eastern, Hate est malgré lui un incroyable disque mort né, à peine sorti, à peine oublié, ou presque. Le groupe écossais, toujours constitué d' Emma Pollock et d' Alun Woodward plus deux acolytes se retrouve pour les bienfaits de la cause aidé par une chorale de trois sopranos, un baryton et un ténor. Un résultat plus noble et mélodique que d'habitude.

La formule de base reste inchangée : un mariage de gros sons de guitares électriques avec des instruments plus classiques. Du coup s'imposent directement plusieurs tubes de ballade pop acoustique, comme Coming in from the cold ou All you need is hate (tout est dans le titre, et dans le style, complètement Lipsien). Le contraste est souvent saisissant entre les modestes voix et le déluge de cordes, comme les voix mêlées du Child killers ou le All rise fantastique. La basse ultra lourde du morceau d'ouverture plombe ce disque d'enluminures baroques autant que l'intro de Woke from dreaming ne se prend pas au sérieux en démarrant sur fond de piano kitch. Et que l'on apprécie ou pas la présence du monopoliste Dave aux commandes, on ne peut que constater à quel point le produit fini est superbe. D'une beauté et d'une délicatesse qui donnent des envies d'absolu.

En bref : Une fois encore, Dave Friedman permet à un groupe presque lambda de se sublimer et de sortir son plus beau disque à ce jour.

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A lire aussi : The Flaming Lips - Yoshimi battle the pink robots (2002)

Les clips de All you need is hate et Coming in from the cold :

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Animal Collective - Concert au Krakatoa de Bordeaux le 26 mai 2008

La soirée s'annonce bonne. Un soleil couchant qui guide le tram m'emmène doucement vers le lieu du spectacle. Je rencontre en route un anglais nommé Matt, ce sera mon compagnon de concert. Et peu avant que l'on franchisse les portes, il me rassure en qualifiant la première fois qu'il a vu l'animal en concert de "Fucking awsome". Encore sur les marches, mes oreilles perçoivent d'autres discussions, dont l'une, très juste, résume à peu près les deux effets Animal Collective : "Comment ça il n'aime pas? C'est juste qu'il aime mais qu'il ne le sait pas". C'est ça. Il y a ceux qui accrochent et n'en descendent plus et ceux pour qui ça ne passe pas du tout. Parmi les premiers cités, félicitations aux plus courageux qui apprécient sans aucune drugs. Là où je veux en venir c'est que forcément, quand le groupe le plus original et inspiré des 10 dernière années passe dans le coin, je fonce.

Pour ouvrir le bal, l'athénien Bradford James Cox alias Atlas Sound, échappé de Deerhunter, alimente des univers parallèles de couches électroniques, de voix et de guitares, plutôt raccord avec ce qui doit suivre. Sympa et bien barré. A l'heure, Avey Tare, Panda Bear et Geologist s'installent sans Deakin et sans masques, pour une fois. Bref salut, et vlan, ça commence. Loin du folk expérimental des débuts, Peacebone a une force inouïe. Les voix et les boucles électro sont plus que jamais mises en avant. Stawberry Jam, 8ème Lp sorti l'an dernier (déjà), est largement exposé dans cette représentation au light show épileptique, reléguant les néons de la tournée Neon Bible au rang d'ampoules écologiques. Dur de ne pas chanceler, au milieu de ce chaos visuel sonore hystérique et primal, agréable et perturbant, aveuglé par mille couleurs psychobordéliques. Spectre vivant de Brian Wilson person pitché, le grand Panda Bear inonde la salle de son chant fantomatique planant remplissant chaque recoin de la salle.

Et de ce dernier album, For reverend Green, Cuckoo Cuckoo ou encore Fireworks sont déjà des classiques de pop droguée, beaucoup plus abordables que dans les premières productions. Les plus rancuniers, voyant le succès public et commercial s'installer, commencent à déserter. Au contraire, je pense que les diverses distorsions et dissonances qui font le son du groupe continuent d'oser à penser autrement et surtout ne stagnent pas. Chaque nouvel Ep est l'occasion de se rendre compte d'où en est le groupe. Prolifiques les freaks du Maryland? Pas qu'un peu. Et en général, sont souvent joués sur scène les morceaux d'un hypothétique prochain album.

Vous l'aurez compris, Animal Collective c'est peu de répit, c'est 18.000 idées à la minute, c'est comme je l'ai lu, "Revolver et St Pepper enregistrés dans un asile psychiatrique créatif". Mais Animal Collective c'est encore plus que ça. C'est bizarre, intense, sauvage, fou, mystique, tout ce que vous voulez. Et comment l'on arrive à ça me direz vous? Des cris, du vacarme, des cymbales, des grésillements, des murmures, des échos, beaucoup d'échos. Une réverb et une saturation qui prennent aux tripes et qui submergent. Qui l'espace d'instants fugaces font quitter son corps pour décoller de quelques mètres. Une déferlante bruitiste et antimélodique mais complètement géniale, enchaînée sur un rythme tribal. Plus dure en est la chute. Je ne saurais trop que vous conseiller d'apprécier.

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Reverend Green en live :

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Interview - Art Bleek

Voilà quelques semaines, je m'étais extasié à l'écoute du maxi "Euphorized" du frenchy Arthur Pochon, alias Art Bleek. Un maxi deep house d’une grande qualité qui m'avait littéralement scotché. L'envie d’en savoir plus sur son mystérieux géniteur était bien trop pressante... Résultat, cette petite interview réalisée à distance, depuis la Chine, par le truchement magique d'Internet.

Vous avez débuté la musique étant enfant, dès l'âge de 6 ans, comment s'est déroulé cet apprentissage ? A-t-il conditionné votre parcours musical et votre façon de composer ?

Mon apprentissage de la musique a commencé avec le piano en cours particulier. Un peu plus tard, alors que j'étais au conservatoire en classe de solfège, j'ai commencé le saxophone alto, probablement influencé par le jazz que j'appréciais déjà. Puis j'ai intégré le CNR de Paris (Conservatoire national de région) en classe de saxophone, solfège et théorie musicale. Parallèlement, je suivais des cours particulier de théorie musicale et solfège avec Ruth Friedenson (qui avait été l'élève de Nadia Boulanger). Mes professeurs de musique étaient intransigeants et la rigueur avec laquelle ils abordaient la musique a sûrement façonné mon côté perfectionniste. Ils m'ont appris à ne pas se satisfaire trop facilement et m'ont contraint à une discipline dans le travail. J'écoutais beaucoup de musique, en particulier du jazz ( John Coltrane, Miles Davis, McCoy Tyner, Bill Evans et Abdullah Ibrahim m'ont marqué à jamais) et de la musique dite « classique ». Bach et Beethoven sont pour moi incontestablement parmi les plus grands. J'ai également été « happé » par la musique contemporaine, dodécaphonique et autres musiques expérimentales (électro-acoustique, acousmatique...) assez vite.


Vous avez fréquenté successivement le Conservatoire de Paris puis le Boston Berklee College. Après la prestigieuse institution française qu'êtes-vous allé chercher aux Etats-Unis ? Qu'y avez-vous appris ?

Toutes ces années au conservatoire m'ont appris beaucoup de chose mais il fallait commencer à « digérer » cette somme d'informations. Je ne savais évidemment pas ce que j'allais trouver à Berklee mais ce que j'y ai vécu fut une de mes expériences musicales et humaines les plus marquantes. J'y ai rencontré des musiciens de tous pays et de tous horizons dont le chanteur Charles Chemery (aka Charlie Sputnik) avec qui je travaille toujours aujourd'hui. On jouait beaucoup, les jams sessions étaient quasi quotidiennes. J'ai pris conscience de ce que je voulais faire plus que tout: composer. La liberté résonnait dans ce seul mot.

Du saxophone et de vos prestations jazz à la deep house de votre dernier maxi "Euphorized", comment s'est déroulé votre cheminement artistique et ce changement de cap net ?

Il n'y pas eu de changement de cap net. Tout s'est fait de manière progressive. Il y eut d'abord beaucoup d'errance et de questionnement. Un ami m'avait prêté un magnéto 4 pistes à cassettes sur lequel j'ai commencé à faire mes premières expérimentations. Cette petite machine a bien sûr fini par ne plus marcher tellement je l'ai rudoyée et triturée dans tous les sens. On m'en a alors prêté une deuxième jusqu'à ce que je m'équipe d'un ordinateur et d'un logiciel de musique. Mes compositions d'alors mêlaient toutes sortes d'influences. J'utilisais mes saxophones alto et soprano, mon clavier midi, mon piano, ma flûte traversière, quelques percussions et des samples que je piquais sur mes CD, tous styles confondus. Mais le résultat final sonnait assez mal. C'était très mal mixé. Il fallait que je me familiarise avec les techniques d'enregistrement et de mixage. Je me suis donc fait engager comme stagiaire dans deux studios. L'un était un studio d’enregistrement et de mixage exclusivement publicitaire, l'autre l’un des plus importants studios de Paris, tant par sa renommée et les musiciens qui y travaillent que par sa taille et les équipements qui le constituent. J'y ai bien sûr appris à servir le café puis, petit à petit, à installer les micros pour toutes sortes de sessions, les yeux rivés sur la table de mixage et les oreilles collées aux enceintes. Je me sentais comme une éponge et je glanais toutes les informations que je pouvais y trouver. Mes compositions ont pris d'autres directions puisque je me sentais plus à l'aise avec l'aspect purement technique de la production musicale. J'ai commencé à écrire de la musique pour des pièces de théâtre, des documentaires et autres courts métrages. La musique à l'image m'a toujours beaucoup attiré.

Comment qualifieriez-vous votre musique aujourd’hui ? Sur "Euphorized", on peut ressentir une inspiration purement "Detroitish", de la techno de Detroit. Les grands maîtres américains vous ont-ils profondément influencé ?

Je crois que ma musique aujourd'hui, à travers mes différents projets, reflète mon goût pour toutes sortes de musiques, qu'elles soient dansantes ou plus introspectives et intellectuelles. Je ne pourrai jamais me satisfaire de travailler dans une direction unique. Il y a tellement de sons, de rythmes et de structures à explorer et à mélanger...
Bien que j'aime beaucoup de styles musicaux, parfois aux antipodes les uns des autres, je dois avouer que je ne suis pas un grand connaisseur de la house et de la techno, même si j'y trouve de véritables « perles ». Le peu de connaissance que j'ai de ces musiques doit certainement limiter leur influence sur mon travail. Je pense être quasiment incapable de dire si tel ou tel morceau vient de Detroit, de Chicago ou de Philadelphie. Cela peut donner un résultat plutôt positif sur un morceau comme "Euphorized", et parfois sûrement complètement hors sujet ou à côté de la plaque sur d'autres morceaux.

Quelles sont les autres influences majeures qui concourent à vos productions ?

Sans vouloir être sentencieux, il me semble que la vie quotidienne est ma source majeure d'inspiration et d'influence. Je peux aller dans un musée ou une galerie et être marqué par ce que j'y vois. Ces impressions se retrouveront forcément dans mon travail. L'état d'esprit dans lequel je me trouve à tel moment de la journée ou de la nuit influenceront le choix de tel son, tel accord ou telle atmosphère. Par exemple mon prochain vinyl qui sortira chez Resopal intitulé L.A. EP est empreint des sensations et des ambiances que j'ai vécues lors de mon voyage à Los Angeles en novembre 2007, mais dans une direction donnée: une tech-house assez minimale. J'ai également traduit ces impressions dans des morceaux qui n'ont rien à voir avoir ce style de musique. Mais je n'oublierai jamais tous les musiciens, compositeurs et producteurs qui m'ont profondément marqué, ainsi que les peintres, sculpteurs ou les écrivains dont les œuvres m'ont, d'une manière ou d'une autre, donné des perpectives nouvelles et significatives.

Qu'est-ce qui vous séduit dans la musique électronique ? Comment votre rapport à la composition en est-il transformé ? Comment composez-vous ?

Je crois que la musique électronique, ou plutôt LES musiques électroniques n'en sont encore qu'à la préhistoire si l'on considère que les expérimentations ont débuté dans la première partie du XXe siècle. Je me demande souvent quelles formes prendront tous ces courants musicaux dans quarante ou cinquante ans.
Les musiques électroniques sont pour moi comme d'immenses champs d'explorations et d'expérimentations sur la matière sonore, dont les variations possibles sont quasiment infinies. Tout dépend de ce que l'on veut « dire » avec sa musique. Qu'est-ce qui se cache derrière ou entre les lignes ? D'ailleurs, toutes les musiques n'ont pas forcément cette ambition-là et c'est précisément ça qui est intéressant. Chacun peut trouver dans les diverses formes musicales ce qu'il cherche, mû par son envie et sa curiosité. Selon les contingences, mon activité de compositeur variera en fonction de ce que je cherche à dire et du public à qui je souhaite m'adresser. Si je compose un morceau de House, j'essaie de me plonger dans cet état d'esprit particulier de la House qui est faite pour faire danser. Il est très difficile, malgré tout, d'échapper aux codes imposés par tel ou tel style de musique. Il faut essayer de les détourner, de jouer avec; d'être dans la continuité plutôt que dans la redondance ou la répétition.

Rechercher de nouveaux terrains musicaux à explorer, est-ce pour vous une devise ou simplement une nouvelle source de motivation ?

Encore une fois, tout glissement vers de nouveaux terrains se fait progressivement. À force de travailler dans une direction, en y associant des éléments nouveaux, des sons que je n'ai pas encore utilisés, je vais obtenir un résultat que je n'avais jamais obtenu auparavant. Le changement peut aussi se faire par pur « accident ». Une manipulation involontaire va générer un son ou un rythme intéressant.

Comment s'est passée votre rencontre avec les Allemands de Connaisseurs Recordings ? Et votre collaboration avec le label de Francfort?

À vrai dire, je ne connaissais pas vraiment les artistes de Connaisseur Recordings, mais je trouvais que certains de mes morceaux s’accordaient bien avec les précédentes sorties du label. C'est surtout le nom qui m'intriguait. J'ai envoyé une démo à Alex Flitsch qui s'est montré intéressé, mais il m'a répondu que le planning des sorties du label était complet pour un certain temps. Nous nous sommes quand même rencontrés lors de sa venue à Paris pour une soirée consacrée à Connaisseur Recordings au Tryptique (avant que l'endroit ne change de nom). Plusieurs mois se sont écoulés avant que je ne lui envoie une autre démo, dont le morceau "Euphorized". Je crois qu'il a tout de suite apprécié le morceau et a ainsi décidé d'en faire un maxi.

La scène électronique française est plutôt florissante et s'exporte bien, quel regard portez-vous cet "état de grâce" ? De qui vous sentez-vous proche dans l'hexagone ?

Je porte malheureusement un regard plutôt défavorable et négatif sur la production française, du moins sur les labels qui, à mon sens, ne prennent pas ou plus de risque. Si la scène française s'exporte bien, c'est parce qu'elle ne trouve que peu de soutien sur son propre territoire et est obligée de chercher ailleurs un moyen de se faire entendre. Constatation que d’autres font avec moi...
Mais les labels sont-ils les seuls à blâmer ? Le public français est-il aussi curieux que le public anglais ou allemand? La question reste ouverte...

Pouvez-nous me donner une playlist d'une dizaine de titres que vous écoutez actuellement ?

Je vais vous donner des noms de compositeurs plutôt que des titres en particulier:
- Tornike, producteur dont je ne sais rien, mais dont j'aime la simplicité, la rondeur et la chaleur des sons. (À écouter le titre “Hidden Sound”)
- Certains compositeurs du label américain 12k (musiques expérimentales), dont Taylor Deupree.
- Marshall Watson (musique minimaliste, intelligente et fine)
- Arvö Part.
- Frederic Galliano (l'album Espaces Baroques)
- Jesse Rose (dont les morceaux sont souvent empreints d'humour et de petites « trouvailles » sonores, mais à la production tranchante)
- Reel People (j'avais adoré le morceau “The Rain”. Leur dernier album est très bon également, tant du point de vue musical que de la production)
- John Coltrane (encore et toujours)
- Donald Byrd
- Roy Ayers
- Langenberg (le titre “Good Morning Mrs Future”)
- Plein d'autres encore...

Art Bleek ? Quel est l'origine de ce pseudonyme ?

Je tairai l'origine exacte du pseudonyme. Tout ce que je peux dire c'est que le nom, excepté « Art » qui est la contraction d'Arthur, est inspiré d'un film sur la musique, en particulier sur des jazzmen...

Quels sont vos projets actuellement en gestation ?

J'ai des 12" qui doivent sortir chez Resopal (L.A. EP), Loungin' Recordings (Urban Watcher EP), Night Drive Music (Touchée EP, plus un autre dont le titre reste à déterminer), et deux albums: un chez Loungin' Recordings et un autre chez Mille Plateaux, prévus pour cette année.

Des dates de concert prévues ?

Pas de concert prévu pour l'instant...

Le myspace d'Art Bleek

A lire aussi : Art Bleek - Euphorized EP (2008)
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Across The Universe - Julie Taymor (2007)

"Film musical" sorti l'an dernier dans l'indifférence la plus totale, Across the universe partait pourtant d'une idée de départ plutôt alléchante: Une comédie musicale moderne dont les dialogues sont exclusivement issus de chansons des Beatles. L'occasion vous l'imaginez de se livrer à un blind test géant sur la discographie des Fab Four. Spécialiste des films musicaux (Titus, Frida) et des grands spectacles visuels et sonores (Le roi lion), la jeune réalisatrice livre un film flamboyant et naïf transfiguré par des compositions en or inégalées à ce jour. En résultent des scènes d'une intensité exemplaire. En ouverture, seul sur la plage, Jude annonce les règles : "Is there anybody to listen my story...", 2 secondes de bande et déjà des frissons. D'autres sont du même acabit: I wanna hold your hand sur fond de campus et de foot US, Let it be interprété à capella par un petit black assi dans la rue fondu en gospel majestueux sur fond d'enterrement. D'autres passage sont en revanche un peu plus tirés par les cheveux et quelques transitions sont limites. Plus tard dans le film, le délire visuel est poussé à son paroxisme, comme porté par d'obscures substances et la séquence du recrutement sur I want you est un sommet de chorégraphie orchestrée. Les montages et les incrustations hors norme se multiplient et le film, plutôt beau à voir au début avec son grain si détaillé, de tourner en kaléidoscope psychédélique presque grossier.

Vous l'aurez compris, les fans seront comblés par les références, du nom des personnages (Jude, Lucy, Sadie, Jojo, Prudence) jusqu'au titre, chanson écrite par John Lennon et diffusée dans l'espace par la NASA en février 2008. L'histoire elle ne va pas chercher bien loin. De Liverpool au Greenwich village, un Roméo et une Juliette tentent de vivre une love story sur fond d'émeutes anti guerre du Vietnam et de quête spirituelle du rock. Enregistrée en analogique sur vieux matériel, la bande originale est supervisée par T-Bone Burnett déjà responsable de la très branchée BO de O' Brother. Et les 33 chansons des Beatles du film de se retrouver réinterprétées par les acteurs et par quelques guests dont Joe Cocker, Bono (mouais) ou les Secrets Machines (mieux). Acteurs qui d'ailleurs n'inspirent pas vraiment la prestence qu'ils devraient. Là est un peu le problème, à force d'être idéaliste et insouciant, le film peut paraître niais par moment. Heureusement que l'impression générale réhausse le niveau. Et c'est une fois terminé qu'on réalise à quel point ces quelques chansons sont vraiment le fidèle reflet de l'époque intense qu'ont été les années 60.

En bref : Grand spectacle son et lumière qui, si l'on se laisse emporter, comprend quelques passages bien épidermiques.

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A lire aussi : I'm not there - Todd Haynes (2007)

Le trailer et la scène de Let it be :

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Pluxus - Solid State (2008)

Le phénomène Pluxus est très étrange. Chacun de leurs albums se transforme manifestement en une occasion d’expérimenter la chimie facile. Peut-être quelqu’un se souvient de ces mélodies frénétiques aux formes obsédantes présentes sur leur précédent album, European Onion, sorti il y a presque cinq ans. Par contre, nombreux se remémorent les expériences prolifiques de Gaston Lagaffe, ses innovations en tout genre et sa non moins célèbre boite « Le Petit Chimiste ». Faut-il encore citer en vrac quelque unes de ces inventions : le gaz somnifère, le savon miracle qui adoucit la peau, la cire qui ne glisse pas ou encore le gaz hilarant… Bref : loufoques, saugrenues et finalement burlesques, les productions de Pluxus n’ont rien à envier de celles leur cousin de bande dessinée. Surtout quand leur dernière production s’intitule Solid State.

Sebastian Tesch, Adam Kammerland et Anders Ekert sont de véritables pionniers de la scène musicale suédoise. S’ils présentent seulement quatre albums depuis leur formation, ils sont néanmoins actifs depuis plus de dix ans dans un pays reconnu pour raffiner à l’excès une pop sucrée et moelleuse. Comme tant de monde dans le milieu de l’électronique, les trois Stockholmois viennent de formations classiques et se sont rapidement rendu compte qu’ils s’amusaient plus avec des claviers, synthétiseurs vintage, ordinateurs et autres machines. Ils ont mis au point leur son et, visiblement, se l’ont fait pillé par la horde doucereuse des formations nationales. Le groupe a aussi fondé en 2000 son propre label, Pluxemburg, où ils ont produit leurs albums. Ce dernier opus a d’abord été sorti en 2006 sur ce label, mais Kompakt s’est finalement occupé de leur deuxième entrée en matière en 2008.

Quand European Onion était extrêmement volatile, sortes de marshmallows flottants issus d’une cuisine lagaffienne, Solid State a lesté quelques sucreries pour gagner en stabilité. Sobre, mieux ficelé, moins étourdi et tout simplement moins saoulant que le précédent, il nécessite même plusieurs écoutes pour se laisser apprécier. Alors, moins réussi ? Le raccourci est un peut abrupt. Solid State se laisse distiller, lentement. Un peu trop d’ailleurs. L’album hésite entre une atmosphère downtempo, toujours pop ("Transciant"), un peu plus dansante ("Bootstrap" et "Contax") mais loin de l’agression du précédent single "Agent Tangent" avec son tourbillon de friandises. Certains titres s'apparentent même aux expérimentations d’Ellen Allien ("Solid State", "Slow Peel"). Malheureusement, la production laisse s’installer un certain état engourdissement et d’essoufflement caractéristique d’un trop plein de glucides. Mais la chimie facile laisse encore de trop belles occasions d’expérimentation. Pourvu que leurs produits ne leur pètent pas à la figure.

En bref : plus lent, moins dansant, moins sucré, les Suédois Pluxus marquent un pause dans leurs expérimentations frénétiques.




Leur MySpace

Le clip de Kinoton

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Ratatat : nouvel album !

Avec un peu de retard, je me fends de l’annonce de la sortie du nouvel album de Ratatat, un de mes duo new-yorkais préféré. "LP3" est, comme son nom l’indique, leur troisième "long-player" – après l’excellent Classics de 2006. L’album est prévu pour 8 juillet et le single "Shiller" est déjà disponible sur le net avec la face B "Malaho" (elle devrait faire partie d’un futur quatrième album), depuis le 5 mai et uniquement disponible en vinyle. Leur maison de disque, XL Recordings, a pris le soin de préciser que la guitare si particulière de Mike est toujours présente, mais agrémentée de nouvelles textures venues d’un clavecin, wurlitzer, mellotron et même d’un piano à queue.

À l’écoute de Shiller on peut se surprendre de sa relative lenteur et de sa production apaisée. Cependant, si on se souvient des précédents opus du duo, on aura remarqué leur goût prononcé pour les longues mises en bouche ; le morceau se situe d’ailleurs en introduction de leur album. Et puis, en visitant leur MySpace, on trouve un autre titre "Mirando", qui présente les traits caractéristiques du duo : pesanteur, nonchalance et riffs griffants. La bestiole est de retour, et je ronronne déjà de plaisir.

"LP3" Tracklisting:

1. Shiller
2. Falcon Jab
3. Mi Viejo
4. Mirando
5. Flynn
6. Bird Priest
7. Shempi
8. Imperials
9. Dura
10. Brulee
11. Mumtaz Khan
12. Gipsy Threat
13. Black Heroes

Le Myspace et le site.

Le clip de Mirando



A lire aussi : Ratatat - Classics (2006)

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Concours - Joseph Arthur au Café de la Danse à Paris le 23 juin 2008

Le songwritter américain qui descend le plus de Léonard Cohen sera en France cet été pour présenter non pas 1 mais 4 Ep sortis cette année : Could we survive, Crazy rain, Vagabond Skies et Foreign Girls. Et comme si cela ne suffisait pas, le 16 septembre prochain est annoncée la sortie de son septième album studio, Temporary people.

En attendant cela, Dodb vous propose de gagner l'une des 10 places mises en jeu pour le concert du 23 juin au Café de la Danse à Paris. Pour cela il suffit de répondre à cette question : Comment s'appelle le premier album studio solo de Joseph Arthur? et d'envoyer vos réponses avec vos coordonnées complètes à contact@desoreillesdansbabylone.com avec Concours Joseph Arthur dans l'intitulé du message, et ce avant le 15 juin prochain. _

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Réservez vos places sur Fnac.com

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Le site offciel et le Myspace de Joseph Arthur
Le Myspace du Café de la Danse

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Joseph Arthur interprète In The Sun au David Letterman Show :

Joseph Arthur "In the Sun"

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MGMT - Concert à la Laiterie de Strasbourg le 24/05/08

Enfin, enfin, enfin la première date française de la tournée de MGMT, après un passage par Paris en Février. Nous brûlions, brûlions, à force d'écouter Oracular Spectacular depuis des mois, alors que nous brûlions déjà trop pour attendre la sortie française. Depuis, nous leur en avions même pas voulu d'apparaître sur toutes les couvertures. Après tout, le délire devait être collectif et solidaire. Et ce soir, nous ne leur en voudrons même pas d'avoir attiré autant d'adolescentes à leurs premiers rang. Celles-ci s'affolent à l'arrivée du duo, accompagné d'un batteur et d'un bassiste, dans un registre vestimentaire évidemment seventies. Mais dès le premier titre Weekend Wars, les regards s'échangent en périphérie du public qui avait décidé qu'il s'amuserait ce soir. La chose devient évidente lors des chansons suivantes, et surtout après Time to Pretend : le groupe ne donne rien sur scène.

Ou pas grand chose. MGMT joue son album dans le désordre, rapidement, précisément. Deux inédits, un solo de guitare vaguement psyché, et puis s'en vont. MGMT fait le concert promotionnel d'un groupe lambda, alors que nous venions vivre une grande messe psychédélique. En réalité ils ont l'air un peu perdu, l'air de ne pas comprendre comment ils sont arrivés là, ni ce que nous attendons d'eux. Mince, est-ce que tout était de la faute de Dave Friedman? Leur a-t-il produit un disque au-dessus de leurs moyens? Pourtant ces chansons extraordinaires émanaient bien de ces deux garçons, qui avaient de leur corps ouvert la porte d'un monde merveilleux à travers des clips faits de couleurs hypnotiques, d'images improbables, et d'héroïsme mythique. Mais MGMT ne propose rien de tout ça ce soir; alors qu'ils devaient nous inviter à entrer dans ce monde tant rêvé, ils nous en ont fermé la porte au nez. Les chansons ont toutes perdu de leur magie. Les plus grandes étaient toutes petites (Kids, The Youth). Les plus colorées étaient toutes ternes (Future Reflections). MGMT, nous ne vous avons jamais demandé de vous produire en professionnels, de contenir votre jeunesse, votre folie, vos fantasmes. Nous voulions vous voir danser les bras en l'air, décomplexer le jeu de scène, aller au bout de ce que vous aviez amorcé. Vous nous avez mis la tête dans les étoiles, et ce soir vous nous avez fait redescendre sur cette Terre que nous n'aimions plus tellement. Oui les garçons, maintenant nous vous en voulons.

Pour se faire une idée, Pieces of What au célèbre Later Live Show:

A lire aussi : MGMT - Oracular Spectacular (2008)

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