Oops - Pitch & toss (2011)

Auteur en préambule à cet album d'un single diablement efficace, "I'll try", Oops, duo formé de Mikey G et Nellio, basés à Paris, oeuvre dans un créneau new-wave/electro et démontre vite une certaine adresse dans la composition de petits tubes entêtants (ce même "I'll try" et "Don't say goodbye", parfaite entame), mélodiquement simples et dansants, fédérateurs aussi, de nature à rassembler les castes. L'impeccable "Pitch & toss" complète le tableau et donne lui aussi l'envie de remuer les gambettes.

Voix mélodieuse et entrainante, synthés bavards et efficients ; il n'en faut pas plus à la paire pour s'imposer. Mais celle-ci faiblit sur des ballades un peu trop convenues ("Don't cry" puis "Twenty years"), qu'on peut qualifier de négligeables mais dont la texture et le nombre desservent l'ensemble.

On retrouve un certain allant sur "Like a brother", bel exercice electro-pop, léger, puis un "Whatever's broken" qui le complète joliment, de façon toutefois moins immédiatement cadencée que sur le début d'album. Ces titres étoffent malgré tout la palette de Oops avec mérite. "Rainbow" et ses boucles bien senties lui permet ensuite de se montrer à nouveau performant. A la fois alertes et bien dosées, jamais excessives, dotées pour celle-ci d'effluves psyché. La version pop d'"I'll try" dévoilant l'instant d'après de beaux atours acoustiques (attention cependant à ne pas verser dans l'excès avec ce titre certes probant, mais dont la qualité pourrait être altérée par une déclinaison trop marquée).

Enfin, c'est justement un remix de ce morceau par Ocko, plutôt intéressant, aux sons de clavier malins, qui met fin à un "Pitch & toss" globalement accompli, en attendant toutefois du groupe qu'il parfasse ses essais plus posés, ici moins marquants que ceux qui les entoure.

En bref : une belle réussite d'ensemble, tout juste "ternie" par des plages moyennes, de la part d'un duo-surprise dont on attend la suite des travaux avec curiosité.




Le site et le Myspace de Oops.

"I'll try" :

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Ducktails - III : Arcade Dynamics (2011)

Les premières notes d’Arcade Dynamics ont tôt fait de nous remémorer le dernier disque de Kurt Vile sorti quelques mois plus tôt. On peut d’ailleurs s’essayer au jeu des similitudes tant elles sont nombreuses. Même style de chant aérien et nonchalant, même jeu de guitare subtil et arpégé, même spleen persistant… Tous deux ont une réelle aisance pour la composition de folk songs délicats et enivrants. Mais le nouvel album du projet solo de Matthew Mondanile alias Ducktails dévoile, au fil des titres, une vraie personnalité et un parti pris musical. Celui de conserver un côté artisanal, aussi bien dans la composition que dans la production. Car, c’est dans son garage, avec son modeste attirail (une guitare, une boîte à rythme, un tambourin et un enregistreur quatre pistes) que le guitariste de Real Estate a pondu sa dernière œuvre en mode lo-fi.

Arcade Dynamics est un de ces albums intimistes qui resterait dans l’ombre si le label Woodsist Records, spécialiste du lo-fi - qui compte parmi ses rangs Woods, Real Estate, Kurt Vile - n’avait la bonne idée de les presser en quelques exemplaires. Car, si le dernier opus de Matthew Mondanile alias Ducktails ne contient pas les tubes de l’été, il est toutefois imprégné d’une légèreté mélodique, plutôt appréciable en cette période estivale. Il confirme également la tendance des albums solos pour l'année 2011 : Josh T. Pearson, John Mascis, Thurston Moore entre autres.

Les compositions sont pour la plupart des ballades au songwriting soigné qui s’étirent juste assez pour nous ravir l’esprit et nous pousser à y revenir. L’ombre des Real Estate n’est évidemment pas bien loin avec ce même penchant pour les mélodies gorgées de soleil du New Jersey. Au milieu de ça, Matthew Mondanile intercale des instrumentaux de moins de 2 minutes : le psychédélique "The Razor’s Edge" et le sautillant "Little Window" façon B.O. de film imaginaire. Puis, il nous gratifie d'un "Killin' the vibe" entêtant avec un featuring avec Noah Lennox (Panda Bear) en b-side. Pour clôturer le tout, "Porch projector", longue improvisation de dix minutes et ses bruits parasites, inscrit dans nos têtes, le souvenir pérenne d’un disque franchement estimable.

En bref : Dix folk songs et une impro en guise de finale pour un disque cent pour cent home made délectable en mode lo-fi.



Le myspace, site officiel et site du label

"Little window" :



Matthew Mondanile interprète "Don’t Make Plans" dans sa cuisine :



A lire aussi : Real Estate - s/t (2009)

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Mogwai + Portishead - Arenes de Nimes (19/07/11)

Sésame et sandwiches

Avec cette succession de lose improbable depuis près d'un an, avec en prélude cette annulation in extremis du concert des Besnard Lakes de Marseille suivie du plan moisi "Je vous mets sur la liste des invités mais le Cargo de Nuit n'en saura jamais rien" qui nous priva de la prestation attendue de la divine Me'Shell Ndegeocello l'hiver dernier, qu'allait-il donc nous arriver cette fois-ci, pour la prestation conjointe des glaswegians impavides de Mogwai et des non moins impavides bristoliens de Portishead ?

Premier élément de réponse : un mur d'eau ininterrompu survenu dès l'aube nous fit derechef redouter le pire ! Le concert plein air tant attendu n'allait-il pas être bêtement renvoyé aux calendes grecques ? Déjà Beauf avait donné la tendance en paumant un sésame et en oubliant ses sandwiches.....

Support band ?

Car finalement, le concert allait avoir lieu, le déluge de Laudes ayant finalement laissé place à un soleil radieux et même pas étouffant, comble de la tradition estivale nîmoise !

Ouvrant les hostilités dans ce très bel écrin que sont les Arènes, les écossais de Mogwai qui eux, c'est sûr, peuvent aller faire leurs courses dans n'importe quel supermarché sans risquer d'y être repérés ; le non-look atteignant chez ces gens-là son art le plus noble ! Qu'importe, le support-band de Portishead - à moins que ce ne soit l'inverse- est toujours le même : le micro est soigneusement ignoré, à l'exception du sympatoche "Merci, thank you, we are Mogwai from Glasgow" qui ponctue quasi tous les titres - les rares vocaux étant échantillonés et passés aux filtres du synthé.

Que dire de ce combo qui n'ait déjà été dit ? Qu'il est à peu près aussi vain de programmer leurs plâneries post-rock en plein jour qu'il ne l'est, au hasard, d'écouter un de leurs disques en entier sans bâiller ! Tels oripeaux sonores réclamant il est vrai une sorte de transe collective auquel seul le crépuscule sait rendre justice.

Il n'empêche, pour "Hunted By A Freak", "I'm Jim Morrison, I'm Dead" et les meilleurs moments de Rock Action (2001), l'on se rend bien compte que Mogwai est ce qui se pouvait se trouver de mieux comme première partie (mais en était-ce vraiment une, encore une fois ?!), quand on sait que les boys ont toujours 2,3 morceaux fantastiques à chacune de leurs livraisons !

Et puis, on aurait pu se coltiner Placebo.....

Total du set ? Une heure et demie en gros, avec un choix de morceaux assez pertinent dans l'ensemble.

"Hunted By A Freak" live aux Arènes




Place maintenant aux Portishead. Je ne suis pas un fan hardcore du groupe des Cornouailles, car je trouve leur son chétif sur disque. Ceux-ci, généralement plus inégaux qu'on ne le dit, sont définitivement estampillés trip-hop et n'ont donc pas forcément bien vieilli. Third(2008) en revanche, soutient la comparaison, mais je n'y ai retrouvé ni la qualité de Dummy (1994), ni de Portishead (1997), et ce malgré un brelan de morceaux parfait.

Ecrin sonore

C'est d'ailleurs l'un deux qui ouvre magistralement le set, ce "Silence", qui tel "Cowboys" dix ans plus tôt, et déjà placé en ouverture, se révèle redoutable d'efficacité. Un savant mélange d'images arty et de vues distordues du groupe nous permet de distinguer que les musiciens sont au nombre de six. Et que non, le gars au fond, n'est pas un deuxième batteur, mais bien Geoff Barrow, qui se partage entre les percus et ses platines. Enfin, pas vraiment puisque le nerd ne rappe que trop peu, ses scratches étant par exemples absents de "Glory Box" ou de "Wandering Star", joué de façon dépouillée et un peu mièvre, sans rythmiques !

Pour le reste, le set fait la parle belle à Third, dont certains morceaux prennent clairement une envergure ("Hunter" en est un parfait exemple) ; dommage seulement que le seul titre -ou quasi- non joué de l'album soit l'une de ses plus indéniables réussites, j'ai nommé "Plastic" !

Beth Gibbons a le charisme d'une huitre, mais ça on le savait, elle réussit quand même à faire passer de l'émotion sur l'écrin sonore que lui délivrent ses acolytes sur "Mysterons" et "Roads".

Cheveux de paille et wah wah étincelante

A propos d'écrin sonore, et outre la section rythmique très à la hauteur, comment ne pas souligner l'importance de celui qui tient le rôle d'épicentre de Portishead, sans lequel la voix blanche et les cheveux de paille de sa chanteuse paraîtraient bien fades, qui à force de nous répéter qu'elle est seule, que la vie est triste et que personne ne l'aime, finit invariablement par faire rire !

Adrian Hutley, puisque c'est de lui qu'il s'agit, a un pur son de guitare ; ce mec joue juste, égrène les notes avec parcimonie, et fait frissonner le public de sa wah wah étincelante. Pour qui a jamais rêvé de voir en Cauet le guitar hero ultime, c'est chose faite ! Forcément quand il s 'efface complètement fût-ce d'un frémissement d'archet ("Wandering Star"), ça n'est pas pareil !

Sinon, pas de nouveau morceau -malgré la rumeur, il n'y aura pas de nouveau Portishead cette année- le deuxième album fut savamment laissé de côté - quid de "All Mine", "Seven Months" et surtout "Half Day Closing", inexpliquablement ignoré ? - au profit de titres plus mineurs comme "Over", avec deux chansons (dont le formidable "Cowboys") et le tracklisting de Dummy releva du minimum syndical (5 morceaux).

En fait, le vrai bémol, ce fut ce rappel au bout d'une petite heure et demie ! Alors OK on a eu droit à un "Roads" d'anthologie mais le groupe a immédiatement conclu son set sous une lumière blanche et crue par un "We Carry On" étiré de façon un peu trop complaisante pendant que Beth Gibbons allait claquer la bise au premier rang !

Alors un set aussi court et d'une petite quinzaine de morceaux, soit autant que pour le groupe de première partie, ça fait chiche : avec la crise du disque où l'on sait la propension des groupes à privilégier le live pour vivre décemment de leur art, ceux-ci pourraient penser aux cochons de payants extatiques qui forcément, et pour 50 euros, en auraient facilement pris pour une heure supplémentaire !

L'intro du concert : "Silence"


"Hunter", deuxième titre interprété

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Shiko Shiko - Ohayô EP (2011)

Précieux groupe Lillois, Shiko Shiko sort avec Ohayô son troisième EP sur lequel il poursuit son exploration sonore, tel Vampire Weekend ou Foals affolés sous le joug de coups de boutoirs noisy ("Kedagoru", excellente ouverture sur laquelle des chants à l'unisson laissent ensuite place à une cadence débridée et des grattes furibardes).

L'électro a aussi sa place dans cet entrelac de sons formidablement cohérent (l'intro de "Xylophono"). Et l'inventivité du quatuor, dont il faut souligner le fait qu'il a déjà partagé la scène avec des pointures (Dandy Warhols, Midnight Juggernauts, Vampire Weekend, Bellrays, Boogers, We have band), fait le reste. Son univers, s'il évoque certaines influences, n'a pas de réel équivalent, et la douce folie du chant s'associe à un rythme changeant mais appuyé et des guitares fracassantes ("Zaa Zaa") pour livrer à l'arrivée un troisième titre lui aussi imparable.

Scéniquement, Shiko Shiko vaut aussi le détour et des élans tribaux récurrents donnent du cachet à l'EP qui prend fin sur un "Shito shito" qui gagne progressivement en intensité pour s'achever dans un tonnerre noisy auquel succède des tonalités électro une fois encore bien senties, bardées de guitares pas moins inspirées.

Troisième sortie et troisième grosse réussite donc, peut-être même la plus accomplie, pour un groupe que l'on attend désormais sur la durée d'un album.

En bref : un superbe amalgame de genres et de sons, énergique et jamais inconsistant, qui génère la naissance d'un style personnel et d'un valeureux groupe de plus sur le territoire lillois.




Le site officiel

"Xylophono":

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Suuns - Zeroes QC (2010)

Et dire que j’étais passé à côté de ce groupe confondu avec Sunn 0))). Ici il s’agit bien d’un groupe Canadien énième rejeton de la toujours parfaite écurie Secretly Canadian (Bodies Of Water…). En parlant d’écurie, on peut d’ores et déjà préciser que c’est Joe Lasek des Besnard Lakes qui produit et poussé le quatuor sur ce premier album tout bonnement étonnant. Inqualifiable aux premières écoutes, le disque oscille sans cesse entre rock bruitiste et électro minimaliste, à la manière de Clinic ou PVT. Et ça n’est pas parce qu’il est sorti l’année dernière que l’on doit se priver d’en parler. Bien au contraire, il aurait même pu trouver sa place dans le classement de l’an passé.

Et comment débuter un album monstrueux si ce n’est avec un titre monstrueux ? "Armed for peace" envoie du bois d’entrée de jeu avec son beat ultra lourd et ses riffs endiablés. Le quatuor formé par Ben Shemie et Joe Yarmush posé d’emblée l’ambiance. Ce sera sombre, froid et hypnotique. Malgré tout, au milieu de tout ce bruit, des mélodies se détachent parfaitement et forment sans peine de parfaits petits tubes. Prenez "Arena" par exemple. Un titre hypnotique et synthétique de haute volée, bien gluant comme il faut. Difficile de vider son esprit de cette chevauchée électrique en avant.

On y fait aussi la connaissance avec la voix de Joe Shemie, susurré et détaché, collant parfaitement avec l’esprit. A peine nous voilà rassasié qu’arrive le beat le plus lourd du monde de l’année dernière, "Pie XV". Si vous avez branché le caisson, vos voisins risquent de ne pas apprécier. C’est empli de groove post punk, ça pue le sexe sale et c’est complètement ensorcelant. Ca pourrait être du Warp. L’écoute au casque est fortement conseillée.

Mais Suuns c’est aussi très rock, avec beaucoup de guitares folles. On pense au morceau "Marander" bien tendu comme il faut. Il y a aussi la transe "Up past the nursery", le rock’n’roll "PVC" et quelques autres morceaux moins indispensables en fin de disque, il faut l’admettre. Encore que… Et la superbe prestation live et gratuite (!) place St Michel à Bordeaux récemment ne m’a pas fait changer d’avis. Jetez-vous dessus.

En bref : véritable pépite noire de rock expérimental et d’électronique, Zeroes QC est hors normes, à la fois complètement perché et dansant.




Le Myspace

"Pie XV" et "Armed for peace" :

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Les Eurockéennes de Belfort, le 1-2-3 juillet 2011

Le camping, la marche le long des rails de train, la plage… Pour sa 23ème édition, le festival des Eurockéennes a conservé la recette qui a fait sa réputation. Le soleil était au rendez-vous sur les abords de la presqu'île de Malsaucy. Les festivaliers aussi. Au nombre de 95000 selon les chiffres officiels, avec un samedi complet, les organisateurs peuvent s'enorgueillir d'avoir réalisé un carton plein. Au programme, plus de 60 artistes répartis sur 3 jours de sueur et de poussière.

La soirée du vendredi commence par Battles. Emmenés par le batteur John Stannier, les Américains livrent un concert ahurissant. Rock, jazz, mais également musique électronique, ils ont la particularité de marier de nombreux styles à la fois. Imprévisible, inventif et totalement barré, le jeu de cette formation électrise sans grande difficulté le public. Ce concert restera d'ailleurs comme l'une des plus grosse claque du festival. Cette année, comme deux artistes se produisent quasi simultanément, la programmation impose des choix cornéliens. Entre Beth Ditto et Wu Lyf, j'opte pour l'énigmatique formation mancunienne. Le spectacle me laisse sur la faim. J'en profite pour avaler un kebab devant Beth Ditto, dont le show se révèle rapidement ennuyeux. De Metronomy je n'en garde aucun souvenir. Les Tryo sont bien les heureux auteurs de la véritable "Hymne de nos campagnes", dont les paroles se voient reprises en cœur par la foule. La venue de Paul Kalkbrenner se fait attendre. Fort de sa réputation, le DJ berlinois transforme la grande scène est un gigantesque dancefloor. Les watts et les basses claquent avec une précision rarement entendue aux étangs de Malsaucy.

Le lendemain, une seule idée en tête. Motörhead. En apéritif, Kyuss Lives ! (?). Dans ce groupe de rock barbu, le guitariste chevelu livre des solos qui se dégustent à la manière d'un verre de whisky avec glaçons, frais et bienvenu. Raphael Saadiq, grande classe, dynamique, pioche dans son répertoire les pépites souls calquées sur les standards des années 70'-80'. Sur la grande scène, les Motörhead, emmenés par le bassiste Lemmy, engloutissent de décibels les quelques dizaines de milliers de festivaliers réunis pour la grand messe du rock, tendance réactionnaire - à tout honneur. Ce que touchait le groupe se transformait en métal, si bien que les rayons du soleil en devenaient coupants. House of Pain prend le relais avec son rap-rock pour jouer le tube planétaire "Jump Around" et terminer sur des composition country signées Everlast. Avec Les Queens of The Stone Age, Josh Homme et son groupe font une prestation impeccable, presque romantique.

Dernière journée de festival. Fidèle à son habitude, Philippe Katerine interprète ses nouveaux titres à la délurée. De "Marine Le Pen" aux "Bisoux", le chanteur n'oublie aucun de ses classiques et reçoit des dizaines de bananes balancées sur la scène en guise de remerciements. Beady Eye, le nouveau groupe de Liam Gallagher sans son frère, ne me convainc pas vraiment. C'est mou, attendu et sans génie. Avec Arcade Fire, j'espère un regain d'intérêt pour une programmation que ne m'emballe plus gère. Installations gigantesques, écrans de projections géants, ils font dans la démesure. Alors, quand Win Butler se met à chanter on se dit que ça va être énorme. Pourtant, passés les tubes qui font plaisir, le concert prend une allure de best-of. Je finis par me rabattre au Cabaret New Burlesque de Philippe Katerine (X2), qui interprète sur la plage des tubes ringards, en compagnie des danseuses du film Tournée de Mathieu Amalric. Dans le calme et la décadence.

Le site des Eurockéennes

Un extrait du live de Battles :


BATTLES - Live (Eurockéennes 2011) par sourdoreille

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Apollo Brown - Clouds (2011)

Voilà un très joli disque de hip hop instrumental que j’écoute en boucle depuis quelques mois déjà. Les connaisseurs ont sans doute déjà entendu parler de ce beatmaker de Chicago ayant comme c’est de coutume dans le milieu déjà officié sous différents pseudos. On lui doit notamment la production de l’un des albums hip hop phare de l’année dernière, le fameux Gas mask de The Left’s. Faisant suite au non moins excellent The reset, Clouds est un enchaînement de 27 titres (trop) courts à base de samples plus ou moins célèbres, de cuivres, de cordes et de beats, le tout baigné d’une pure ambiance soulfull comme seule la ville de Detroit sait nous procurer.

Point de voix donc, si ce n’est sur "Shoot the head" où un Mc inconnu pose son flow. Sinon, tout n’est qu’ambiance old school sur fond de message de paix. A la fois nostalgique et accrocheur, le rap instrumental d’Appolo Brown fait penser à Dilla, et n’oublie pas de rendre hommage aux plus grands en reprenant habilement et au choix Dj Shadow sur "Human experience", Moroder sur "Shadow of grief" ou encore le mythique "Passin’ me by" de The Pharcyde.

Le genre de disque tellement classe et varié qu’il ne peut que plaire à tout le monde, même (et surtout) aux allergiques du genre. A la fois émouvant ("Choices"), rythmé ("One chance"), peace ("Blue ruby") ou énorme ("Drinking life"), tout dans ce Clouds renvoie à un sentiment hypnotique et vaporeux des plus agréables. Même s’il s’agit plus d’un album complet sans temps mort que d’une suite de chansons, je décerne la médaille d’or à "Heirloom" grâce à ses accords de guitare, ses claps et son beat.

En bref : un petit joyau de hip hop instrumental gorgé de groove qu’il est impensable de ne pas aimer.




A lire aussi : The Pharcyde - Bizarre Ride II The Pharcyde

Son Myspace

"Never in a million years" et "The 11th hour" :

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Wu Lyf - Go Tell Fire To The Mountain (2011)

Depuis plusieurs mois, l'acronyme Wu Lyf (World Unite Lucifer Youth Foundation) résonne sur la toile sous le coup de nombreuses conjectures quant à la véritable identité de cette communauté aux allures de secte. À l’origine, quatre jeunes musiciens de Manchester désireux de se faire connaître d’eux-mêmes. Si leur ambition première était donc de se tenir à l’écart de toute promotion, de fuir la hype comme la peste, c’est pourtant l’effet inverse qui s’est produit. Car, le voile de mystères qu’ils ont bâti n’a cessé de susciter la curiosité. Avant même d’avoir produit le moindre enregistrement, le quatuor bénéficiait déjà d’une solide réputation.

Sa musique a commencé alors à se préciser avec quelques morceaux dévoilés en téléchargement gratuit sous condition de s’aventurer sur un site web sinueux, tapissé de slogans révolutionnaires et d'images de guérillas urbaines. Puis, le mysticisme revendiqué de Wu Lyf se parachevait avec la sortie d’un premier vrai clip signé Jamie Allan – mis à part les quelques collages photos de manifestations en guise de teasers – où l’on voyait des indigènes saigner de la peinture. Ce n'est que le 23 mai 2011 que paraissait leur premier effort, autoproduit, et mixé par Paul Savage (The Delgados, Mogwai, Arab Strap).

Ce qui frappe aux premiers abords dans la musique du quatuor c’est cette voix furieuse, ce timbre érayé et plaintif d’Ellery Roberts qui s’évertue sur une instrumentation épique : un orgue grandiloquent, une guitare au son clean et claquant menés par une rythmique basse/batterie tribale et afro. La formule n’est pas nouvelle et la musique du quatuor n’échappe pas à toute catégorisation. Elle lorgne souvent du côté du math-rock et les guitares répétitives et viscérales évoquent trop souvent les Foals sans toutefois les égaler. C’est même carrément flagrant sur certains titres comme "Cave song" ou "Summa blis".

L’énergie qui se dégage des compositions et ses envolées épiques évoquent également les canadiens d’Arcade Fire période Neon Bible pour son côté religieux. Dans l’un comme dans l’autre, l’orgue y est omniprésent (presque trop), installe l’ambiance d’un morceau avant d’amorcer les roulements de caisse claire ("Such a sad puggy dog").

Les dix titres s’étirent en une longue litanie nimbée d’une réverbe d’église. On ne s’étonnera donc pas d’apprendre que l’album a été enregistré, une fois n’est pas coutume, dans une église près de Manchester. Tout comme les derniers opus de Tim Hecker et Timber Timbre, Go Tell Fire To The Moutain se voit enveloppé d’une réverbe naturelle qui s’avère toutefois étouffante pendant les 45 minutes du disque. Ajouté à cela, la voix d’Ellery Roberts, toujours sur le même débit, qui finit inévitablement par lasser. Voilà donc le grand défaut de cet album : son manque de contraste, de nuances, qui lui auraient permis d’être un grand disque, aussi grand que nos attentes. Ainsi, des titres réussis comme "We bros" ou "Dirt" auraient pu tirer leur épingle du jeu.

En bref : si le savant mystère développé autour de ce groupe augurait du meilleur, les dix titres de ce premier opus n’ont rien de foudroyant. Espérons toutefois, qu’ils franchiront le cap du second album.




"We bros" :



Le clip de "Concrete Gold" :



Le site officiel

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Cults - Cults (2011)

Le mystérieux duo formé par Madeline Follin et Brian Oblivion – sobrement et justement dénommé Cults – a déjà malgré sa toute jeune existence tissé de nombreux liens avec la presse et la blogosphère. Nous sommes en Juin 2010 quand dans la tête de centaines de férus de musique commencent à résonner les douces notes qui ouvrent "Go outside", plaçant ainsi le groupe en bonne place au sein de la scène montante.

Un an plus tard, notre couple sort un premier album éponyme semblable à un bonbon qui nous fond sur la langue et tisse alors des relations d’autant plus fortes avec la presse puisqu’il s’agit là d’un disque qui a su faire l’unanimité.

Quand on est un couple à la ville comme sur scène, la musique a toujours une saveur particulière, celle de l’exclusivité et de l’éternité, deux sensations que l’on a du mal à ressentir pleinement face à un groupe, devenant d’autant plus touchantes qu’elles sont rares.

L’éternité, c’est celle d’une relation immortalisée à travers onze titres qui sont autant de preuves de ce que Madeline et Brian ont à voir ensembles mais aussi celle d’une passion commune : le cinéma. En effet, avant d’être le duo que nous connaissons ils étaient étudiants en cinéma et ce passé commun se sent dans chacune des chansons, imposant aux sonorités sixties un paysage cinématographique intemporel : parfois en noir & blanc ("Bad things", "Rave on", "Walk at night)", parfois aux couleurs de la nouvelle vague ("Bumper", "You know what I mean") ou encore aux teintes surréalistes ("Abducted" et son clip hautement surprenant).


Leur univers se décline autour de mélodies insouciantes et du chant foudroyant de légèreté de Madeline. Bien que le côté punchy soit absent, il est difficile de ne pas fredonner le refrain d’un "Go outside" ou d’un "You know what I mean" après quelques écoutes seulement. L’on a rarement vu des tubes à la fois aussi peu nerveux et efficaces que les trois titres placés en tête d’album, annonciateurs de ces chaudes soirées d’été passées à danser sur le disque entier, de préférence avec un balancement de cheveux imitant celui de Madeline.

En bref : un cocktail acidulé qui réunit tout ce qui émoustille nos papilles à coup sûr : un couple, des mélodies venues d’une autre décennie et une ambiance cinématographique bien particulière.





Le bandcamp et le site officiel

Le clip d' "Abducted" :

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Morning Teleportation - Expanding Anyway (2011)

Wouahou. C’est à peu près ce que je me suis dit à la première écoute de ce disque ahurissant dont je ne savais rien. Bon j’avoue, c’est l’irrésistible pochette hippie qui a attiré mon œil en premier. Comment décrire ce premier album en provenance de Portland ? C’est quasi impossible sans jouer la carte du melting pot kaléidoscopique bla bla bla. Mais en fait non, c’est un album de rock psychédélique expérimental mais accessible. Mais en fait non, c’est encore autre chose. En fait à chaque fois qu’il commence à rentrer dans une case confortable, un break inattendu vient tout chambouler et fait tout repartir à zéro.

Produit par Isaac Brock (Modest Mouse), Expanding Anyway est surtout l’oeuvre de Tiger Merritt (quell nom!). A la manière d’Akron/Family, il compose des titres multiples et schizophrènes. L’introductif "Boom puma" en est le parfait premier exemple. Ou comment placer deux morceaux en un, avec un piano au groove immédiat et des cris complètement délirants. Quand débute "Snow fog Vs Motor cobra" on est en plein délire ska, et puis encore une fois à mi-chemin, le morceau déraille en un tube endiablé et bordélique avec chœurs en sus. Le sourcil se fronce et l’oreille se fait alors plus attentive. Bon Dieu où nous emmène-t-on ?

Vous l’aurez compris Morning Teleportation mélange puis déconstruit, sans jamais perdre l’auditeur. Exploit. Visiblement sous LSD, Tiger Merritt rend la frontière entre ses titres quasi impalpable. Mais que faisait la douane musicale à cet instant?! "Expanding anyway" ou "Eyes the same" sont également deux futurs classiques de ce disque tribal mais harmonieux. S’arrêtant à chaque fois à la limite de l’indigestion ou de la longueur, il calme le jeu quand il le faut avec de vrais beaux morceaux presque sages ("Crystalline", "Daydream electric storm", "Coldweather sunshine"). Le reste du temps rassuez-vous, c’est la folie imprévisible qui domine, comme sur ce très représentatif "Banjo disco", intenable morceau de carnaval emmené par un beat de tom et un banjo.

En bref : débuts fracassants pour le quatuor Morning Teleportation qui sans se prendre la tête ou afficher des ambitions trop importantes signe un disque folk multicolore et débridé. Du fun, du fun, du fun.




Le Myspace

A lire aussi : Akron/Family - S/T II: The Cosmic Birth and Journey of Shinju TNT (2011)

Le clip d'"Expanding anyway" et "Snow frog Vs Motor cobra" en live :

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Peter Visti - Love Is The Key (2011)

Dans sa chronique de l’album de Peter Visti et Jakob Meyland, Ju notait à juste titre les lacunes du duo et de son label Bear Funk en matière de promotion. Il nous avait fallu plusieurs mois pour être informés de la sortie du disque, et nous n’étions visiblement pas les seuls dans ce cas puisqu’aucun article n’était disponible sur le net. Le label londonien a pourtant signalé que Visti & Meyland était devenu leur best-seller, preuve qu’on ne peut pas lâcher un morceau épique et iconoclaste comme "Stars" sans créer quelques remous, même sans lui accorder la publicité qu’il mérite. Moins d’un an plus tard, Peter Visti, bien connu de nos services pour ses succulents EP et ses edits (sur Eskimo et Mindless Boogie, entre autres), revient pour un premier album solo, toujours chez Bear Funk, et qui bénéficie, encore une fois, d’une communication quasi-nulle. Dommage, d’autant que le nu-disco est à la mode ces temps-ci, et que le Danois n’a rien à envier à nombre de producteurs du genre bien plus médiatisés.

On retrouve sur Love Is The Key tous les attributs du space-disco de la clique norvégienne des Lindstrom, Prins Thomas, Todd Terje, Bjorn Torske et consorts. La même légèreté, les mêmes nappes accueillantes et ensoleillées, les mêmes emprunts à Giorgio Moroder et au krautrock. La filiation cosmique saute aux oreilles sur l’énorme "Lost In Space", un vrai prototype du genre, déjà sorti en 2010 chez les Français de Skylax. Mais notre homme sait varier les styles, de la deep-disco très mentale de "Be A Vise Man", à l’hédonisme baléarique en slow-motion du morceau-titre. Il rend un hommage old-school et rugueux à la scène de Chicago ("Drinking In Darkness"), verse dans un punk funk bien gras sur "Bongo Fever", et fait chanter les vahinés sur fond de percussions sur un "Tahiti On My Mind" qui me paraît éligible pour accompagner une pub pour du gel-douche.

Pour le moment, c’est "I’m Out The Door" qui a ma préférence. Peter Visty y montre toute sa capacité à combiner plusieurs climats au sein d’une même composition, saupoudrant son beat de guitares héritées du Salsoul Orchestra, d’escalades de synthé bien droguées, puis d’un piano housey, avant de funkifier toute cette affaire avec un sample de James Brown forcément très efficace. Il n’y a pas de "Stars 2" sur cet album, rien d’aussi intense, juste une poignée de bons titres taillés pour l’été, sans autre prétention que de donner le sourire et de faire danser.

En bref : Le premier album solo de Peter Visti est moins tape-à-l’œil, mais aussi moins aventureux que son duo avec Jakob Meyland. Le Danois revient au son de ses premiers EP pour une collection de tracks nu-disco qui sentent bon le monoï et les nuits d’été où tout est permis.



A lire aussi : Visti & Meyland (2010), interview de Peter Visti (2008)

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Fucked Up - David Comes To Life (2011)

C'est à la fin de l’année dernière, à la sortie de l’EP Year Of The Ox, que j'ai découvert Fucked Up. D’abord intrigué par ce nom énigmatique, en référence aux signes du zodiaque chinois, j’ai rapidement été accroché par ce deux-titres, sans chercher à en connaître plus sur le groupe. D’une douzaine de minutes chacun, un morceau en particulier, "Solomon’s Song", dont le bruit et la fureur s’évanouissaient dans le vague des notes d’un saxophone, m’avait paru particulièrement réussi. Plutôt méconnu malgré leurs nombreuses productions, et ce depuis près d’une dizaine d’année, le sextette canadien réapparait aujourd’hui avec un ambitieux et troisième album publié sur Matador.

Découpé en quatre parties et regroupant pas moins de dix-huit titres sans le moindre interlude, David Comes To Life se présente comme un album conceptuel. C’est l’histoire d’un employé d’une usine d’ampoule, David, qui s’éprend de Veronica, une belle activiste. Lorsque celle-ci meurt dans l’explosion de la bombe qu’ils avaient décidé de constuire pour semer la peur et la destruction, David tombe dans une grave crise existentielle. L’album raconte sa renaissance.


Comment peuvent-ils se faire les interprètes d’une telle histoire ? C’est dans cette particularité que réside certainement tout l’intérêt de Fucked Up. Le traitement réservé au son reprend les codes du genre hardcore, avec ses riffs de guitares impressionnants et un chant rocailleux de Damian Abraham poussé au bord de l’explosion. La présence de Sandy Miranda, la seconde voix aérienne, et unique présence féminine de la formation confère une touche pop, une petite douceur supplémentaire aux compositions déjà mélodiques du groupe. On pense aussi bien à Belle & Sebastian qu’aux sous-évalués Quicksand, emmenés par Alan Cage dans première moitié des années 90.

Passé un premier titre instrumental et progressif, "Queen Of Hearts", établit le contact avec le vrombissement ininterrompu de guitares aux influences shoagaze. S’il est difficile d’isoler un morceau en particulier, les titres s’enchainent avec cohérence et font de l’ensemble un tout homogène, qui intègre cependant les particularités de chacune des parties. David Comes to Life tient de l’opéra punk-rock. L’effet immédiat des titres balance avec la longueur de l’album qui pourrait décourager certains d'une écoute complète. Ce qui ne nuit en rien à la créativité débordante de la formation.

En bref : Fucked Up réussi le pari d'une oeuvre ambitieuse et d'une qualité certaine. Au vu de leurs précédentes productions, une plus grande diversité instrumentale aurait certainement contribué à rendre la pièce moins monolithique qu'elle ne parait.




Le site de David Comes To Life
Le MySpace du groupe

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Reggie Dokes - Once Again (2011)

Nous n’avons pas parlé de Reginald Dokes depuis presque trois ans, mais pendant ce temps, le DJ originaire de Detroit et basé à Atlanta a continué à délivrer, sans se presser, des maxis impeccables sur des labels de référence comme Clone Royal Oak ou We Play House. Son style, reconnaissable entre mille, est quasi-entièrement basé sur le piano. Il n’utilise pratiquement jamais de sample, préférant plaquer lui-même quelques accords sur son clavier. Il évite, surtout, de surproduire ses tracks, ce qui leur donne un côté un peu brut, très humain. Du coup, sans présenter d’originalité particulière dans leur forme et leur structure, ses disques sortent du lot, tout naturellement. Et Once Again en est l’exemple parfait, puisque c’est sans doute l’un des meilleurs EP d’une carrière qui a démarré il y a plus de quinze ans.

Harmonieuse et soulful, la house de Reggie Dokes s’inspire très largement des grands noms de sa ville natale et de Chicago. Ses morceaux sont si simples, si évidents qu’ils peuvent paraître paresseux s’ils ne sont écoutés que d’une oreille. Mais la magie opère dès que l’on prête attention à chaque son. Il y a quelque chose d’inexplicablement beau dans la brutalité primitive des snares, des congas et, d’une manière générale, de tous les éléments rythmiques. Une sorte d’authenticité, impalpable et émouvante, qui s’accorde très bien aux mélodies naïves de Dokes, comme le prouve "God of House", descendant direct du "Strings of Life" de Derrick May, avec ses cordes et son Rhodes sensuellissimes. Quant au remix de Once Again par le jeune duo néerlandais Morning Factory, il se montre digne du reste de l’EP, mais dans une veine deep-house plus classique et moins luxuriante.

En bref : une nouvelle confirmation du statut à part de Reggie Dokes dans le monde aseptisé de la house. Le natif de Detroit n’a pas son pareil pour allier la brutalité originelle du beat avec l’émotion des cordes et du piano. A la fois complexe et naïve, sa musique est touchante tout en restant sérieusement groovy. Superbe EP.



Reggie Dokes sur Myspace
Le site de Clone Royal Oak

A lire aussi : Reggie Dokes - Rain Redemptive Love (2008)

"God of House" :

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Outrageaous Cherry - Stay Happy (2006)

La bande à Matthew Smith est l’une des marottes de Dodb, pour sûr. Un groupe en rien dans l’actualité, qui ne fera jamais la une des journaux, mais qui irrémédiablement revient à intervalles réguliers sur la platine de votre serviteur. Le disque en question est approximativement le dixième du groupe du Michigan, juste après Our Love Will Change The World, et bien après Supernatural Equinox dont nous avions déjà parlé ici. Et même si je dois convenir qu’il n’apporte rien de neuf sur le front du rock indé, il est une fois de plus exempt de morceau faible et excellent de bout en bout.

Toujours chez Rainbow Quartz (fameux label néo psyché new-yorkais des années 90), toujours produit par Matthew Smith himself, Stay Happy contrairement à son titre est un album sur le thème de la destruction. Les textes sont cyniques et paranoïaques, et Smith joue de sa voix presque détachée pour finalement parler d’un souhait plus que d’un fait, celui d’enfin pouvoir être heureux.

La recette reste inchangée également : jouer des titres rock early 70’s, non pas de manière space rock à rallonge, mais de façon ultra pop, en moins de trois minute chrono à chaque fois. Surtout, l’ambiance générale malgré le thème reste très ensoleillée. Certains ont parlé de musique du lendemain, certainement une manière de faire passer la pilule pour un groupe que l’on peine encore à cerner tant il semble vouloir rester confidentiel.


Au niveau des titres à conseiller, je suis bien en peine tant l’homogénéité semble de mise. Appuyons cependant sur "New creature", morceau typique du quatuor avec lalalala, tambourin et autres hand claps, mais aussi "Stay happy", le genre de morceau de pop Nuggets à la Troggs qu’il est bien difficile de ne pas aimer. Tous les autres, je dis bien tous les autres, sont au même niveau. Mention spéciale quand même à "The song they don’t want you to sing", "Memphis stereo" ou encore le sublime et triste "Trust", qui résonne longtemps dans la boîte crânienne.

En bref : Matthew Smith et son groupe livraient en 2006 un disque de plus, un rock mid tempo et rétro baignée d’une large sensibilité stone. Ceux qui y ont goûté n’en reviennent toujours pas. Les autres ne savent pas c qu’ils ratent.



Le Myspace

"New creature" :

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Primavera Sound Festival - 25 - 29 mai, Barcelone

Aujourd’hui j’ai dormi dix heures. Dix heures, pour enfin me remettre de l’énorme fatigue causée par ce qui apparaît comme l’un des plus importants festivals d’Europe. Au vue de la programmation dévoilée en janvier, énorme et dense, je me préparais déjà à vivre des jours et des nuits intenses, sans même compter le stress dû à une organisation festivalière confuse, à un système bancal de carte obligatoire à recharger sur un site internet saturé, et la réservation du concert de Sufjan Stevens soumise à un tirage au sort scandaleux. Mais lorsque j’ai appris qu’il y allait y avoir en plus une journée d’ouverture avant, une journée de clôture après, et toute une sélection "off" à divers endroits de Barcelone pendant le festival, j’ai bien compris qu’il allait être difficile de m’en remettre. Aussi bien physiquement qu’émotionnellement, tant l’affiche programmait de reformations inespérées, de coups de cœur actuels, et d’hommages à des albums cultes.

C’est d’ailleurs Echo & The Bunnymen qui se charge de la soirée d’ouverture, où ils interprètent Heaven Up Here. Treillis militaires, jeux de contre-jour, effets de fumées : l’esprit sombre du début des 80’s est au rendez-vous, et il n’a pas pris une ride. Le lendemain, après l’interprétation haute en concepts de The Age of Adz par son créateur de génie Sufjan Stevens, c’est Suicide qui se colle à l’exercice, jouant son premier LP (1977). À bientôt 73 ans, s’il peine à marcher, Alan Vega n’a aucun mal à vociférer dans son micro. Martin Rev joue du clavier avec le poing, tandis que les beats martèlent les enceintes, le sol, les tympans, tous mes organes et me prend à la gorge. C’est glauque, percutant, intense. Je n’ai pas l’occasion de voir Père Ubu jouer The Annotated Modern Dance, ni John Cale jouer Paris 1919, mais tiens à être au premières loges pour voir Mercury Rev jouer le fou Deserter’s Songs (1998) lors de la soirée de clôture, le dimanche 29 mai. Comment donner vie une telle création de studio ? En le gonflant à coups de basses et de guitares bien sûr (effet flagrant sur l’instrumental "Pick Up If You’re There" notamment), mais aussi en ne lésinant pas sur les claviers et les machines. Pendant tout le concert, Jonathan Donahue gesticule comme un savant fou, un personnage expressionniste qui tenterait de dompter un monstre. En rappel, "The Dark is Rising" est apprécié par tous les amateurs de l’album All is Dream, dont je fait partie.


Mais Primavera Sound, c’est aussi l’occasion de voir la crème de la crème de la jeune garde actuelle. Lors de la soirée d’ouverture, juste après Echo & The Bunnymen, Caribou rappellent à quel point leur son est parfait pour les festivals. Emeralds programmés le jeudi à 18h sur la scène Pitchfork, cela semblait parfait pour entendre leur beau dernier album, solaire et aérien. En lieu et place de cela, le trio choisi de fermer l’espace et de l’assombrir par de lourdes basses synthétiques. Néanmoins le set fonctionne, grâce notamment à la performance du guitariste. Cette même scène Pitchfork siéra plus mal encore le lendemain au jeune James Blake, dont les silences, soit la qualité principale de ses compositions, sont pollués par les sons de guitare provenant des scènes voisines. Plus tôt, dans la journée, la chilienne Javiera Mena tirait parti de son concert improbable sur le toit d’un bus en plein centre-ville, en choisissant de n’y interpréter que ses titres électropop les plus kitsch. Puis Fiery Furnaces s’amusait brillamment des ruptures et des enchaînements sur la scène Llevant, rassemblant plusieurs de leurs chansons en une seule. De ruptures il est aussi question chez Field Music, qui livrent sur la scène Vice un set bien plus passionnant que leur dernier album. Le lendemain à 16h, c’est dans le silence et le confort de l’auditorium que Perfume Genius interprète, à quatre mains, ses poignantes chansons, auxquelles les nappes de synthés apportent une belle épaisseur.


Tendance pressentie par Ju l’année passée, cette édition confirme la nostalgie 90’s ambiante. Et ce n’est pas Yuck qui dira le contraire, le quatuor livrant samedi un beau set de power pop nostalgique, joué avec un flegme emprunté à Yo La Tengo. Ensuite, événement pour certain, simple curiosité pour les non-initiés, Papas Fritas se reforment sous nos yeux sur la scène Ray-Ban. « Voici la toute première chanson de notre tout premier album » : bam, ascenseur direct pour l’année 1995. Le concert est léger et solaire, et ponctué de beaux tubes de poches comme "Say Goodbye" et "Way You Walk". Juste après, le duo Dean & Britta, issu du groupe Luna, offre un beau showcase acoustique dans une petite tente installée au milieu des scènes massives. L’instant est précieux et émouvant. L’opposé exacte de la veille, où les années 90 étaient, avec Belle and Sebastian et Pulp, en mode best-of et show-off. Alors que Stuart Murdoch est devenu un excellent homme de scène, Jarvis Cocker mettait un point d’honneur à prouver qu’il n’a jamais cessé de l’être. En revanche, il y a quelqu’un pour qui la carte nostalgie ne fonctionne pas du tout : j’ai nommé DJ Shadow. Aux machines dans une boule cheap et au milieu de visuels certainement empruntés au Futuroscope, celui-ci joue un set mêlant abstract hip-hop et drum’n’bass, et n’y proposant pas l’ombre d’un renouvellement.


"C’mon Billy", "Down by the Water", "The Sky Lit Up", "Angelene", "Meet ze Monsta" : PJ Harvey replonge elle-aussi dans ses années 90, mais pour mieux les interpréter avec ses nouveaux instruments fétiches, l’autoharpe et le modulateur de voix. Son excellent dernier album est loin d’être taillé pour une si grande scène, et pourtant, le groupe (elle joue avec Mick Harvey, John Parish et Jean-Marc Butty) est captivant. Il fallait au moins cela pour se remettre du choc subi au concert d’Einstürzende Neubauten. Au milieu du vacarme dompté des scies et des tubes, du fer et de l’acier, Blixa Bargeld tire sur sa voix puis retombe dans les graves, en se mouvant avec une classe folle et un humour que je ne lui connaissais pas. Un des concerts les plus impressionnants de ce festival. Impressionné, je savais que j’allais l’être au concert gigantesque des Flaming Lips, qui est bien la grande messe joyeuse que l’on m’avait annoncé. Même lorsque Wayne Coyne interprète "Yoshimi Battles The Pink Robot" seul à la guitare, cela tient du grandiose tant le public reprend les paroles en chœur.

Comme toujours semblerait-il, le bilan est donc excellent, et je l’entacherai à peine en évoquant la pataude prestation d’Animal Collective, dont le set décousu et brouillon n’aura pas été la transe attendue. Dommage pour une clôture de grande scène. Mais qu’importe, puisqu’à Primavera, ce n’est jamais la fin, et qu’après le dernier jour, il y a toujours encore un jour. La nuit de clôture se fera avec un bon concert de Black Angels et un DJ-set efficace de Simian Mobile Disco. Buenas noches.

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