The Smashing Pumpkins - Machina, The Machines of God (2000)

The Smashing Pumpkins c’est un peu l’histoire d’Icare, un groupe, ou plutôt un homme, qui a voulu toucher la perfection du rock and roll de trop près et qui s’en est brûlé les guitares. On ne reparlera pas ici une fois de plus du leader charismatique et égocentrique sa majesté Billy Corgan.

Pourtant en 2000, comme pour fêter le nouveau siècle, les citrouilles de Chicago sortent leur cinquième et ultime album officiel, un album concept sur une sombre histoire de machine. Sonnant à la fois comme un retour aux sources (avec le retour du batteur prodige Jimmy Chamberlin) et comme un dernier adieu, Machina est une pièce incontournable du début des années 2000, entre beauté triste et violence sonore.

Comme tous les grands disques il aura fait couler beaucoup d’encre, des détracteurs de Corgan (ils sont nombreux), jusqu’aux plus grands fans pas tous d’accord. Je me trouve au milieu en tant que simple admirateur d’une courte carrière franchement exceptionnelle. Nul autre groupe ne dégage cette rage et cette mélancolie, ce métal pop mélodique. Quand on l’écoute on se dit : Bon dieu mais c’est ça la musique! Et l’espace d’un instant de confusion on s’imagine qu’il n’y a plus qu’eux sur terre, ce disque, et vous.

Si vous ne voyez pas où je veux en venir, Machina c’est plus d’une heure et quart de tremblement de terre cérébral et musical où tous les sens ne sont plus exactement à leur place. Un groupe et un disque qui ont marqué leur époque.

Dans cette histoire je me sens obligé de vous parler de toutes les chansons, du puissant Everlasting Gaze au refrain céleste de Stand inside your love, en passant par le solo de guitare énorme de I of the morning et le parfait The sacred and profane. Mais j’oublierais alors la sublime ballade Try try try et mon morceau de bravoure, Heavy metal machine, dure à écouter mais de quel niveau! Et puis la deuxième partie de Glass and the ghost children (quel titre déjà!) et son rythme ultra planant.

Pour info, le groupe a sorti en 2002 la suite de Machina, Machina II – The friends and ennemies of modern music, au titre prémonitoire puisque pour faire la nique à leur maison de disque ils ont distribué le disque gratuitement sur internet à leur fans. Ultime rebondissement, les Smashing Pumpkins se reforment et vont sortir un nouveau disque, Zeitgeist le 07/07/07, comme par hasard.

A voir le très beau clip de Stand inside your love:

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Keith Hudson & The Soul Syndicate - Nuh skin up (2007)

3ème réédition après Pick a dub en 1994 et Brand en 1995 de l’album original sorti chez Joint international (sic) en 1979, Keith Hudson a la folie des chiffres en lui. Né à Kingston en 1946, il commence le dub en 1968, s’exile à New York en 1976 pour cause de pression jamaïcaine et enfin meurt en 1984 à l’âge de 37 ans d’un cancer du poumon (re-sic) pour cause de plante jamaïcaine. The dark prince of reggae comme on l’appelle aura surtout provoqué une influence posthume. D’une famille de musiciens, il voulait être dentiste mais rencontre les Skatalites. De là lui prendra l’idée de créer les bases du dub jamaïcain avec l’aide de ses amis, U-Roy, Jonhn Holt et Big Youth. Auteur de Ace 90 skank le fameux tube de ce dernier, Keith Hudson contribua à écrire de sombres et profondes variations dub, peut être les plus énigmatiques et surprenants morceaux de la catégorie.

Le Soul Syndicate rend ici le tout ténébreux, âpre, vaporeux, profond, planant. Minimaliste, ce dub de canapé offre à chaque instant la sensation que son cœur va s’arrêter au prochain beat. Il défriche alors à l’époque le dub à la machette dans une forêt jamaïcaine toute dévouée au reggae. Keith Hudson casse les rythmes et dérange. A cause de cela, il n’est pas aimé dans son pays et migre à New York. Enfin migre c’est un euphémisme. Capable de lumière sur Bad Things, il assombri l’ambiance sur Mercy, sans doute ici capable de tous les paradoxes. Un monument.

A écouter l’enchaînement Ire Ire et Desiree, deux titres qui se répondent mutuellement, ou encore le parfait Commitment.

Ju.

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Air - Pocket Symphony (2007)

On pourrait reprocher à Air de ne pas avoir bougé d'un iota depuis Talkie Walkie, sorti en 2004. Ce serait légitime. La recette fonctionne, et les deux Versaillais l'ont compris depuis longtemps. Toujours les mêmes voix impersonnelles aux relents porno-chic, les mêmes arpèges au piano et le même format pop : de ce point de vue, Pocket Symphony est bel et bien, comme me le disait Fab voilà quelques jours, "interchangeable" avec son prédécesseur. Certes, c'est un peu facile. Voire irritant. Mais comment reprocher au binôme de continuer sur sa lancée, alors qu'il a vendu 800 000 exemplaires de son dernier opus, et qu'il est le seul à détenir les clés de cette électro-pop intimiste ?

On pourrait également blâmer le duo pour la mièvrerie bobo de ses paroles, qui volent très haut... Dans Mer du Japon par exemple, elles se résument à ceci : "Je perds la raison / Dans la mer du Japon". Mais comment l' accuser de niaiserie quand, depuis Sexy Boy, il s'amuse à trouver les refrains les plus légers et les plus kitschs pour coller à ses univers easy-listening ?

Il faut bien l'admettre, Pocket Symphony est un disque léché, très agréable à écouter. On y retrouve la quiétude ouatée des Premiers Symptômes (1997) et surtout de Moon Safari (1998). En ouverture, Space Maker, limite Pink Floydien, est d'une classe folle, avec sa simplissime guitare acoustique et ses accords plaqués. Photograph est un autre bon moment, ponctué par la flûte de Magic Malik. Toutefois, aucun titre ne se détache franchement du lot, comme c'était le cas de Run ou de Surfin' On A Rocket sur Talkie Walkie.

La seule évolution que je note depuis 2004, c'est un glissement de plus en plus net vers la chanson. Nicolas Godin et Jean-Benoît Dunckel poussent eux-mêmes la chansonnette sur plus d'un titre. Petite précision à l'intention de leurs fans (dont je ne suis pas), les voix de Jarvis Cocker (Pulp) et Neil Hannon (Divine Comedy) se font également entendre sur deux morceaux. Mais ces invités ne font pas monter la mayonnaise. L'utilisation du koto et du shamizen (une sorte de banjo japonais) non plus. On était de toute manière rompus à ces sonorités extrême-orientales depuis la B.O. de Lost In Translation.

En bref : Pocket Symphony est à la fois le travail le plus accompli d'Air à ce jour et, peut-être, le moins intéressant. D'une élégance lisse, et parfois carrément chiante. On guette en vain la petite faille, l'imperfection qui donnerait du relief à cette symphonie de poche. Si le prochain album sonne encore pareil, je décrocherai définitivement.








Le clip de Once Upon A Time (à la batterie, c'est Tony Allen!) :

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Llorca - New Comer

Mais c'est bien sûr! Pourquoi ne vous en ai-je pas fait part plus tôt? Le premier album de Ludovic Llorca, créatif musical lillois, est tout simplement une merveille. Le genre d'album laissant des traces que le temps ne saurait effacer et qui après quelques années "d'oubli" se réécoute avec plaisir. New Comer est donc le premier chapitre musical de Llorca, sorti en avril 2001 dans les bacs.
Mélange de jazz et de musique électronique - si je n'emploie pas le terme d'électro c'est tout simplement parce qu'il s'applique mal à la douceur de cet album - ce premier opus rappelle les créations d'autres artistes du genre, comme Ludovic Navarre aka Saint Germain, ou encore Soel.

Suite au succès de cet album, Llorca enchaîne les lives autour du monde en compagnie d'une chanteuse et de cinq musiciens. Les rythmes des titres de New Comer ont des sonorités bien afro et funky qui régalerons les adeptes du genre.

Mais au fait qui est Ludovic Llorca? Ce jeune artiste lillois, né en 74, a très vite baigné dans le mélange de la music afro, jazz et funk par sa mère adepte des night-clubs et d'autre part, son père, lui, a apporté une graine technologique à sa culture. LL a commencé sa "carrière" musicale par la création de musique pour jeux vidéos, il n'a alors que 14 ans. En 1997, il envoie une démo de ses créations musicales au label FCommunications, créé par deux pionners de la scène électro, d'une part Laurent Garnier et d'autre part Eric Morand. Cette collaboration a donc donné naissance à ce label pendant les 80's, sur lequel ont signé de nouveaux talents comme par exemple Saint Germain, ou encore Shazz. Le succès de FCom évolue de plus en plus avec le temps en accueillant les jeunes créatifs du moment et en diversifiant les styles. Leur slogan devient alors "Electronic with no limits". On passe ainsi d'une vague jazz à de la musique plus électronique comme celle de Flat Erik aka Mr Oizo.

C'est donc grâce à FCom que l'album New Comer est né et a eu énormément de succès, et que son créateur a multiplié les EP autour du monde. Cependant, un gros vide musical s'est installé après ce succès, et le second album "Playlist" laisse perplexe un grand nombre d'admirateurs du premier opus. En tout cas on ne peut regretter cette compo électro jazz et ses titres phares "Indigo Blues" avec la voix envoûtante de Nicole Graham et "My precious thing".

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Gui Boratto - Chromophobia (2007)

Une énorme claque. J'attendais un album électronique de cette trempe depuis le Trentemoller récemment chroniqué. Ce Chromophobia, sans lui ressembler, entraîne de semblables vertiges et nous transporte en un lieu déroutant où tech-house et électronica font bon ménage. Guilherme Boratto, comme son cousin nordique, aime de temps en temps brider son moteur technoïde et s'arrêter le long de la route pour une pause comateuse, avant de repartir en trombe au moment le plus inattendu. La comparaison s'arrête là. Boratto est bien plus acide que Trente, moins pop aussi. Et, peut-être parce qu'il vient de Sao Paulo, ses productions sont plus colorées, bien que souvent teintées d'ombres spleenétiques. C'est en tout cas ce qu'on a entendu de plus chaud en provenance du sobre (et exigeant) label allemand Kompakt, basé à Cologne.

Gui Boratto, c'est un peu le Mac Gyver de la house. Il vous fait un beat avec le frottement d'un balai et le crépitement d'un bain moussant, une mélodie avec un crissement de ferrailles et un téléphone foireux... Il récolte les sons partout où il le peut puis les écorche, les déchire et les rassemble avec une technique proche du cut-up. Ce collage psychédélique malmène sainement les oreilles, entre sueurs froides et progressions euphorisantes. Pour un premier essai, Chromophobia, sorti début février, est particulièrement abouti. Des albums d'une telle envergure dépassent le cadre restreint de la tech-house minimale et définissent un son bien actuel, un son qui va inévitablement inonder la planète. Et plus vite qu'on ne le croit.

Les treize mets que nous sert Boratto se dégustent avec une joie égale. Inutile donc de les décliner un à un, même si je me sens obligé de signaler la montée minutieuse et clinique de "Mr. Decay" et le son granuleux de "Gate 7".



En bonus, "Arquipelago", le vinyle qui l'a fait connaître :

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Aphex Twin - Windowlicker (1999)

Mais qui se cache donc derrière ce nom bizarre? Vous le savez peut-être déja, il s'agit d'un jeune irlandais né Richard D. James en 1971.
Il officie depuis une bonne et grasse dizaine d'année (ouais d'accord une quizaine) en tant que DJ et compositeur de musique électronique en marge des sons commerciaux. L'homme est complexe (il alterne les surnoms) et sa musique aussi. Il sublime la technique (il parcourt le monde pour acheter de vieux synthés, les bricole et les customize!!) allant jusqu'à travailler les sons bruts directement sur leur fréquence, comme un ébeniste ferait avec des essences de bois. Il crée toutes les jaquettes de ses releases et se plaît à modifier des photos de bimbos en remplaçant leur tête par la sienne.

Sa spécialité? Toutes: drum'n'bass, acid techno, ambient (Selected Ambient Work 85-92). Son son? Celui-ci par exemple: Windowlicker, titre éponyme du single (3 titres) qui le consacre en 1999.

Ou encore celui-la: Nannou (qu'il dédit à sa future ex-petite amie française que l'on peut entendre souffler "j'aime donner des croquettes au chien" dans Windowlicker.

Un son métallique, avec un usage exhaustif de la distorsion, la récupération de sons de jouets...Bien que Windowlicker, dans les bacs en 1999, atteigne le top 20 en UK, le son d'Aphex Twin reste difficile à écouter et apprécier. A vous de voir, comme toujours...
Pour tous ceux qui sont intéressés, il faut savoir que Windowlicker fut produit sous l'excellent label WARP auquel adhérent des artistes comme Laurent Garnier, Nightmares on Wax, Squarepushers...
Pas la peine de s'attarder sur une description finie et limitée d'une musique qui, elle, ne semble pas l'être.

Sur suggestion du maestro Dave:

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Wax Tailor - Tales of the forgotten melodies

"Que sera, sera...", refrain que tout bon cinéphile reconnaîtra est l'un des titres phare de cet album. Il s'agit en effet d'un extrait de la bande sonore de L'homme qui en savait trop de A. Hitchcock.

Cet extrait est l'un des nombreux extraits de films, parfois trop oubliés, qu'à su remixer Wax Tailor dans cet album portant bien son nom, Tales of the forgotten melodies, sorti dans les bacs en 2005.

Le tailleur de cire est à la lisière d'un hip hop du nouveau monde. En effet, c'est avec brio qu'il combine des beat et des samples bien hip hop avec des extraits de vieux films, le tout, souvent agrémenté par les vibrations d'un violoncelle représentant un aspect plus classique de la musique. Un détail qui a son importance à mon sens, sont les grésillements des bandes sonores extraites des films. Ce petit plus ne fait que donner un plus de charme et de réalisme à chacun des titres de l'album.
Wax Tailor cherche vraiment à se démarquer de la scène hip hop traditionnelle, c'est pourquoi il a décidé d'associer à ses performances musicales live, des performances scéniques mettant en scène une violoncelliste, une chanteuse le tout accompagné par des perfomances vidéos, de plus en plus présentes sur les scènes électros du monde entier. Il ne s'agit plus de simples concerts mais d'expériences musicales à part entière.

Tales of the forgotten memories sort dans les bonnes crèmeries du monde entier en 2006. Fort de son succès, WT entame alors une tournée aux US aux côtés de RJD2. Pour les addict de cet album il faudra patienter jusqu'au 2 avril prochain pour le second opus de Wax Tailor, intitulé "Hope and sorrow".

Les amateurs de RJD2, Massive Attack, Cinematic Orchestra ou encore DJ Cam retrouveront leur identité musicale au travers de cet artiste..

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Tsar - Band Girls Money (2005)

Tous originaires de Los Angeles, le leader de ce groupe déjanté Jeff Whalen (chant, guitare), Daniel Kern (choeur, guitare), Derrick Forget (choeur, basse) et Chuck Byler (batterie) ont formé leur groupe en 1998, sous les influences des Sex Pistols, des Guns. C’est par leurs performances live et leurs chansons explosives que le groupe s'est fait connaître, sans grand succès il faut l'avouer, ce qui est regrettable, vu leur potentiel surnaturel. Après avoir signé chez Hollywood Records, ils réalisent leur premier album éponyme en 2000. Notons à cette occasion leur participation à la BO de "American Psycho II" avec leur divine ballade dans le générique de fin: The girl who wouldn't die (sublissime) qui a tout de suite aiguisé ma curiosité, même si la douceur de ce titre pop à la guimauve n'est pas vraiment représentatif de leur oeuvre. C’est donc en 2005 que leur deuxième opus, Band Girls Money, voit le jour.

Puissant, le son rock-punk de l'album nous plonge dans un état de surexcitation instantanément. A mi-chemin entre Sum 41 et Bink 182 avec parfois un goût de pop anglaise à la Oasis, comme ultime touche d'originalité. Disons le tout de suite: Tsar, notamment avec le titre phare de l'album Band Girl Money, c'est du rock sauvage, intelligent et évolutif. Les riffs sont bien calés et sortent de l'ordianire car le groupe aime jouer sur un effet de surprise, en variant le rythme, l'intensité et le chorus. Quelques solos sympas, purs et travaillés qui n'écrasent pas la mélodie, ce qui est un bon point, surtout quand les deux guitares (les paul et strat) crachent le feu en totale harmonie, ne formant qu'une longue coulée de lave boostée au LSD et aux extas. Simplement ravageur.

Mais il n'y a pas que du gros son comme j'ai pu le souligner ci-dessus: les émotions sont apparues très vite chez moi: musiques de film ou spot publicitaire, ces sonorités "musclées sec" ne perdent pas de leur pouvoir évocateur, voire poétique, proportionnellement au niveau sonore... Bref c’est un sacré groupe que voilà. Attention aux surprises (et aux oreilles...)

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The Blues Magoos – Pychedelic Lollipop (1966)

1966, New-York, le Bronx, mais surtout une figure de proue du Greenwich Village, les quatre garçon en costume très propres sur eux sont en fait les quatre enfants les plus psychédéliques de la musique, allant même jusqu’à avouer inhaler des kilos d’opium avant d’écrire, titrant leurs chansons de manière codée non équivoque à la manière des Beatles, Lucy in the Sky with Diamond (LSD) devenant ici Love Seems Doomed (LSD aussi) et Albert Common Is Dead (ACID). Tout cela se retrouve dans cette musique où ils réinventent tout à chaque instant, où la guitare vient capturer chaque parcelle de silence de la pièce. Avais-je oublié de préciser que le guitariste Mike Esposito était le pote de collège de Lou Reed, rien que ça. Au final ils enregistrent un disque, le premier, celui qui fut dans le top 5 US en 67, celui qui a fait la première partie des Who, un classique. Il n’y a rien d’autre à dire, pièce maîtresse de l’acid rock au même titre que les Electric Prunes ou The 13th floor elevators, le prédécesseur et unique frère de Electric Comik Book remarque une carrière éphémère arrêtée en 1970 et qui a su contrecarrer le psychédélisme west coast à l’époque dominant.

Du côté des titres, We ain’t got nothing, le gros succès, démontrant à lui seul tout ce que peut être la musique psychédélique sous toutes ses formes. Une préférence pour Tabacco road et sa transe de défonce totale. De même pour Gotta get away, si moderne avec son rythme entêtant. La ballade Love seems doomed à écouter aussi pour découvrir la psyché ballade, dans un univers jamais très loin mais jamais très proche non plus, celui des Blues Magoos.

Ju.

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Bloc Party - Silent Alarm

Parmi l'un des groupes montant du punk rock new wave comme le disent les connaisseurs, Bloc Party nous rappelle certains groupes du genre.
Franz Ferdinand me direz vous...?? Entre autre oui, peut être est ce parce que les Franz les ont pris sous leur ailes afin de les faire grimper sur les scènes londoniennes puis européennes par la suite.
A l'origine connus sous le nom de Angel Range ou encore Union, Kele Okereke, Russell Lissack, Gordon Moakes et Matt Tong, les 4 membres du groupes ont fini par opter pour le nom que la jeunesse adepte du punk rock d'outre manche connait par coeur: Bloc Party.
Ce premier album, Silent Alarm, sorti en février 2005 annonce d'entrée la couleur et s'adresse à la fois aux amateurs de punk rock...mais aussi à certains clubbers, qui en écoutant Banquet se dirons "tiens, mais c'est ce qu'ils passaient au macumba club???"
On comprend mieux pourquoi ce groupe fait fureur partout en Europe..

La voix de Kele Okereke, d'origine nigérienne, peut évoquer certains souvenirs punk...blink 182 ou encore The Cure.

Silent Alarm est donc un album sympa, mais un peu lassant à la longue car la majorité des titres qui y figurent nous rappellent des performances musicales déjà entendues auparavant.

Cependant il existe une 2° version de cet album, Silent Alarm Remix qui offre des nouveaux titres ainsi que des remix des titres originaux.

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Dave Van Ronk et Frankie Armstrong - Let no one deceive you (1990)

C’est aux racines de la folk music américaine que l’on peut faire la connaissance de mister Dave Van Ronk. Surnommé « Le maire de MacDouglas street » tellement il semblait faire partie des meubles à Greenwich village, voilà l’homme qui put se vanter d’avoir appris la guitare à Bob Dylan, rien que ça. Un père fondateur doublé d'un esprit libre.
Van Ronk ne traîne pas beaucoup à l’école dans sa jeunesse et préfére rôder dans les rues de Manhattan, entre deux escapades dans la marine marchande. Il fait ses armes dans le jazz au sein de petites formations animant les salons de coiffure, des « barbers quartet ». Mais c’est le blues traditionnel qui le fait vibrer, Furry Lewis ou John « Mississipi » Hurt. Et il s’y consacre passionnément. Il sort ses premiers disques à la fin des années cinquante. Le succès est au rendez-vous et il est de tous les concerts folk des sixties. Van Ronk n’aura de cesse de faire de la scène et de composer des albums. En 1974 il se produit avec Bob Dylan au profit des réfugiés chiliens. Il sera toujours sur scène près de trente ans plus tard, en 2001, quelques mois avant sa mort le 10 février 2002.
Guitariste hors-pair à la gueule de dur, cow-boy du blues et du folk noir, Dave Von Ronk fut un des premiers blancs à s’intéresser et à jouer de la musique afro-américaine. De ses chansons se dégagent une puissance et une émotion surprenantes, à l’image du personnage, d’une tendresse brute. Une sorte de musique folk qui se prend à « blueser ». Let no one deceive you est un album tardif de Van Ronk, sorti en 1990. Une compilation de textes de Bertold Brecht chantés avec la blues woman Frankie Armstrong. Un magnifique disque guitare/voix, à la fois délicat et vibrant.
Frankie Armstrong vibre cependant un peu trop pour ne pas être fatiguante au fil des titres. Mais Dave Van Ronk, lui, sonne idéalement juste. « Alabama song », popularisée par les Doors, est d’une puissance incroyable et d’une rare finesse dans la bouche de Van Ronk. J’en oublie Morrison. Intéressant. Plus qu’intéressant. Messianique. Après ça je reste coi.

Le lien emule est là pour que vous puissiez écouter ça. Ne vous en privez pas.

ALBUM - U.K.Folk - Frankie Armstrong & Dave Van Ronk - Let No One Deceive You (1990).rar
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Trentemoller - The Last Resort (2006)

Fab et Mart' ont déjà entendu maintes fois cette bombe à la maison. Cours de rattrapage pour ceux qui auraient raté l'un des plus beaux objets électroniques de 2006. Trentemoller est un jeune DJ/producteur Danois qui s'est fait un nom avec ses monstrueux remixes, notamment ceux de Royksöpp et de Yoshimoto. Pokerflat, maison Allemande de qualité, s'est empressée de signer le prodige, dont les vinyles ont fait la joie des dancefloors du monde entier, ces quatre ou cinq dernières années. Sa techno minimale et funky combine des basses vrombissantes et grasses avec une atmosphère très mentale et intériorisée. Je défie quiconque d’y être insensible. Le premier long format du bonhomme était donc très attendu, et la bave moussait aux commissures des lèvres des amateurs éclairés.

A sa sortie, en octobre dernier, "The Last Resort" connaît un accueil critique dithyrambique. Alors qu'on pouvait redouter une succession incohérente de maxis, Anders Trentemoller a choisi de ne pas capitaliser sur ses succès de club et de construire une oeuvre profonde, progressive, au tempo souvent très lent et très lourd, plus proche de l’électronica que de la house. La pochette, représentant une forêt décharnée dans une brume épaisse, donne le ton d'un disque polaire, traversé d'un bout à l'autre par un souffle glaçant et synthétique. Le planant “While The Cold Winter Waiting” porte d’ailleurs très bien son nom. L’album s’écoute comme on regarde un paysage. Des images surgissent sans cesse, gagnant chaque fois en intensité et en définition.

Dans l’univers blanc de Trentemoller, on croise souvent des guitares aux accents blues et des scratches acérés, parfois une harpe ou un obscur instrument japonais. Mais aussi de vrais dubs cosmiques : “Vamp”, “Evil Dub” et surtout “Nightwalker”, tout en échos et en cordes. Seuls “Into The Trees (Serenetti part 3)” et le très minimaliste “Chameleon” rappellent à nos souvenirs les racines techno du musicien. Le reste oscille entre la ballade pop (“Moan”) et un post-rock organique qui n’est pas sans évoquer Mogwai (“Like Two Strangers”). Pour faire court, “The Last Resort” ne ressemble à aucun autre disque. C’est un petit trésor électronique au son intrigant, comme une étrange boîte à musique retrouvée dans une épave, dans les fonds glacés de la Baltique.



Un titre plus ancien :



Et une version live d'"Evil Dub" et "Moan":

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Pete Seeger - Hard Travelling

Il est de ces artistes dont on ne peut faire l’économie pour comprendre l’évolution d’un genre musical. Comme Kraftwerk, Neu ou encore Can peuvent être indispensables aux électrophiles, impossible de ne pas écouter Pete Seeger si l’on ambitionne de pénétrer le folk américain et de l’aimer avec raison.
Mais écouter Pete Seeger n’est pas une tâche forcément facile. En effet, en dépit de quelques rares rééditions, les albums du New-yorkais ne se récoltent pas à la pelle chez les disquaires. Rares aussi sur Internet, où notre tendre « mule » ne propose qu’une seule occurrence. Difficile écoute aussi, tant ses chansons peuvent nous sembler datées et lointaines la première fois. Des témoignages vifs d’un autre temps. Bien avant les Bob Dylan et autres Joan Baez, Seeger incarne la figure du « folk singer » engagé à la « protest song » réaliste et incisive. Tout simplement un des pionniers du genre, compagnon de figures mythiques telles que Woody Guthrie et Leadbelly.
Pete Seeger naît en 1919 à New York, dans une famille habitée par la musique. Son père est musicologue, sa mère compositeur, et ses frères et sœurs chantent. Pete, lui aussi, est atteint du virus. Il entame cependant des études de journalisme à Harvard. Sans grande conviction… il quitte rapidement l’université et travaille à Washington, dans la librairie du Congrès. En 1940, il fait la rencontre de Woody Guthrie lors d’un concert pour les travailleurs migrants et pendant deux ans, les deux hommes se consacrent ensemble à la musique. Seeger prend néanmoins le temps de rédiger un manuel de banjo et de créer un nouveau modèle d’instrument, aujourd’hui appelé « Seeger banjo ». Le jeune homme milite activement et est membre du Parti Communiste Américain, qu’il quittera en 1950, cinq ans avant le célèbre discours de Khrouchtchev. Communiste donc, il est mis sur la liste noire maccarthyste et appelé à être entendu par la HUAC, la House of Un-American Activities Committee chargée de débusquer les traîtres rouges. Seeger refuse de se rendre à son audition et invoque le premier amendement de la Constitution, la liberté de réunion et d’association. Une originalité, quand tous les supposés agents soviétiques tentaient de se réfugier derrière le cinquième amendement, le droit à la vie privée et à la liberté. Pete Seeger est condamné à un an de prison mais réussit à se faire acquitter en appel. A la même époque il entame une carrière solo et compose rapidement les chansons qui lui vaudront sa notoriété : « Where have all the flowers gone ? », « If I Had a hammer » (et oui, « Si j’avais un marteau »), « Turn, turn, turn » et « We shall overcome ». Par ailleurs, il chante aussi « Little boxes », une chanson de Malvina Reynolds sur les quartiers résidentiels. Une chanson familière aux amateurs de la série télé Weeds.
Pete Seeger c’est un son chaud, d’un soleil grisant de Louisiane ou du Tennessee. Le son d’un homme qui a fréquenté les plus grands festivals de musique folk mais aussi écumé les campagnes américaines. Haranguant les foules de ses chants aux couleurs de liberté, se joignant aux militants afro-américains dans leur quête de droits civiques. Pete Seeger, en bref, c’est l’essence du protest singer, un des pères de la génération hippie américaine et une des idoles de Bob Dylan, faut-il le préciser.
Pete Seeger a sorti peu d’albums en dépit de son incessante activité musicale. En effet je n’ai pu trouver trace que de deux LP, Studs Terkel en 1956 et We shall overcome en 1978. Néanmoins, il apparaît sur de nombreuses productions et compilations, principalement dans les années 60 et compte à son actif de nombreux titres que l’on considère aujourd’hui comme des classiques. « Wimoveh », « We shall overcome » et « Hold on » sont autant de témoignages de pure musique folk, mariage harmonieux d’une voix racée et chaleureuse et d’une guitare sèche « countrysante ».
Hard travelling est un simple best of de Pete Seeger. En tant que tel, le disque n’est pas particulièrement intéressant mais pour qui ne connaîtrait pas encore ce grand monsieur de la chanson américaine, toujours actif par ailleurs, il s’avère être un parfait premier contact. Avant d’écumer les disquaires à la recherche des albums originaux...

fab

Je n'ai pas pu trouver les titres que je souhaitais hormis "Turn turn turn", voilà ce que propose radioblog.

Petit bonus, "Little boxes" par Malvina Reynolds :

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Mika - Life in cartoon motion

Un grand bol d'air frais et de bonne humeur...voilà ce que nous offre le premier album de Mika.

D'origine Libanaise, Mika a fait ses débuts artistiques dans le monde de la musique à Londres, sainte mère de la pop et du rock...Après une jeunesse mouvementée il réussit à imposer son style d'un nouveau genre mélangeant habilement les beat des 80's avec nos rythmes contemporains.

Life in cartoon motion, son premier opus, pourrait être répertorié dans la catégorie disco pop. Les rythmes entrainant et cadencés de cet album sont agrémentés par la voix dynamique de Mika. "Relax, take it easy", premier titre extrait de cet album - dont l'intro vous rappellera un titre des 80's, mais rien à voir! - est l'un des rythmes sans prétention mais pas pour autant inefficace de cet artiste qui je l'espère ne cessera de nous faire rêver.

Avec une couverture rappelant les illustrations des Monthy Python ou encore celles de Yellow Submarine des Beattles et ses mondes un peu psychédéliques, Life in cartoon motion nous invite au voyage dans une autre dimension totalement irréelle, stimulant la bonne humeur de chacun. A écouter sans modération...

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Mal Waldron - One More Time (2002)

Je le vois encore, avec sa veste jaune poussin et ses cheveux blancs comme neige sur sa peau noire. A la fin de chaque solo, il allumait un nouveau cigare, qu'il posait sur le bord du piano au moment de recommencer. Il était calme et souriait lumineusement à Jean-Jacques Avenel et sa contrebasse.

C'était au Duc des Lombards, à Paris, un soir d'octobre 2002, un peu plus de deux mois avant sa mort. Mal Waldron avait 76 ans, venait d'enregistrer une session avec Archie Shepp et paraissait en forme. Ses longs doigts couraient inlassablement sur l'ivoire, comme ils le firent toute sa vie durant, à la recherche des paradis perdus du jazz. En 1977, il déclarait à Jazz Magazine : "Je m'efforce de penser au futur, j'essaie de jouer une musique plus libre, à tous les niveaux. J'y arrive peu à peu, je fais de mon mieux, mais je suis très lent." Pourtant, depuis le magnifique Free At Last, en 1969, il s'était déjà libéré en se trouvant un style hors-norme, basé sur la répétition et la déformation, très inspiré par la musique classique et notamment par Bartok, qu'il avait étudié dans sa jeunesse.

Musicien professionnel dès 1947, d'abord au saxophone, Malcolm Earl Waldron s'impose vite comme un pianiste d'accompagnement efficace et est embauché par Max Roach et sa femme Abbey Lincoln. La rencontre, quelques années plus tard, avec Billie Holiday, est peut-être la plus marquante de sa vie. Il est son pianiste attitré de 1956 à 1959, années où elle signe certains de ses plus beaux enregistrements. Après la mort de la chanteuse, Mal lui dédie plusieurs hommages, dont le sublime Left Alone, avec Jackie Mc Lean. Trop souvent, on résume la carrière de Mal Waldron à sa collaboration avec Billie Holiday. Pourtant, il est l'auteur de plus de cinquante albums et de nombreux thèmes classiques repris par tous, comme l'éternel "Soul Eyes". Il a joué avec toutes les pointures du bop et du free jazz, d'Eric Dolphy à John Coltrane, de Miles Davis à Lester Young. Sa versatilité et sa large vision du jazz lui ont d'ailleurs valu d'être le directeur artistique de Prestige Records.

Des années 70 jusqu'à sa mort, il laisse libre cours à son amour pour la musique de Thelonious Monk, dont il explore l'oeuvre sur de nombreux disques, presque toujours avec son ami Steve Lacy au saxophone. Toute la discographie de Waldron a quelque chose de monkien, c'est-à-dire de déstructuré, de complexe et d'enfantin. C'est le cas de One More Time, un des derniers albums de l'artiste, où il dessine un ciel et le colore par larges touches, comme un expressionniste. Il est accompagné par Jean-Jacques Avenel, et Steve Lacy apparaît sur deux titres. Mal ouvre le bal seul avec "All Alone", une délicieuse introspection dont la mélodie est prolongée et amplifiée par un usage intensif du trémolo. Tout ce qui suit, et notamment l'extatique "The Seagulls Of Kristiansund", illustre la maîtrise que l'homme possédait à la fin de sa vie. Une note, dans le livret, est émouvante à cet égard : "Mesured against eternity, our life span is very short, so I am extremely happy to have this record as a high point of mine." L'achèvement d'une vie de jazz.

En bref : enregistré peu avant sa mort, One more time est le splendide testament discographique d'un pianiste d'exception.

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