10 avril 2008

Francesco Tristano - The Melody (2008)

Francesco Tristano fait partie de ceux dont la réussite picote légèrement l’amour-propre. Et dont les compositions provoquent un léger frémissement d’aisance à leur écoute. Le pianiste à la peau diaphane et à la chevelure rousse vient de sortir un ep chez le petit label français Infiné. Il regroupe les remixes du morceau "The Melody", tiré de l’album jazzy Not for Piano, publié sur le même label. Incursion d’un pianiste minimaliste dans la techno de Detroit.

Le style de Tristano n’est pas sans rappeler celui de compositeurs de musique néo-tonale de l’Américain Michael Nyman ou du Flamand Wim Mertens, dont les pianos aux boucles langoureuses provoquent chez certains, une réaction de rejet immédiat. Alors, je ne le cacherai pas, le principal intérêt de cet ep réside dans le remixe de Carl Craig présent dans son paresseux (mais toujours inspiré) dernier album, Sessions. Un beat répétitif et des nappes de synthé discrètes accompagnent paisiblement le piano tantôt nerveux, tantôt détendu de Tristano. À la manière d’un vieux mécanicien connaissant son travail à la perfection, il transforme "The Melody" en un pur produit techno piano, tout droit sorti des usines de Detroit. On peut à peine s’exaspérer de la finition du morceau tant la facture est irréprochable. Sur la face b, Tristano marche sur les traces de Craig et livre remixe laissant une place plus importante aux variations de piano mais le résultat reste, lui aussi, tout à fait appréciable.

En bref : En dépit de la participation de Carl Craig sur les deux titres, la série de remixes de The Melody s’inscrit dans une démarche bien conventionnelle.




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Mercury Rev - Yerself Is Steam (1991)

Fin 80's, débuts 90's, une bande d'allumés notoires voire psychotiques -certains comme le chanteur ont effectué des séjours en HP- se retrouvent en répet' pour cuisiner sous substances psychotropes une série de titres plus barrés les uns que les autres. Comment ont-ils fait connaissance ? Euh....de manière assez classique ; ainsi Sean Mackowiak alias la Sauterelle a-t-il simplement échappé à une tentative d'énucléation à l'aide d'une cuillère tenue dans un avion par son voisin de siège Jonathan Donahue.

Le groupe, composé à l'époque de 6 personnes - dont le bassiste Dave Fridmann deviendra l'ingé son doublé du producteur de plein de choses retorses (Flaming Lips, Sparklehorse, Mogwai....)- et sommé par Rough Trade US d'enregistrer son OVNI musical, doit repartir dare dare en studio. La légende veut que les musiciens aient été tellement défoncés qu'il avait fallu l'intervention de tiers lors des répétitions pour leur réapprendre et leur "rappeler" leurs propres morceaux qu'ils avaient oubliés...
Ainsi créé et drivé par un chanteur fou, au sens clinique du terme, David Baker, Yerself Is Steam (même Boris Bergman et Sttellla n'auraient pas osé) va faire un four aux USA où mal distribué -la branche US ayant fait faillite- le disque restera pour quelques mois l'un des secrets les mieux gardés du rock indé. Puis, c'est finalement la presse anglaise qui s'en emparera un an plus tard et fera découvrir à un auditoire interloqué ces morceaux chaotiques et trippants que sont "Syringe Mouth", "Chasing A Bee" ou le bien nommé "Sweet Oddyssee of a Cancer Cell t' th' Center of Yer Heart".

Ici, juste 7 pièces musicales parfois ébauches parfois orgies sonores aux confins du lysergique -la voix sépulcrale de Baker ("Blue And Black", "Chasing a Bee") sont comme autant de punching-balls anéantissants tant règne une folie ambiante dans ces arrangements malades (les flûtes sur Chasing a Bee, les échos sur...Cancer), bref de la musique d'aliénés, de drogués, qui n'est pas sans évoquer Spaceman 3 et dont ne sera pas sans se repaître Spiritualized. L'affaire tourne vite au vinaigre au sein de ce groupe ingérable, puisque 1 an après leur second et très réussi Boces (1993) , le groupe se sépare dans le chaos à la suite du départ de l'incontrôlable et définitivement cintré David Baker. Ce dernier refera surface sous un projet solo, Shady, auteur d'un seul album plutôt intéressant, et les Mercury Rev restants et également amputés de Suzanne Thorpe, Jimi Chambers et Dave Fridmann, continueront l'aventure.

Donahue, passé au chant et Grasshopper, deux des âmes damnées du groupe originel feront florès avec une suite d'albums aimablement psychés.Ils rejoueront au hasard de festivals l'insurpassable "Frittering" de leur premier opus. Mais jamais plus ils n'atteindront le génial bordel sonore de leur chef-d'oeuvre initial.
Car à la manière de Pink Floyd en 68, l'on allait assister à la naissance d'un autre Mercury Rev n'ayant plus de la folie initiale que le nom.

En bref : douce odyssée d'une cellule cancéreuse jusqu'au centre de votre coeur (tout est dit !) : chef d'oeuvre du rock psyché US





Le site officiel et le Myspace de Mercury Rev

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A lire aussi : The Fearless Freaks, The Flaming Lips - Bradley Beesley (2006)la video barrée de "Chasing A Bee"


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09 avril 2008

The Mabuses - Mabused! (2007)


Ce qu'il y a de bien avec Internet, c'est qu'on peut s'y tenir au courant de tout ; qu'il s'agisse de de la vieillerie incunable oubliée de tous et indisponible depuis des lustres ou de la résurgence récente et passée sous silence d'un grand groupe oublié.
Foin de poncifs, c'est ce que j'ai encore pu expérimenter il y a quelques jours, en tapant sans trop y croire les noms de Kim Fahy et Mabuses sur Google. Kim Fahy est ce démiurge génial, britannique de son état mais parlant français comme vouzémoi, qui avait affolé les Inrocks et Bernard Lenoir au tout début des années 90, publiant coup sur coup un premier album éponyme (91), un autre sous le nom de Egomaniacs (projet pas si parallèle que ça en 93) et on en était donc resté à ce pharaonique The Melbourn Method de 94 et depuis plus rien.
Plus rien ? Pas tout à fait ! L'habile Fahy, adepte d'une pop tourmentée et tarabiscotée, louchant à ses plus belles heures sur les Banshees psychédéliques de A Kiss In The Dreamhouse (fantastique album de 82) et de Cure (option The Top avec guitares brumeuses et envolées flamenco ce genre !) sans rien renier aux plus belles expérimentations de musiciens iconoclastes à la XTC ou Wire, avait collaboré il y a peu au Plus de Sucre de JP Nataf, l'ex-frontman des Innocents. C'était peu pour un artiste émergé en plein Madchester et détonnant franchement au milieu de Charlatans et autres minauderies shoegazing à la Wedding Present. L'époque pas avare de planeries psyché nous offraient déjà les futurs-ex My Bloody Valentine (de retour ces jours-ci) avec qui ils partageaient certaines dissonances) et Doctor Phibes and the House of Wax Equations, sorte de revival de l'Experience Hendrixienne. Voila les combos sur lesquels compter à l'époque chez la perfide Albion.
C'est tout cela qui resurgit aujourd'hui, ces soirées à écouter le poste dans l'espoir d'entendre ces inénarables bestiaires où il était question de tuer des pigeons, de barbier cintré et de flash accidenté. Kim Fahy, sur un entrelacs de guitares -dont on ne peut guère retrouver l'élégance luxuriante que chez Johnny Marr- nous narrait ces histoires à dormir debout qui tenaient autant de nos claustrophobies urbaines que d'une descente d'acide.
Fin, racé, lettré, le musicien adepte d'un sampling des plus original -qui a retrouvé tous les extraits de films de The Melbourne Method (j'en suis quant à moi resté à The Haunting, Arsenic and Old Lace + In the Name of the Father)?- et convoquant tour à tour l'étrangeté, l'arpège subtil, la rupture harmonique Beach Boysienne et les accords serrés en 7ème, fait appel ce coup-ci à des blues séminaux (Mirth) dans son nouvel opus, qui reproduit peu ou prou le son d'époque.
Les titres au début déçoivent pour certains car trop uniformes ; ce n'est qu'au prix d'écoutes répétées que l'on se surprend à siffloter ces "Seasider", "Tiger Lilies", "Garden Devils", le reste n'étant pas aisément fredonnable, on s'en doute. Le grain de voix resté intact, et ce juste-au-boutisme mélodique tellement assumé qu'il en devient évident, c'est donc à une agréable surprise que nous convie ce 3ème LP du nom de Mabuses, celui qu'on n'attendait plus. Las, ce disque inclassable (écouter le final de "Destination" !)uniquement disponible en CD se mérite dans tous les sens du terme et sans prétendre égaler ses deux cultes devanciers, mérite qu'on se décarcasse pour le dénicher - pas trop dur en fait, à lère d'Internet, etc, etc... 2008, année des come-back qu'on attendait plus (My Bloody Valentine, Portishead, Mabuses) ; le futur s'annonce réjouissant.


En bref : de la pop biscornue et référencée placée sous le signe de la rétrospective, 
premier album de son auteur en 14 ans.
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Le site officiel de The Mabuses
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Seasider, extrait du dernier album:

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MSTRKRFT - Bounce/Vuvuvu (2008)

L'électro et le rap n'ont pas toujours fait bon ménage mais le dernier maxi des MSTRKRFT nous redonne confiance: un son lourd (très très lourd...HUGE!), un gros beat, avec un rap de N.O.R.E. sorti de l'enfer sur le titre "Bounce". Le tout pour gentiment te faire headbanger à la maison ou te déchainer sur le dancefloor (vendredi 18 avril au Bataclan par exemple).

Les deux compères canadiens n'en sont pas à leur coup d'essai: Jesse Keller & Alex Puodziukas attaque les standings électro depuis 3 ans maintenant à coup de remixes très punchies, au son facilement reconnaissable (entre autres, ceux des Panthers, de Justice, de Metric...). Depuis leur premier album, "The Looks", sorti en 2006, les MSTRKRFT -ah oui, on prononce "Master-Kraft"- se sont fait une petite réputation et leur album à venir en 2008 est certainement l'un des plus attendus de l'année dans le monde de l'électro-underground (si ce terme veux encore dire quelque chose...).

MSTRKRFT - Bounce (gratuit et légal)

Leur Myspace

P.S.: Pour ceux qui aiment ce style, procurez vous également le titre "Kryptobounce" de DJ Klever, tout à fait dans la même veine.

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Neutral Milk Hotel - On Avery Island (1996)

Arcade Fire, Okkervil River, Bright Eyes, Wilco, Beirut, Wolf Parade, The Decemberist, Caribou, Animal Collective... Il faut savoir que tous ces groupes ne seraient pas ce qu’ils sont sans l'existence d'un disque comme In the aeroplane over the sea, quasi unanimement qualifié Album indé des années 90, du moins de l'autre côté de l'Atlantique. Le genre d'album dont l'écoute nécessite chez moi un cérémonial, une installation toute particulière, comme une addiction (tout comme Funeral, You all look the same to me ou The Stage Names). Mais avant ça, je ne pouvais manquer d'évoquer le premier opus du groupe qui changea la musique indé à jamais.

L'homme derrière tout ça, c'est Jeff Mangum, personnage insaisissable qui nous abandonne avec deux albums, quelques ep et des bouts de bandes magnétiques (qui valent aujourd'hui de l'or). Nul ne sait où il est. Il s'est retiré. Certains prédisent un retour, un coffret d'inédits plus ou moins légal serait en préparation, de faux communiqués sont distribués par des fans dépassés. Seul le leader des Apples in stereo Robert Schneider arriverait à le joindre par mail. Il serait sur la route de Burroughs. Ca me fait penser à l'auteur de comics américain Bill Waterson, papa de Calvin&Hobbes, bande dessinée adulée par la planète, et qui du jour au lendemain a coupé les ponts pour disparaître en pleine gloire.

Dans On Avery Island on retrouve ce qui a fait le succès d' ITAOTS, l'utilisation des rythmes d'Europe de l'Est, de la prog de Canterburry, du free jazz et surtout la création d'un genre, le fuzz folk, aujourd'hui devenu freak folk ou gipsy rock. Sur fond de chronique d'un monde insulaire imaginaire, Mangum ouvre encore tellement de pistes, dans chacun de ses titres, du solo acoustique à la fanfare saturée. Comme d'habitude, sa voix acide et presque fausse peut dérouter. Mais nombreux sont ceux qui n'ont pas aimé NMH à la première écoute. Ils se sont presque tous repentis. Chacun a une histoire de la première fois où il a écouté ITAOTS car cette musique touche au personnel.

Ce disque, qui a fait pleurer Kevin Barnes (Of Montréal), est plein de peine, de confusion, de passion et de folie. Garden head leave me alone ou Naomi annoncent déjà une nouvelle façon d'écrire et de jouer la musique indé, en fratrie avec les gars du collectif Elephant 6, dont Elf Power, Olivia Tremor Control ou Of Montréal. Presque psyché par moment, Mangum sur ce disque continue de commencer à exercer une fascination indescriptible. D'une simple console 4 pistes et un enregistrement home made, la bande déploie des surcharges sonores (lo-fi?) grandioses. Intimes et universels, les mots de Mangum font preuve d'une poésie déchirante qui influencera grandement le travail d’écriture de Conor Oberst notamment, à savoir non pas construire son morceau sur le traditionnel schéma couplet / refrain / couplet mais sur un récit chanté avec un début et une fin.

Seule la dernière plage au titre spirituel Pree sisters swallowing a donkey's eye égare un peu sur un son très expérimental. Le reste est aussi facile d'accès qu'un Sonic Youth ou qu'un Beach Boys. Selon Don Snaith de Caribou, "Le son NMH est caractérisé par un arrangement parfait de mélodies transcendantes et d'une large palette d'idées sonores". Quiconque met une fois le nez dedans en devient gaga. Et l'on rêve à un possible retour de Mangum, un jour, de retour de voyages, avec des tonnes et des tonnes d'histoires à raconter. J'en frissonne déjà.

En Bref : Sans crier gare, en 1996, Mangum et sa bande d’allumés posent les fondations de ce que deviendra le freaks folk moderne, 2 ans avant l’indispensable In the aeroplane over the sea.



Le site officiel de Neutral Milk Hotel

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Pour découvrir, Song against sex (pas forcément la meilleure mais l’unique disponible sur Deezer) et une cover sympa de Naomi par un fan :


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07 avril 2008

Festival Garorock - Marmande les 4, 5 et 6 Avril 2008

Le retour du printemps ne se fait jamais sans le retour des festivals. Celui de Marmande, plus grand festival de musiques actuelles du sud ouest, ouvre le bal pour la douzième année. Les Marmandais, les vrais, habitués aux défilés incessants de jeunes en goguette à cette période de l'année, auront préféré laissé volets fermés afin d'éviter de se retrouver confrontés à l'un de ces festivaliers, pas toujours rasé de près. Une fois l'inévitable bouchon déclenché par ce genre de rassemblement traversé, il est déjà l'heure d'entamer la soirée du vendredi, qui verra s'enchaîner de 19h30 à 4h du matin une bonne quinzaine de concerts disparates.
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Premier inévitable constat: il y a du monde, vraiment! Ca sent le sold out à plein nez et chaque déplacement de quelques dizaines de mètres sur le site s'apparente très vite à une progression machette à la main dans la jungle. Rassemblement dans la grande scène Digitick, le bouche à oreilles fait son effet et il semblerait que la prestation belge de Girls In Hawaï ait été remplacée en lieu et en heure par celle non moins alléchante des californiens de Groundation. L'attente est longue mais finalement Harrison Stafford fait son apparition devant un public assoiffé de musique. Le set, très long, donnera l'impression que la troupe ne veut plus partir mais l'on retiendra surtout le remarquable talent des musicos, que ce soit le batteur ou le trompettiste, qui confirment à ceux qui en doutaient encore que Groundation est bien plus qu'un simple groupe de reggae.
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Sans le savoir, nous n'étions pas au bout de nos surprises. Malheureusement pour tout le monde, le set des Svinkels, attendu de pied ferme par une foule conséquente, sera complètement dissout par des problèmes techniques ininterrompus qui laisseront un goût amer dans la bouche de nombreux spectateurs se plaignant de ne pas être tenus au courant des changements de programmation, ni de la nature des problèmes. On se croirait presque à la SNCF. Là encore, passons. Les bières pros à 1,5 € et un sandwich éthiopien bio (?) font passer la pilule et permettent de repartir pour un tour. Et cette fois, pour du très lourd.
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Révélation personnelle sur le festival, les Birdy Nam Nam, que je cantonnais sans savoir pourquoi à une formation dub hip hop de festival ont en fait ravagé la grande scène d'un show électronique ultra dancefloor. Vainqueurs de plusieurs compétitions internationales de dj's, les quatres membres de ce collectif ont déployé avec force effets de lumières au néon un son énorme propulsé par quatre platines en brochette. Ce sera le set le plus brutal du festival, le plus dansant tout au moins.
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Un café marocain déniché derrière un espace détente conçu en vieux sièges de voitures (normal!), et ça repart pour le gros duo renoi du festoche et l'improbable rencontre entre le public de Marmande et Method Man & Redman. Sans surprise, c'est du bon gros hip hop américain qui sort du mur de baffles érigé sur la scène. Ils semblent avoir leurs fans, et comme je marche à moitié sur mes paupières à cause de la fatigue, je décide de prendre le chemin du retour, non sans m'arrêter quelques instants devant l'électro allemande de Modeselektor, qui semble très efficace mais dont les basses auront très vite raison des mes rotules. Retour hagard jusqu'au camping, jeté de tente, 2 secondes, dodo.
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Au réveil, vers 12h, l'impression générale est familière: des tentes Queschua à perte de vue, le soleil qui (heureusement) tape, des festivaliers partout largement identifiables à leur mode déambulatoire. J'en viens parfois à me demander lors de ce genre de rassemblement la proportion de gens qui viennent pour les concerts et ceux qui viennent pour vivre 3 jours durant une vie de festivalier, affalé dans l'herbe, entre potes, à jouer au caps en refaisant le monde. Le genre d'après midi langoureuse où l'on n'a rien à faire sinon attendre le soir, et donc errer ci ou là à la rencontre de rencontres. Je flotte alors de groupes de tentes en abris de fortune et mon oreille encore un peu attentive capte par ci par là quelques touches de bon goût, un Jefferson Airplane de ce côté, un ptit Doors de l'autre.
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Une fois tirée de la torpeur pâteuse et zombinicale de fin d'après-midi, la bande de sauvages reprend le chemin des concerts et tente d'arriver à temps pour la présence de Cocorosie. Fidèles à leur habitude, les soeurs Casady sont accompagnées par leur beat boxeur préféré et soignent un spectacle étrange et définitivement folk, parfait pour nous faire revenir à la réalité. Retour dans les travées, la croix rouge continue sa cavalcade effrénée de gars bourré en gars bourré, normal, et j'ai la bonne idée de croiser quelqu'un au T-shirt customisé, censé rappeler que picole est aussi l'anagramme de police, bien vu.
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S'en suivra l'enchaînement de groupes typiques de festival (vous voyez ce que je veux dire), Massilia Sound System et le Peuple de l'herbe (High Tone suivant à 3h du mat, bien trop tard pour moi qui ai comme seules munitions alimentaires quelques Pitchs et une pomme). Wax Taylor, que je croyais noir et américain, propose un concert somme toute assez agréable, plutôt différent de ce que l'on a vu jusqu'à présent mais largement recommandable. Mais tout le monde a déjà la tête ailleurs et commence à se rassembler pour recevoir la grande messe scénique hip hop marseillaise de nos années lycée, IAM en personne.
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Efficaces malgré quelques problèmes de son, les marseillais la jouent old school et nous resservent tous les vieux classiques de L' école du micro d'argent, en passant par Ca vient de la rue et le cheap mais indispensable Le Mia. Le public rassasié et content d'avoir vu au moins une fois IAM dans sa vie (l'émotion était partout palpable) se disperse et se retrouve pour le blind test géant signé 2 Many Dj's. Au passage les Bellrays jouent avec fougue dans le petit chapiteau mais personne ne semble vraiment les remarquer, quel dommage.
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Au final et malgré de nombreux problèmes techniques à résoudre pour les prochaines éditions (navettes engorgées et irrégulières, son pas exceptionnel, changements de programme au dernier moment...), le festival Garorock qui n'a de rock que le nom (j'ai entendu quelques vannes du genre "Oh c'est plutôt Garalelectro ou Garohiphop"), prouve par sa très grande affluence le succès qu'il opère années après années. Il permet l'espace d'un week-end à la campagne de vivre au rythme des festivaliers, d'errer en tongs une bière à la main un tarpé dans l'autre et d’assister à de très nombreux concerts de qualité. Et ce, même si on se demande encore ce qu'ils ont bien pu faire des Girls in Hawaï...
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Site web de Garorock

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Think Twice - Coco killed me (2008)

A sa sortie en 2004, Unemployed (FCom), premier opus vindicatif et bavard, laissait présager un bel avenir à ce trio qui fut l'un des premiers, en France, à amorcer un retour au punk-funk, au moment où LCD Soundsystem commençait à s'en emparer. Maintenant que disco new-wave, post-punk garage et autres indietronica sont devenus la norme, le cap du deuxième album aurait pu être fatal à ces franco-irlandais et les noyer dans le flux incessant des groupes hypes jetables. Aurait pu, dis-je. Car la qualité du songwriting apparaît encore plus nettement dans ce nouveau pamphlet, à paraître le 21 avril sur l’excellent label Dialect.

Le plus de Think Twice, c'est son humour noir acide à vous figer la mâchoire, qui pondère un militantisme presque naïf. Moins ouvertement politique que son prédécesseur - très hostile à Bush et son invasion de l’Irak, Coco killed me est une sorte de concept-album qui narre l’histoire d’amour fusionnelle et destructrice d’une rock-star déchue, Neverbeen, et d’une lolita inconsciente en quête de plaisir nommée Coco. Tous deux cherchent un sens à leurs vies absurdes en déambulant dans les méandres de “Drunken City”, mégapole où règnent le stupre et la violence. A cette trame éculée se greffent les émotions successives du couple maudit, de l’insouciance enjouée de “Run baby go run” à l’urgence désespérée de “Dark empire”.

Alliance d’un DJ et d’un bassiste/guitariste français avec un chanteur dublinois, Think Twice parvient à livrer une musique épurée mais terriblement lourde. Pour se plier au protocole, on dira que Think Twice est en jet-lag constant entre New-York et Londres, piochant ici dans la gouaille ska-punk des Clash, là dans la cold-wave de Joy Division et partout ailleurs dans le punk-funk des inévitables Talking Heads. Pas transcendant d’originalité, certes, mais efficace et cohérent. Car il faut en convenir, un bon nombre de petites bombes jonchent le chemin de Coco et Neverbeen vers la délivrance, comme ce “Whiskey in the jar” spacieux et entêtant, où le chanteur Irlandais Macdara Smith montre toute l’étendue de son talent, sans pour autant se départir d’une sobriété toute anglo-saxonne. Ou comme “Last Call”, déjà entendue sur les ondes de Nova, qui s’impose dans un style proche de Tom-Tom Club, avec ligne de basse proéminente, guitares répétitives et claps en cascade. On en redemande.

En bref : Un concept-album séduisant et truffé de mini-hits potentiels, à la fois funky et punky, dansant et désespéré. En ce mois d’avril très chargé en sorties de qualité, il faudra veiller à ne pas oublier Think Twice.



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think twice: last call rappel (fleche d'or)



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06 avril 2008

Simone White à la Flèche d'Or

Pour ceux qui n’auront pas la chance d’aller se dandiner sur les mélodies électro-disco de l’Ecossais Calvin Harris, en concert ce lundi au Trabendo à Paris, une belle alternative, peu coûteuse puisque gratuite, se présente le même soir dans la capitale. En effet, la Flèche d’Or accueillera sur sa scène une jolie triplette d’inspiration pop rock. Au programme, le groupe breton Arhter et le quator britannique Battant mais surtout la merveilleusement romantique Simone White.

Produite par le label de Damon Albarn, Honest Jon’s Records, l’Américaine originaire d’Hawaï a sorti cette année un premier album à la fois mélancolique et engagé, I am the man. Une réussite où la chanteuse dévoile sa voix fragile et irrésistible, sur des arrangements subtils aux doux cuivres. L’occasion est donc trop belle, pour pas un kopeck je le répète, de découvrir cette artiste ce lundi à la Flèche d’or. A bon entendeur, salut.

Le myspace de Simone White
Le site de la Flèche d’Or

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05 avril 2008

Klaus Schulze - Moondawn (1976)

Des sourates en langue arabe résonnent, enveloppées peu à peu par d'inquiétants bruits électroniques pointillistes. Des cloches, des hululements et des nappes s'avancent puis s'évaporent. Une tension se crée, sorte de suspens très languissant. La musique prend la mesure du temps. Silence, l'artiste compose. Huit minutes en apesanteur et une nouvelle envolée de synthétiseurs s'annonce sur un beat voilé. Moi, d'être à nouveau happé, comme emporté au large. Au final, près d'une demi-heure de délicate suspension. Et un ramassis d'impressions sur ce premier titre de Moondawn, justement nommé « Floating ».

Nous sommes en 1976 et depuis quelques années, en Allemagne, l'on peut assister à la naissance de la musique « ambient », même si l'ampleur du phénomène dépasse les frontières étroites de ce terme. Le rappel vaut ce qu'il vaut, mais à l'époque où Kraftwerk décollait et pop-isait les recherches expérimentales des pères fondateurs germaniques et français, le compositeur berlinois Klaus Schulze s'associait, lui aussi, à la révolution électronique. A la toute fin des années 60, il participe aux débuts de deux mythes teutons, Tangerine Dream et Ash Ra Tempel, puis se lance rapidement en solo. Il étrenne les nouveaux synthétiseurs; et tout spécialement le « mini moog », et emprunte les pistes du rock psychédélique, de la musique répétitive et des travaux d'avant-garde. Il introduit les percutions électroniques avant ses camarades de Dusseldörf et se pose en créateur du « space rock ». En véritable machine, l'homme enchaîne les disques et peut désormais en mettre plusieurs dizaines à son actif, variant de registres selon les périodes et s'imposant comme un des expérimentateurs majeurs de la musique moderne.


En pleine vague cosmique et hypnotique, et à grands renforts de « moog », Klaus Schulze livre ses plus belles productions dans les années 70. Timewind sort en 1975, Moondown en 1976 puis vient son plus gros succès Mirage, en 1977. A défaut de pouvoir admirer le maître en concert, sa date parisienne venant d'être annulée, je ne pouvais réprimer l'envie d'évoquer ici son oeuvre. Moodawn fait incontestablement partie de ses plus beaux joyaux. Une symphonie magistrale et sombre, servie en trois actes. Trois titres entre ciel et terre, de plus de vingt minutes chacuns. Trois pièces fines qui permettent de prendre l'ampleur du travail du Berlinois. Usage extensif du synthétiseur, bruitisme, répétition et nappes entre autres innovations de ce pionnier de la musique électronique. Est-ce encore nécessaire de vous signaler qu'il s'agit là d'un artiste incontournable ?


En bref : Un classique de la musique expérimentale allemande des seventies et une légende pour les disciples du courant de l'électro « ambient ». Indispensable.





A noter : Klaus Schulze a sorti en juin dernier un nouvel album, Kontinuum, sur le label Synthethic Symphony. Il est dispo chez tous les bons disquaires.


Le myspace de Klaus Schulze.


A lire aussi : Tangerine Dream - Stratosfear (1976) et Kraftwerk - Le mystère des hommes-machines (2004)



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MGMT - La claque !


Nous l'avions annoncé... et le buzz semble maintenant bel et bien démarrer... en témoigne la couverture de ce nouveau numéro de Tsugi...

Pour ceux qui n'auraient pas encore découvert MGMT, n'attendez plus et visitez leur page myspace.

A lire aussi : MGMT - Oracular Spectacular (2008)


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03 avril 2008

Nôze - Songs on the rocks (2008)

C'est vrai que je vous en fais bouffer, du Nôze, depuis quelques temps. Pas ma faute si les deux allumés aux chapeaux de paille remuent la routine du petit monde électronique à chacune de leurs saillies phonographiques. Comme je vous le disais, non sans excitation, le mois dernier, leur troisième album est déjà sur la rampe de lancement du label allemand Get Physical. Propulsion annoncée pour le 26 avril. Je dois dire que dès les préliminaires, Songs on the rocks a su me procurer une belle érection : c'est exactement l'album que j'attendais, tout aussi foutraque que leur précédent How to dance, mais davantage calibré pour séduire les masses.

Finies ou presque les errances instrumentales et bruitistes, Nôze fait désormais dans la chanson. Comme ils avaient pu le faire sur certains de leurs meilleurs morceaux (« Love Affair », « Kitchen » ou l'imparable « Remember love » - « N°1 techno track of 2007 » d'après le très influent Pitchfork et présent ici plus d'un an après sa sortie en maxi), Nicolas Sfintescu et Ezechiel Pailhes, sans se prétendre chanteurs, donnent de la voix avec une énergie hors du commun, passant de l'éructation façon cancer de la gorge à des choeurs moelleux et funky. Leurs paroles témoignent d'un esprit potache attachant, dénué de toute sophistication, entre incitation à la beuverie (« You have to dance to this / You have to drink all night ») et enfantillages dadaïstes. La palme de l'absurdité revient à « L'inconnu du placard », vaudeville sonore sans queue ni tête qui décape d'emblée les écoutilles : « Quand je te vois le matin / Mon amour / Tous les jours / Je bois du vin »... Si le duo insiste lourdement dans cette veine paillarde, il se permet cependant un détour par la chanson d'amour, sur le très sensuel « Danse avec moi ». Pour l'occasion, ils invitent la délicieuse Dani Siciliano, souvent entendue avec Matthew Herbert, à chanter en français avec son sensuellissime accent. Et puisqu'on parle d'Herbert, la prod luxueuse de ce titre, avec ses cordes enveloppantes, rappelle incontestablement les grandes heures du magicien britannique, à l'époque où il sévissait sous pseudo Doctor Rockit.


Difficile, par ailleurs, de caractériser le son de Nôze, conglomérrat de micro-house, d'eurodance, de musette, de jazz éthiopien (« Ethiopio »), de chants slaves et de blues (« Childhood blues ») – plus disparate tu meurs... Boris Eltsine, qui nous lit sûrement depuis le paradis des ivrognes, n'aurait certainement pas dédaigné entonner, visage écarlate et haleine au kérozène, les airs russisants de « You have to dance » et « Little bug ». Des titres qui gravitent - je sais, c'est improbable - entre « Le petit bonhomme en mousse », « Kalinka » et la minimale allemande.
Je ne vais peut-être pas me faire des potes en disant ça, mais lorsqu'on voit l'énorme buzz que suscitent des albums médiocres comme le dernier Hot Chip, on ne comprend pas comment des artistes aussi brillants que Nôze peuvent rester aussi confidentiels.

En bref : Deux doux dingues parisiens se brisent les cordes vocales sur des rythmiques minimales avec une paillardise que l'on jugera, au choix, géniale ou affligeante. Un album qui ne ressemble à aucun autre.




A noter : En live, l'hystérie de Nôze est décuplée, comme j'ai pu en juger lors d'un mini-concert à la Bellevilloise. Ne ratez surtout pas leur prochaine apparition, le 16 mai au Bataclan ! Nos amis québecquois pourront quant à eux les voir le 30 mai au festival Mutek de Montréal.

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She and Him - Volume one (2008)

Un nouveau disque de Matthew Ward, alias M. Ward, songwriter américain de génie, forcément, c'est une belle surprise. Cependant, d'emblée, apprend-je qu'il ne s'agit point d'un projet solo du folk singer de Portland mais d'une collaboration, sobrement baptisée She and Him. Petite déception.

« Him », on aimerait ne plus avoir à le présenter, si éclatante fut la démonstration de son talent lors de ses quatre premiers albums, dont le dernier en date Post-War, sorti il y a plus d'un an. « She » c'est Zooey Deschanel, charmante actrice brunette, aperçue notamment dans le film de Cameron Crowe Almost Famous, et chanteuse à ses heures. Pour ce qui se révèle être son premier disque, baptisée par ailleurs Volume one, la néophyte s'empare du micro, son comparse prenant en charge les instru et la production. Je suis légèrement surpris par cette association mais l'envie de retrouver la patte acérée de l'Américain me taraude, son apparition dans l'album Cassadaga de Bright Eyes l'ayant rappelé intensément à mes bons souvenirs. She and him, premières écoutes.


La voix de Zooey Deschanel surgit soudainement, comme sortie de nullepart, pour le premier titre du disque, « Sentimental heart », accompagnée sur la pointe des pieds par les accords distants d'un piano. Un violon bondissant entre très rapidement en action. L'organe puissant de la chanteuse rassure, oscillant entre vibrations folk seventies et clarté pop. Cette première impression sonore, plutôt plaisante, se vérifiera tout au long de ce Volume one. L'actrice, à l'origine de tout mon scepticisme je dois l'avouer, tire son épingle du jeu. Douce, réconfortante et légèrement hippie, elle assure au chant et peut se prévaloir de la composition de la quasi-totalité des chansons, à l'exception de deux-trois reprises. De l'ensemble se dégage nettement une atmosphère folk assez rétro, généreusement baignée par le soleil de la west coast, apaisée et bienfaisante. Un parfum de Flower Power.

Quelques morceaux (« Take it back » par exemple) laissent cependant davantage filtrer le spleen de M. Ward, exposé dans ses albums solo. L'orchestration ne cesse par contre pas de nous inviter à mettre en marche la machine à remonter le temps. A base de guitare acoustique mais aussi de banjo, harmonica, thérémine ou encore tambourin. Il paraîtrait que le duo partage une vive passion pour les vieilleries country et autres hérauts de la folk song. On n'ose en douter.

La voix de Matthew Ward se faufile sur quelques titres. Discrètement pour une belle reprise de Smokey Robinson, « You really gotta hold me », puis avec splendeur pour une autre réinterprétation. Le duo s'empare de « I should have known you better » des Beatles pour en donner une étonnante version tahitienne, sublimée lors des refrains par la candeur et la classe de M. Ward. C'est délicieux. Je dois le confesser, j'aurais évidemment préféré explorer un nouvel opus du dit compositeur de talent mais je ne regretterai jamais d'avoir été présenté à Zooey.


En bref : Un bien joli disque de folk songs imprégnées des traditions ricaines à cordes, et finement produit. Un album d'un autre temps, à ne pas louper ne serait-ce que pour la reprise de « I should have known you better » des Beatles, et la présence de Matthew Ward.




A noter : l'album est sorti au mois de mars aux Etats-Unis et devrait débarquer en France courant avril.


Le myspace de She and Him.


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02 avril 2008

Laibach - Concert à la Laiterie (Strasbourg)

Soyons clairs. Je n’aurais jamais pensé assister au concert de Laibach à la Laiterie à Strasbourg. La vénérable formation slovène, pionnière de la musique industrielle est depuis sa création dans les années 80, toujours restée en activité. Les raisons de ma présence ne résident pas dans les prétendues liaisons du groupe avec l’extrême droite et les idéologies totalitaires. D'une part, je dispose d'un sésame me permettant de rentrer gratuitement dans l'établissement laitier, ensuite, j’avais été suffisamment marqué, lors de mes pérégrinations musicales, par le titre "Jesus-Christ Superstar", authentique ode indus, pompière et parfaitement hilarante. Depuis, j’avais un peu oublié leur existence jusqu’au soir de leur prestation…

Avant tout, il me semble nécessaire de clarifier certains points. Laibach est l’aile musicale du Neue Slowenische Kunst (NSK), collectif politico-artistique controversé, regroupant théâtre, arts graphiques et vidéos. L’art « NSK » s’inspire largement des symboles totalitaires des mouvements nationalistes. Il juxtapose ces différents symboles (souvent incompatibles) et les transforme en une mosaïque kitsch. Mais leurs ambitions ne s’arrêtent pas en si bon chemin. L’idéologie « NSK » revendique l’existence de son propre Etat, le « NSK State ». Un territoire qui n’existe pas physiquement, mais seulement à travers « les dimensions du Temps ». Toutefois, Ils délivrent des passeports, émettent des timbres postes, ou présentent encore leurs réalisations sous couvert de leurs ambassades.

Revenons dans la salle. Des vieux métalleux forment l’essentiel du public : la moyenne d’âge tourne facilement autour de 35 ans (peut-être plus). L’uniforme blouson-jean-rangers renforcées semble de rigueur. Sur leurs oripeaux, certains arborent des badges tissés à l’effigie de Metallica ou Turbonegro. Ambiance. Ce soir, la vieille garde ne se rend pas ; elle se galvanise au côté des jeunes adultes présents dans la salle. La réflexion pragmatique d’un des « benjamins » nous éclaire sur les raisons de leur venue : « je ne suis pas fan, mais on n’aura plus l’occasion de les voir avant longtemps… »


La prestation scénique de Laibach s’inscrit pleinement dans le décorum « NSK ». Le concert, construit en deux actes, s’ouvre par l’hymne national français. Milan Fras, le chanteur, va enchaîner des titres à la gloire de nationalisme européens. Ils s’apporprient les hymnes de nombreux pays de la Grèce à l’Allemagne en passant par la Russie. Sur deux écrans sont projetés des effets visuels mêlant drapeaux des pays concernés aux symboles « NSK ». Musicalement, le premier acte est plutôt calme, presque ennuyeux. Sur un style néo-classique, Milan se fait accompagner sur certains titres par une chanteuse lyrico-indus, dont les modulations vocales sont tellement sirupeuses qu’elles découragent une partie du public, plus enclin à se désaltérer au bar d’une bière fraîche.
Le deuxième acte renoue avec la tradition plus martiale du groupe. Le temps n’est plus à l’exaltation des nationalismes. Vient celui de la guerre et des défilés au pas de l’oie. La masse sonore, impressionnante, a pour effet de réveiller la vieille garde et nous plonge dans une atmosphère dense, assez grisante. On se rend compte de l’influence de Laibach sur des groupes comme Rammstein ou Nine Inch Nails, où se retrouvent les mêmes sonorités, et les mêmes rythmes lourds.
Entre temps, la chanteuse lyrique a été remplacée par deux belles gretchen à couette accompagnant Milan au chant. Avec énergie, les bras tendus, elles frappent simultanément leur tambour. Troublant.
Le final, très théâtral, est marqué par les révérences du groupe faites à son public. Pendant ce temps, pour signifier l'importance du collectif derrière Laibach, les crédits du spectacle sont projeté à l’écran. On aperçoit même les noms des busdrivers...
Somme toute, je suis ressortis du concert en ayant eu l’impression d’avoir assisté à un événement hybride, où le concert aurait rejoint le théâtre, où les acteurs auraient pris la place des musiciens. Comme si Queen avait toujours joué de l’Indus.

"Life is Life" repris par Laibach


Le site de Laibach
Leur MySpace
NSK State


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Rubin Steiner - Weird hits, two covers & a love song (2008)

Avec sa pochette outrageusement évocatrice, le cinquième album du tourangeau Fred Landier aka Rubin Steiner ne risque pas de passer inaperçu en ce printemps de rentrée musicale. En plein dans la mouvance actuelle, Weird hits... devrait passer pour un disque électronique auprès des rockeurs comme pour un disque rock auprès des dj's. Pourtant, les deux tribus ne pourront s'empêcher de faire tourner ce disque, encore et encore, dans les caves ou sur les dancefloors. C'est que le début, d'accord, d'accord.

On savait que le bordelais d'adoption avait déjà amorcé son virage rock en 2005 avec l'excellentissime Drum major! , mais dorénavant la transformation est totale. Dans la même veine énergétique que ses voisins d' Adam Kesher, Rubin, encore accompagné par son Neue Band a enregistré à la maison et sans aucun sample un mélange renversant et accrocheur de krautrock et d'electro comme le faisaient les Robokop Kraus à leurs débuts.

Ancien pratiquant de lo fi nu jazz, ancien de Merz et ancien animateur radio, Rubin met à profit sur Weird hits... tout son passé musical hétéroclite pour le concentrer dans un punk dansant du plus bel effet qui a encore peu d'équivalents en France. Ingénieux, il annonce la couleur dans le titre et sans publicité mensongère, vous retrouverez effectivement des tubes bizarroïdes, deux reprises et une chanson d'amour, ni plus ni moins, et dans cet ordre.

Car passé une première plage noisy de courte durée, c'est la bombe atomique Another record story qui vous arrive en pleine face à 200 à l'heure. Une perfection de rythme effréné et la première claque rock de ce début d'année, immédiat dès la première écoute à tel point qu'on se demande pourquoi personne ne l'a écrit avant. Pas le temps de se remettre puisqu' à peine relevé c'est Take your time, quasiment du même acabit qui cette fois ci vous met son coup de tête balaillette électronique. Vous croyiez avoir tout vu? Et bien non puisque Kiss Richard enfonce le clou du KO. Merde on n'est même pas à la moitié du disque, si j'avais su j'aurais pris des sucres lents la veille.

Première des trois plages instrumentales avec For sloy et 1974, Hope to see you at Total Heaven est une délectable private joke au meilleur disquaire bordelais (français?), on aurait aimé des paroles, tant pis. Can you est le plus Velvetien des titres, fallait bien justifier la pochette. Et les covers me direz-vous? A hit de Smog est littéralement transcendé par les synthés alors que Warm leatherette de The Normal est devenu carrément euphorisant.

A l'instar de LCD Soundsystem, Rubin Steiner a su tirer profit de ses accointances entre les genres, à la limite de la déviance. Il clôt son bébé en apesanteur sur la dite chanson d'amour en donnant l'impression de s'être vraiment fait plaisir. Et notre plaisir à nous, 40 minutes durant, n'a certes pas été qu' une impression.

En bref : La bombe électro rock sudatoire de ce début d'année par un artiste français qui a trouvé son juste équilibre. Tout est dans le titre. Hautement recommandable.
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Le site officiel, le Myspace et Platinum Records

Aucune vidéo du nouvel album n'étant disponible pour le moment, je vous laisse avec cet excellent clip issu du précédent album :


A lire aussi : Adam Kesher - Modern times Ep (2006)
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01 avril 2008

Alela Diane en concert à la Laiterie (Strasbourg)

Touché et séduit par les incantations folk du joli premier album d'Alela Diane, je ne pouvais échapper à la venue de la jeune femme dans l'honorable établissement de la Laiterie à Strasbourg, un des rares lieux de vie musicale de la capitale alsacienne, pour ne pas dire le seul. Surprenante et alléchante affiche, Mariée Sioux, estampillée « nouvelle révélation folk américaine » de ce début d'année, ainsi que Brisa Roché, « la Bjork californienne », partageront la scène avec l'heureuse responsable de The Pirate's gospel. Ma curiosité est avivée mais la programmation « on the stage » me semble légèrement déroutante. Sur le papier, grosso-modo, une demi-heure de micro seulement pour Mariée Sioux, suivie respectivement d'une heure et demie pour Alela Diane puis Brisa Roché. Dans cet ordre. A voir.


Dans la salle, manifestement beaucoup de mecs ont du mettre la main à la poche pour inviter la petite copine écouter les douces mélopées d'Alela Diane. Pure conjecture, mais vous pouvez deviner l'ambiance. N'êtes jamais allé à un concert de Tété avec votre beauté. Mariée Sioux, timide et rayonnante, occupe donc en premier la scène. Seule avec sa guitare acoustique, elle entonne une poignée de titres de son tout récent album Faces in the rocks, presque sans conviction, et du moins, sa relief ni vibration. La séance est brève et la jeune folkeuse du Nevada laisse place à son amie et ancienne camarade de classe, Alela Diane. Tout le monde dans l'assistance est attentif, calme, presque studieux. La chanteuse est accompagnée d'un guitariste et d'un banjo, Mariée Sioux s'attelant ensuite aux choeurs à quelques occasions.

Loin de moi l'idée de me faire l'injuste pourfendeur de cette belle dame d'Alela Diane, mais on ne peut pas dire que sa performance fut particulièrement grandiose. Sans pour autant dire d'elle que ce fut mauvais. Tout bonnement, sans plus. Le visage de la jeune femme est impassible et sa palabre rare. Elle enchaîne titres de son album et chansons folk traditionnelles de Californie, sans engouement. Le public est concentré mais en même temps tout aussi apathique. Ses chansons phares, comme « Pirate's gospel » ou « The Rifle », fonctionnent bien et nos amis les gentils couples pull-overs-chemises reprennent en choeur. Excuse-moi, je me disperse. Certes la voix est toujours aussi impresionnante et vibrante, et l'orchestration folk traditionnelle sympathique, mais l'on est obligé de se demander si la performance vaut réellement le déplacement. Un petit rappel et la belle s'évapore. J'oscille entre la déception et un fort goût d'inachevé. Bref, ce n'est pas sensationnel. Son set à peine terminé, Alela Diane va à la rencontre du public, palliant peut-être ainsi son manque de gouaille sur scène.

Mes gentils compagnons de concert étaient vraisemblablement venu massivement prêter l'oreille à Alela. Aussi, la salle, soit dit en passant sans fumée de cigarettes quel bonheur (!), se vide pour l'arrivée énergique de Brisa Roché. Programmation défaillante. Pétillante à souhait dans une veste ultra cintrée marine et une chemise à jabots, la chanteuse ne peut pas fuir la comparaison avec Björk. Entre quelques balades où sa voix prend tout son envol et hymnes pop, elle tente de conquérir les derniers zombies de la soirée, vaporisés par la paire folk du Nevada. Certains se prennent à siffloter sur « Whistle », le hit Nova de Brisa Roché. « Heavy dreaming » est toujours aussi scintillant et aérien. Mais le coeur n'y est pas vraiment. Le mien pas plus que celui des autres, du moins me semble-t-il. Las, je m'en vais. Le moment fut plutôt plaisant, mais que me suis-je dit en écoutant les disques de ces artistes. Sans aucun doute de plus beaux mots. Une invitation : écoutez plutôt leurs cds.


Le site de la Laiterie.


A lire aussi : Alela Diane – The Pirate's gospel (2007) et Brisa Roché en concert à Bordeaux.


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