L’arrivée de cette nouvelle salle de concert flottante à Bordeaux semble décidément être une bonne chose. Hormis une triplette de concerts de bienvenue semaine prochaine (Baxter Dury, Mondfopf…) et une programmation électronique à venir de qualité, Hello My Name Is y organise le vendredi 28 octobre la venue de l’un des papes de la folk américaine, j’ai nommé le grand Will Oldham, alias Palace, alias Bonnie Prince Billy. Il viendra accompagné de son groupe interpréter entre autres les morceaux de son nouvel album Wolfroy Goes To Town à paraître chez Drag City le 4 octobre prochain. Le folkeux écossais Alasdair Roberts se chargera de la première partie.
A cette occasion nous vous proposons de gagner l’une des deux places mises en jeu. Pour cela il suffit de répondre à la question suivante :
Quel autre artiste (électronique cette-fois) auréolé du mot "Prince" a déjà été chroniqué sur le site ?
Et d’envoyer vos réponses à contact@desoreillesdansbabylone.com avant le 26 octobre. Bonne chance à tous.
C'est la pochette qui a tout d'abord attiré mon attention. Un œil stylisé sur un fond terne, que tranche un étrange motif aux couleurs vives. L'unique album du musicien américain, dont la carrière débute dans le Michigan au début des années 60 et continue jusqu'à sa mort en 1992, a de quoi intriguer. Unique, tout comme le parcours de ce personnage, qui ne semble répondre à aucune logique. Ted Lucas serait tombé dans l'anonymat le plus total si le label Yoga Record et Sebastian Speaks n'avaient pas eu conjointement l'idée lumineuse de rééditer, l'année dernière, cette pièce rare, et d'ajouter 3 prises qui n'apparaissaient pas sur l'édition originale.
Étiqueté guitariste rock, il apprend à jouer de son instrument sur un modèle classique, puis étudie le blues, le country, et la musique contemporaine. Le guitariste Joe Fava, mais encore Ravi Shankar pour la cithare, comptent parmi ses maîtres. Il emploie d'ailleurs ses compétences pour ce dernier, comme pour d'autres formations tout aussi réputées telles The Eagles, Frank Zappa, Yes, John McLaughlin, Black Sabbath... Musicien studio pour le célèbre label Motown, on peut également l'entendre jouer de la balalaika, de la guitare de 6 ou 12 cordes et d'autres instruments sur des albums des Temptations, des Supremes, ou de Stevie Wonder. Rien que ça.
Si l'on cite également sa participation dans diverse groupes de Detroit plus ou moins obscurs des années 60'-70' - The Misty Wizards, Horny Toads, The Androids, etc -, c'est cet unique enregistrement éponyme, surnommé par sa famille et ses amis "The Om Record", en référence au label personnel de Lucas, que l'on retient. Situé dans la lignée folk ouverte par Bob Dylan, Nick Drake ou Joni Mitchell, Ted Lucas livre un album très équilibré, qui mélange à la fois mélancolie et espoir, avec des textes introspectifs, sur les plaisirs et l'amertume quotidienne.
Les 6 titres originaux de l'album sont d'une imparable simplicité d'écriture aussi bien au niveau des textes que sur un plan mélodique. De véritables "tubes" folk. Le titre d'ouverture "Plain And Sane And Simple Melody" en est la preuve. Le timbre de la voix de Lucas accroche immédiatement l'oreille, avec ses paroles "It's A Plain And Sane And Simple Melody / It's The Same To Me / It's The Same To You" qui reviennent en boucle. "It's So Easy (When You Know What You're Doing)" prend la forme d'une ballade légère, dont les paroles sont prononcées sur un ton chaud. S'il parle en termes généraux, il trouve les mots justes pour exprimer ses pensées. "I'll Find A Way (To Carry It All)" atteint les sommets avec son instrumentation gracieuse et délicate. On peut aussi citer le titre "It Is So Nice To Get Stoned", une invitation plaisante à la défonce. Imbattable.
La deuxième partie de l'album fait la part belle aux improvisations. "Robin Ride" mélange blues et congas dans court mais largement satisfaisant jam de 3mn. Enregistré en live, "Sonny Boy Blues" laisse place à la virtuosité de Lucas. Une gratte, un kick, et Lucas qui chante "You better start drinking some wine / You drink whisky it'll be bad for you"… Quant à "Love And Peace Raga", on remarque à quel point l'Inde a pu avoir de l'influence dans ses compositions. Sur un fond de cithare indienne et une improvisation de voltige dans le cadre mélodique qu'implique un râga. Le résultat est proprement bluffant.
En bref : œuvre de génie, l'album devrait figurer dans toute bonne discothèque.
Difficile de parler d'une oeuvre sans défauts apparents. On a beau la réécouter, tenter de la tourner sous différents angles, de la placer sous une lumière à chaque fois différente, son apparente transparence la rend d'autant plus impénétrable, pareille au diamant. Fred P. est un receleur de ces petites pierres, bien connues comme étant l'un des matériau naturel les plus dur. Sous le pseudonyme de Black Jazz Consortium, notamment au travers de l'album Structures (2009), il livrait nombre de tracks d'une deep house au caractère brut, mais parfaitement policé. Sorti l'année dernière, son dernier LP - le troisième - atteste d'autant mieux du savoir faire de Fred Peterkin.
Rien de très excitant dans ces incroyables aventures. De prime abord, pas ou peu de rebondissements, des lignes pures et continues, dont on ne sait où elles commencent, ni ne finissent. Hypnotique. Chaque track prend la forme d'une énigme. Comme sur le morceau d'introduction "Changing The World Around Us", sur lequel le titre est prononcé en boucle par une voix lointaine et indistincte sur un beat lourd, profond et organique et sur lequel flottent quelques rares nappes de synthétiseur. Une reprise intervient d'ailleurs en clôture de l'album. Le résultat est encore plus brumeux, avec un tempo légèrement accéléré.
Il n'est pas étonnant que Peterkin s'associe avec des noms de l'underground tel DJ Jus-Ed, ou de trouver certaines similitudes avec le style de Omar-S, DJ et producteur originaire de Detroit, et dont les productions mélangent techno, house et minimale. Leur son est souvent très sec, métallique, avec une texture proche de la rouille, comme sur "Soul Life Connection", tempéré par les vocaux de Solymar. Des tracks qui ne se destinent pas au dance-floor mais plutôt à une écoute de canapé, au casque, cérébrale. La grosse surprise revient à "What It is - Music", dans un style breakbeat, qui justifie à lui seul l'écoute de l'album.
En bref : tripé et parfois même flippant avec son univers onirique et le soin apporté aux sonorités, Fred P. livre une galette à l'univers "lynchien".
Deuxième tournée mondiale dans l’année pour les texans fondateurs du festival de musique psychédélique d’Austin, et cette fois-ci la bande du charismatique Alex Maas s’arrête à Bordeaux le vendredi 16 septembre prochain. C’est encore une fois Allez Les Filles qui les fait venir, et ça nous promet une jolie soirée bien perchée au Rocher que l’on ne raterait pour rien au monde. A cette occasion Dodb vous permet de gagner l’une des 2 places mises en jeu. Pour cela il suffit de répondre à la question suivante :
Quel autre groupe avec le mot "Black" dans son nom a déjà été chroniqué sur Dodb ?
Et d’envoyer vos réponses avant le mercredi 14 minuit à contact@desoreillesdansbabylone.com. Bonne Chance à tous.
Le mercredi 28 septembre prochain la diva anglaise aux yeux de braise Anna Calvi viendra défendre son album à son nom dans la grande salle du Rocher de Palmer à Bordeaux. Cette Jeff Buckley au féminin n’en finit pas d’attiser les conversations cette année, notamment grâce à sa voix, redoutable, et à son charisme fascinant, surtout sur scène apparemment.
C’est ce que Dodb vous propose de vérifier en tentant de gagner l’un des 4 pass 2 places mis en jeu pour l’occasion. Pour cela il vous suffit de répondre à la question suivante :
Quelle note sur 5 a-t-on attribué au disque de la belle Anna ?
Et d’envoyer vos réponses à contact@desoreillesdansbabylone.com avant le mardi 27 septembre à minuit. Suivra alors un tirage au sort. Bonne chance à tous.
Si vous ne le connaissez encore pas, il est grand temps de faire la connaissance de l’allemand Paul Kalkbrenner, un sacré personnage. Véritable héros de la techno berlinoise, on lui doit notamment ce film et ce disque, Berlin Calling, dans lequel il joue le (son) rôle d’un dj à succès tombant dans la drogue et qui a du mal à finir son album, qui doit être une pure tuerie électronique. L’album qui en a découlé a été salué par tous, et depuis on lui prête le statut de gourou, ou encore de porte parole d’un mouvement très allemand de type deep techno, que Dave m’arrête si je dis des conneries. Toujours est-il que plusieurs années plus tard sort chez Rough Trade (déjà versés dans l’électronique avec Pantha Du Prince) ce Icke Wieder aux allures d’outsiders, dur de faire mieux que le premier appel.
Traduction du titre du disque : "Encore moi". Effectivement, c’est encore lui. Toujours sous le logiciel Ableton live, toujours très simplement, assez old school finalement, la musique de Paul Kalkbrenner est très profonde, mélodique et mélancolique. Ca n’est pas complètement minimal, mais pas dépouillé non plus. Un peu house parfois dance, mais toujours très élégant. Et on oublierait presque de le dire, c’est très dansant, un dance-floor et c’est parti.
Le premier titre à attirer l’attention c’est "Gutes nitzwerk", parfaitement représentatif de la patte Kaklbrenner. Juste en suivant vient "Jestruepp" aux basses ultra deep. C’est l’un des meilleurs moments de ce disque de dix titres pour soixante minutes de trip à apprécier au casque en déambulant dans les rues, à son rythme. Si j’ai accroché à ce disque c’est aussi pour son âme pop et accessible. Pas besoin d’avoir un bac +5 en électro pour adhérer, Kaklbrenner est universel. C’est cependant très répétitif, et certains s’ennuieront sur la longueur, surtout sur la deuxième partie du disque. Heureusement, "Der breuzen" vient conclure en beauté ce disque qui pourrait être de l’été.
En bref : nouveau disque de deep techno allemande par l’un de ses fers de lance. Pas parfait mais d’une simplicité fédératrice.
Les écoutes se multiplient depuis un mois et ce troisième album du quatuor américain Ponytail continue à ravir mes oreilles. Car, à l’image de sa pochette foutraque et colorée, Do Whatever You Want All The Time regorge d’inventivité. Insaisissable, la musique de Ponytail est surtout surprenante quand elle nous trimballe de la dream pop sautillante aux confins du noise, en passant par des solos heavy, des accords funky et des entrelacs de guitare style math-rock… Et que dire de la section rythmique assurée par l’excellent Jeremy Hyman (membre intermittent des Boredoms) aussi habile pour se balader d’un fut à un autre à toute berzingue que pour ses rythmiques syncopées d’inspiration afro et ska. Le tout mené par le chant unique et résolument punk de Molly Siegel - plutôt un amalgame de cris et gémissements - souvent incompréhensible mais dont l’énergie y est pour beaucoup.
Il faut dire que l’ouverture de ce troisième LP est parfaite, là où chaque instrument fait son entrée. Les tressaillements de cymbales et les jappements de Molly Siegel introduisent progressivement les guitares de Ken Seeno et Dustin Wong – sorte de Mark McGuire japonais, également auteur d’un remarquable album solo – sans cesse en interaction mais toujours complémentaires. Les deux guitaristes s’en donnent à cœur joie pour façonner une toile sonore aussi colorée que l’artwork de sa pochette. Et c’est ainsi que l’un se charge des rythmiques bien lourdes et des solos heavy tandis que l’autre s’amuse à développer des mélodies sautillantes et colorées. Le tempo commence alors à se stabiliser, galopant en arrière plan, avant d’entamer, du début à la fin du disque, un perpétuel va-et-vient. Comme si les quatre de Ponytail avaient mis un point d’honneur à s’affranchir d’un rythme constant pour faire sonner la fin d’un morceau à l’extrême opposé de son début.
Du début à la fin, c’est donc un déluge d’énergie qui se déchaîne, sans temps morts ni mauvaises inspirations, où chacun se plaira à y découvrir les quelques pépites que sont "Honey Touches" (surtout dans ses moments funky), "Tush" et "Music Tunes" qui clôture l’album sur un ultime climax de déchaînement. Le groupe prend même le temps de ralentir le tempo en milieu d'album pour un morceau expérimental qui nous remémore le délicieux album des montréalais de Braids.
Do whatever you want all the time ! Voilà en fait ce que transmet ce disque, autant dans son titre que dans son contenu car qui peut se targuer de manier tout les styles avec brio sans tomber dans le pot-pourri indigeste et inaudible ?
En bref : un album assez inventif pour dévoiler de nouvelles surprises à chaque écoute, assez cérébral pour vous triturer les méninges à coups de déstructurations rythmiques et assez marquant pour se pencher sur l’avenir de ce groupe (très) prometteur.
Plus habitué à l’électro et à la techno, avec des artistes comme Siriusmo ou Adam Sky dans ses registres, Exploited Records s’est mis au nu disco sur le tard, mais avec de grosses sorties, comme celle du délicieux Hudson Square EP de Homework, en février dernier. C’est en toute logique avec ce même duo d’Amsterdam que l’étiquette berlinoise lance Black Jukebox, un sous-label entièrement consacré au genre. Dans leur style scintillant et sexy, à la lisière de la house et du disco avec un soupçon de candeur french touch, ils livrent deux beaux edits. "Lenny", relecture d’"I Belong To You" de Lenny Kravitz, est le type même de sucrerie estivale dans lequel excellent Tom Waist et Zip Stolk : ligne de basse monstrueuse, filtres à foison, riff bien cheesy mais utilisé avec suffisamment d’élégance pour ne pas tomber dans le vulgaire. Pas besoin d’aimer le rockeur dreadlockeux pour se laisser prendre par ce track aux accents daftpunkiens.
"Love Ray" revisite le plus obscur "Got To Have Loving" du français Raymond Donnez alias Don Ray, auteur d’un unique album produit par son ami Cerrone en 1978. Moins opulente que "Lenny", c’est une plage nu disco assez conventionnelle, mais qui reste diablement efficace. Après leur très recommandable Rally Racquet Club EP, paru en juillet chez Made To Play, les jeunes hollandais continuent à monter en puissance avec ces deux titres qui justifieraient à eux seuls l’achat de l’EP. Mais voilà, il ne s’agit que de la face B ! De l’autre côté, le label de Shir Khan donne sa chance à des nouveaux venus, les Hambourgeois Doctor Dru & Adana Twins, créateurs de Jeudi Records et résidents du club Baalsaal à Berlin.
Et ils volent carrément la vedette à Homework avec deux petits bijoux : "Juicy" et "Supreme". Le premier s’empare du déjà succulent "Juicy Fruit" de Mtume (revisité par Biggie en 1994) pour un lifting slow-disco qui combine congas et kick house tout en jouant avec de courts extraits vocaux de l’original. Le second, au moins aussi bon, utilise le piano d’un titre de Malcolm McLaren sur un beat house également assez lent et agrémenté de synthés deep - l’ambiance peut faire penser à Tensnake ou à Tiger & Woods. La cerise sur le gâteau, c’est la voix du MC qui retentit en fin de morceau et entonne un couplet bien old-school qui met inévitablement le sourire aux lèvres. Pour sa première sortie, Black Jukebox réalise un sans-faute et s'installe d'emblée dans la liste des labels à surveiller de près dans les mois qui viennent.
A noter que les titres de Homework ne sont disponibles que sur la version vinyle éditée à 500 exemplaires.
En bref : le duo Homework continue sur la lancée de ses impeccables derniers EP, mais se fait voler la vedette par les newcomers Doctor Dru & Adana Twins. En tout cas une belle collection d’edits, qui téléporte Lenny Kravitz ou Malcolm McLaren entre disco et deep house.
Cela faisait un petit moment qu'il traînait dans ma bibliothèque. Un petit moment aussi, que je me réécoutais certains titres sans jamais ressentir le besoin de passer au suivant. La paresse… Il faut avouer que ce Brightblack Morning Light inspire à la fainéantise, une propension à l'inertie, comme rarement le rock ne m'en a donné le loisir d'en écouter. Sorti en 2006, ce premier album éponyme avait séduit la critique. C'était à l'époque de la vague freak-folk, des Devendra Banhart, Vetiver, Joanna Newsom et Cie. De ce mouvement musical du "retour à la terre" en lien avec cet esprit folk des années 60', je trouve que les Brightblack Morning Light s'en sortent le mieux.
Activistes et musiciens, le groupe a toujours fuit l'exposition médiatique, préférant la vie au grand air sauvage, allant même à enregistrer leur musique à l'énergie solaire. Nathan Shineywater joue de la guitare slide. Quant à Rachael Hughes, elle préfère les piano Rhodes vintages. Leurs influences ? Allen Ginsberg, l'un des leader de la Beat Génération, Carlos Castaneda, l'anthropologue qui se fait le témoin de son initiation aux rites chamaniques… Voilà pour l'arrière plan. C'est que leur musique indolente agit en trompe l'oeil. Pas désoeuvrés pour autant, ils organisent également les "Quiet Quiet" festivals dans plusieurs localités de Californie et dans lesquels ils invitent les groupes freak-folk précédemment cités.
Dès le premier titre de l'album, "Everybody Daylight", le groupe installe une atmosphère molletonnée et nonchalante. Le son du piano Rhodes a ce quelque chose de lourd et de pesant qui contraste avec le chant éolien de Shineywater. Quelques flûtes lointaines tourbillonnent dans le lointain de ce paysage musical, écrasé par la chaleur et par le rythme blues du morceau. Leur musique évoque la pesanteur des grands espaces américains, avec cette atmosphère étouffante et peu rafraîchissante. Les percussions sont légères et espacées. L'utilisation de cymbales confère à leur musique cette image miroitante de l'oasis perdu en plein désert. Leurs titres semblent d'ailleurs empreints de cette esthétique liée à la culture amérindienne - "Black Feather Wishes Rise" - et de ce mode de la vie "sauvage" en accord avec la nature, dont ils revendiquent les bienfaits.
En bref : trip sous peyotl à la Castaneda, ou ode au farniente, les américains livrent un album en tout point séduisant.
Ecclesiastes 1.11 : "On ne se souvient pas de ce qui est ancien ; et ce qui arrivera dans la suite ne laissera pas de souvenir chez ceux qui vivront plus tard". Rien ne peut mieux illustrer le groupe portugais Wraygunn que cet extrait biblique qu’ils ont choisi pour nommer leur troisième album. Parce que franchement, qui aujourd’hui se souvient encore de Paulo Furtado et sa bande ? Certes en 2005 cet album sorti de nulle part avait fait un peu de bruit, notamment grâce à des reprises publicitaires et un passage à Taratata, mais depuis, à part un maigre Shangri-la en 2007, plus rien. Pourtant en 2005, s’il y avait un album rock inventif de bout en bout, c’était bien celui-là.
The Legendary Tiger Man) et la belle Raquel Ralha qui contribue notamment à faire baisser la tension de temps en temps. Parce que de manière générale, Ecclesiastes 1.11 envoie la purée. "Juice" notamment, est un titre musclé ou guitares et batterie s’en donnent à cœur joie. Tout comme "Drunk or stoned", redoutable d’efficacité grâce à son sample d’opéra, son énergie galopante et ses guitares américanisantes.
L’autre particularité de Wraygunn, c’est de s’inspirer de la culture noire américaine, le gospel essentiellement, pour donner à son rock cette idée de célébration et de communion sans sonner cul béni pour un sous. C’est particulièrement marquant sur des titres à la bonne humeur marquée comme "Keep on prayin" ou le génial et introductif "Soul city", avec orgue, chœurs, scratchs, riffs et discours de Martin Luther King en sus. C’est dansant, imprévisible et surtout incroyablement joyeux.
Inutile de tous vous les citer, mais pas un seul morceau ne jure sur ce disque. Du premier au douzième coup de minuit, c’est excellent de bout en bout. Il y a autant de Rolling Stones que de Blues Explosion, autant de Jack White que de John Spencer. Les arrangements et la production sont exemplaires, jusqu’au solo d’harmonica du "All night long" qui clôt le disque, que l’on relance aussitôt.
En bref : des portugais qui se prennent pour des américains et qui écrasent tout sur leur passage dans un foutoir rock’n’roll gospel décapant à la bonne humeur contagieuse.
Dans la série des albums qui sentent bon l'été et le sable chaud, Way Out There de l'Exodus Quartet mérite d'être cité. Formé par Eric Hilton - on le retrouve également derrière la Thiervy Corporation - et Farid Ali, ce projet fait référence au club mythique l'Exodus, fondé par les deux partenaires à Washington DC. De l'été 91' à l'été 93', les vendredi soirs de l'Exodus font sensation. L'endroit attire une foule diverse, séduite par une programmation peu conventionnelle, que les deux concepteurs se chargent de diffuser. Une réputation dont les Brand New Heavies, le super groupe d'acid jazz anglais des années 90', feront écho.
Surfant sur le succès de son club, Hilton décide de se consacrer à un nouveau projet. Concevoir un enregistrement qui rende hommage à l'atmosphère des nuits dudit club. Il décide alors de s'entourer de musiciens studios, enregistre et produit quatre titres qui se retrouvent sur un premier EP. Il lance par la même sa carrière de compositeur. Quelques années s'écoulent encore avant la sortie de l'album sur Instinct Records. Way Out There explore de nombreuses sonorités comme le funk, la bossa nova, les musiques latines ou encore le reggae. Hilton reste en effet marqué par l'apparition de la scène acid jazz au début des années 80' et par son éclectisme.
Way Out There ne réinvente bien évidemment pas le genre. Pourtant les 14 compositions de l'album reflètent une certaine conception du "cool", un smooth jazz sans prétention, pas aussi lisse qu'il n'y paraît. Les amoureux des orgues Hammond, piano Rhodes et autres sortes de claviers trouveront largement leur compte. Les instrumentations sont aussi nombreuses que riches. Quant à les énumérer toutes… On relèvera cependant la présence d'un certain David Yilvisaker à la co-écriture et production, qui joue au moins d'un instrument sur la quasi totalité des titres. Mais le mieux serait encore de laisser filer l'album et de savourer l'écoute de "Perfect Vibe", de "Taxi Ride", de "Tribute To Mr. Cool" ou de "Trance Jazz", les quelques morceaux choisis de cette session de jam en studio.
En bref : L'invitation au voyage revue par Eric Hilton et son Exodus Quartet. Luxe, calme et volupté.
Lors de l’un de ces derniers concerts de la saison, le St Ex de Bordeaux accueillait le duo de San Diego Crocodiles. Ce fut l’occasion pour nous de les rencontrer et d’échanger à l’issu d’un show caniculaire que l’on n’est pas prêts d’oublier. Une discussion un peu biaisée par la chaleur et les substances, sans queue ni tête, mais qui aura peut-être au moins le mérite de vous pousser à (ré)écouter leurs excellents deux premiers albums.
On vous a vu jouer lors d’un concert caniculaire au St Ex de Bordeaux. Avez-vous apprécié ce show ?
Charles : en effet ce concert était particulièrement chaud! J’avais l’impression d’être un Beatles jouant à la Caverne. Le public était particulièrement proche, ça nous a bien mis dans l’esprit et du coup on a fini à poil.
Brandon : bien-sûr! L’espace d’un instant j’ai eu l’impression d’être plus important que Jésus. Mais j’ai aussi eu l’impression de mourir de chaud.
Avez-vous réussi à échanger du merchandising contre un peu d’herbe comme c’était marqué sur votre pancarte ?
Charles : on a toujours réussi à en échanger quel que soit l’endroit. Les graines se multiplient toujours.
Lequel de vos deux albums préférez-vous ?
Charles : je ne saurais choisir. Ils représentent différentes époques et différents lieux. Summer Of Hate me rappelle lorsque je traversais les Etats-Unis sur la route avec Brandon, soufflant des ronds de fumée et jouant de la musique dans des caves avec personne pour nous voir jouer si ce n’est nos copines. Sleep Forever a été enregistré à Joshua Tree et j’en garde des souvenirs de gigantesques rochers que l’on escaladait habillés en tenue de pluie.
Brandon : je préfère le prochain.
Qui est dans la tombe sur la pochette de Sleep Forever ?
Brandon : notre innocence.
Etes-vous des bad boys ?
Brandon : non nous sommes très gentils.
Etes-vous heureux de vivre à San Diego ?
Brandon : J’habite à New York à présent. Mais San Diego est une super ville, bien que petite. Mais je commençais à m’y ennuyer.
Quels autres groupes de San Diego devons-nous à tout prix écouter avant de mourir ?
Charles : Heavy Hawaii, Plateaus, Raw Moans, Trashy Dudes, Hector Plus One, Zig Zag Wanderers (un groupe de reprises de Captain Beefheart).
Brandon : tous ceux-là plus The Robust Chinchillas, Armpit Stallion, Buzzard Justice and 10 Million Tentacles.
Quelles sont vos frustrations ?
Charles : aujourd’hui, la pluie.
Brandon : je ne vois pas assez souvent les gens que j’aime.
Le nouveau Trail Of Dead ? Arrivé dans les bacs assez tôt dans l'année comme à son habitude, le disque n'a guère défrayé la chronique. Faut-il y voir une lassitude de la part d'un public pourtant peu submergé d'oeuvres marquantes ces temps-ci ? Ou bien l'essoufflement d'un groupe qui semble avoir trouvé sa formule et peine à se renouveler ?
Sans doute un peu des deux.
7ème long format des texans, ce Tao Of The Dead qui trahit toujours plus les origines thaïlandaises de l'insaisissable Conrad Keely, est aussi l'oeuvre la moins aboutie, la plus prévisible des gars d'Austin. Notamment à la réévaluation de The Century of Self (2009), certes pas le meilleur LP du groupe, mais qui offrait au moins l'avantage d'un plaisir d'écoute plus évident sur la durée.
Alors, depuis l'ambitieux quoique décrié So Divided (2006), sa dernière livraison d'importance, on a du mal à cerner l'orientation toujours plus esthétique de AYWKUBTTOD, qui plus que jamais semble être la chose, le projet de son leader Conrad Keely, même si son compère Jason Reece intervient de temps en autre en lead ("Ebb Away"). La pochette -même si un peu trop chargée- est une nouvelle fois parfaite ; et son contenu, véritable livret narratif fait une nouvelle fois la part belle au talent de graphiste de Keely. Dont on peut même repérer le trait de crayon spécifique à chacune des livraisons - il a récemment illustré la couverture d'un groupe ami, où l'on retrouve cette palette monochrome de Bic bleu, omniprésente sur le précédent opus.
On le voit, on parle davantage esthétique que de musique, ce qui n'est pas forcément bon signe. Trail of Dead, tel le groupe prog-rock qu'il est devenu depuis le virage Worlds Apart (2005), usine dans les intros symphoniques parfois étirées, et ne dédaigne pas les coups d'éclat ("Summer of All Dead Souls", "Weight of The Sun"), même si ici ou là, la propension à sonner métal tendrait presque à faire des texans un avatar de Green Day, avec des refrains taillés pour les stades un peu complaisants. Une tendance à conceptualiser l'ensemble un peu paresseuse les conduit aussi à s'auto-citer (le très bon "Pure Radio Cosplay"), freinant l'impression et les envies de nouveauté que l'on est en droit d'attendre.
On gardera émus les souvenirs des fondamentaux Madonna (1999), Source tags And Codes (2002) -à l'époque où Trail Of Dead assumait davantage son héritage indie hardcore, ainsi que de l'excellent So Divided- sans doute la meilleure déclinaison de ses nouvelles orientations musicales. Par ailleurs, l'on restera à l'affût de leurs très rares dates françaises, le live restant le terrain privilégié de ce groupe atypique, en attendant que possibilité nous soit donnée de les jauger comme l'a fait le Boss cette année "à domicile", c'est-à-dire sur l'une des multiples scènes du désormais incontournable SXSW festival.
En bref : un disque en demi-teinte qui pèche sur la durée et n'évite pas certains écueils mainstream. On retiendra quand même le potentiel lyrique intact et l'influence esthétique orientale de Conrad Keely toujours plus affirmée.
Je cherchais depuis longtemps un prétexte pour vous parler de cet artiste plutôt méconnu du grand public. La sortie de cette compilation vient de m'en donner la raison. Les amateurs de techno-ambient connaissent certainement le patronyme de ce producteur multi-facettes. Pour les autres, l'occasion n'est que trop belle pour se familiariser avec l'auteur discret des tracks d'ambient les plus soignés, à mon sens, jamais produits. Si l'on associe généralement son travail à celui de Carl Craig pour son touché techno et à celui de Derrick May pour ses mélodies fragiles et l'utilisation de textures au synthétiseur, John Beltran se démarque pourtant de ce dernier avec un goût plus prononcé pour la world-music, mais également le jazz.
Ambient Selections regroupe principalement ses réalisations des années 1990', en grande majorité piochées parmi ses deux premiers albums, Earth & Nightfall et le magistral Ten Days Of Blue. Exit, donc, les productions plus récentes, sucrées et ensoleillées, telles "Bota Foga" empreint de sonorités latines, présent sur l'album Sun Gypsy, ou encore le suave "Hebe" uniquement sorti sur le deux-titres éponyme. John Beltran fait cependant partie de ceux qui ont l'art de combiner les lignes déliées, les fondus et les nuances harmonieuses à la perfection. Il serait alors totalement vain de reprocher au label néerlandais Delsin, sur lequel sort la compilation - et qui héberge entre autres Redshape ou Delta Funktionen - d'avoir opéré une sélection des titres les plus "techno" du producteur.
On dispose peu d'informations sur le personnage. Inutile, donc, de s'y attarder d'avantage. Le reste n'est que suppositions, un "Collage Of Dreams", comme le suggère le premier titre de la compilation. Le rêve, qui apparait d'ailleurs comme l'une des principales thématiques du producteur. Ses morceaux semblent entourés d'une brume épaisse, ouatée et passagère, de celles que l'on aperçoit tôt le matin et qui disparaissent avec la chaleur du soleil. C'est d'ailleurs le titre d'un autre morceau, "Morning At The Window". Dans ses compositions, Beltran semble se faire le témoin d'une contemplation romantique de la nature. De l'eau, surtout, sous ses formes liquides ou gazeuses, comme l'évoquent à de nombreuses reprises les titres de la compilation. Des images fragiles et éphémères, que l'on retrouve aussi et surtout dans l'utilisation de sonorités limpides et cristallines, liées entre-elles par les larges nappes de synthétiseurs.
En bref : Une rétrospective qui donne un aperçu des premières réalisations ambient de ce producteur génial.
CQ, régulièrement cité comme l'une des merveilles oubliées des 60's, mérite à ce titre d'être classé à proximité de Sell Out ou de S.F Sorrow pour ce qui est de son excellence. Et d'ailleurs, les analogies entre les divins Pretty Things et les Outsiders ne manquent pas : sens imparable de la mélodie, brutalité et méchanceté du son qui renverraient les séminaux Yardbirds au rang d'aimables plaisantins - alors que quand on connaît la réputation de ces derniers live -, les cheveux les plus longs et les plus sales de l'époque etc...Quid de ces Outsiders, à ne surtout pas confondre avec d'autres combos homonymes de l'époque, dont on dénombre au moins deux déclinaisons ?
Ils étaient néerlandais, patrie dont on oublie parfois qu'elle a engendré des groupes formidables qui de Q65 aux Nits, en passant par les Shocking Blue, Golden Earring ; et constituaient la scène Beat hollandaise de la décennie ultime (Q65, Motions, Ekseption).
Rarement panégyriques à la gloire du plus grand groupe que personne ne connaît (enfin, pour les connaisseurs de la période, ils sont incontournables) n'auront été aussi justifiés. CQ est un disque important, emmené par un chanteur immense, le regretté Wally Tax dont le timbre clair et métallique évoque parfois Peter Murphy, sur "Daddy Died On Saturday" particulièrement. Ses inflexions très larges, comptent pour beaucoup dans la réussite du quintette. Ceci ajouté à la qualité des chansons n'usurpe donc en rien son titre officieux de plus-grand-groupe-des-60's-non-anglais-américain-ou-australien.
Testament du groupe, il n'est que le deuxième long format après un premier effort éponyme mi-live mi-studio qui les voit prisonniers d'une nacelle, disque inclassable s'il en est car oscillant entre le garage le plus vindicatif ("Misfit", "Doctor", "The Man On The Dune"), et le psychédélisme le plus échevelé, le plus hébété ("Zsarrahh", "CQ"), CQ est donc une oeuvre hors des sentiers battus, car reposant sur des styles, des rythmes très différents.
"Misfit" tribal, rue dans les brancards à la manière des plus belles déflagrations Beat-aux groupes précités, l'on pourrait ajouter les Shamrocks, les Easybeats... "CQ" apparaît comme la grande tournerie psychédélique et chaotique dans laquelle Wally n'a de cesse de s'enquérir qui est à l'autre bout du fil, pas de véritable mélodie, juste un ressac lancinant de larsens à devenir dingue - d'ailleurs et suivant la durée de prononciation de la voyelle, l'auditeur pourra interpréter à sa guise le titre énigmatique. Sick You ? Seek You ? Plutôt la deuxième solution, d’un point de vue phonétique.
"Daddy Died On Saturday' est la terrifiante histoire de meurtre perpétré par un homme jaloux et sur une descente d'accords irrésistible, où la voix grave et métallique de Wally fait mouche. Alternant intelligemment morceaux courts ("It Seems Like Nothing's Gonna Come My Way Today", "Wish You Were Here With Me Today", "The Bear", évoquant les ruades speedées des Electric Prunes) comme Big Star savait si bien le faire, et les tourneries infernales, qu'elles soient d'obédience psychotrope ("Szarrahh", CQ") redoutablement R&B ("Happyville" et son tuant riff d'harmonica), ou encore mélodies à tiroir ("Prison Song" ou l'épiphanie d'un condamné racontée en un peu moins de 6') les chansons, toutes des créations originales reposent sur un dénominateur commun : la qualité de leur interprétation.
Car les Outsiders, et ça n'était pas forcément écrit, étaient d'excellents musiciens - voir les lignes de basses tournantes et obsédantes, les très discrètes pédales d'effets et couches d'orgue (quasi inaudible) qui savent se fondre sous les coups de boutoir d'une rythmique harassante. Les mids-tempos abondent et se marient admirablement avec la sauvagerie des thèmes les plus garage -"I Love You N°2" et ses accords flirtant avec le jazz, "You're Everything On Earth" et ses délicats entrelacs de guitare. Magnifique.
Une fois dissous le groupe, Wally Tax a poursuivi une carrière solo qui n'est pas restée dans les mémoires, mais son groupe et lui-même demeurent les héros absolus de nombre d'aficionados de la décennie flamboyante ; l'on dit d'ailleurs que Kurt Cobain (qui avait beaucoup d'idoles en même temps), ne jurait que par eux.
Terminons en disant que ce disque, initialement écoulé à quelque 500 exemplaires par Polydor, est devenu un collector. Heureusement, abondamment réédité et enrichi inédits -notamment sous le label Pseudonym-, cette oeuvre majeure est ainsi disponible au plus grand nombre, et se doit de figurer dans les meilleures discothèques.
En bref : l'un des 10 meilleurs albums des 60's, à hisser tout là-haut auprès des SF Sorrow ou autres Sell Out. C'est dit. A (re)découvrir d'urgence ; les mods et pas seulement, en ont pleuré leur mère.
