En ces temps glorieux où musique "indé" signifie moyen/gros label capitaliste non affilié à une major, et qui fournit gratos en pédales d'effets une armée de petits blancs qui n'ont d'autre perspective musicale que le cahier des charges "pop psyché", parlons de .... musique. "La vie et la mort sont les seuls critères valables en musique" dit Steve Lacy. Traduction : soit tu te fais chier à écouter un truc éventuellement bien fait mais sans vie, formaté et prévisible, soit tu écoutes une musique-événement, La Vie. Bref, tout ça pour vous parler du Blues." Quoi ? It's played !". Ben justement une musique vivante, n'est pas nécessairement une avant-garde dans l'avant garde, mais simplement un acte de création authentique, où il se passe quelque chose, y compris à l'intérieur d'un genre bien installé, avec mesure à quatre temps, système tonal pépère, rien d'extravagant. De ce point de vue rien n'est plus déterminant que l'écoute des musiques improvisées quand elles s'inscrivent dans un genre, ici le blues.
Pas plus docteur que vous et moi, Malcolm John Mac Rebennack de son vrai nom fait pourtant partie de la légende. Celle de la Nouvelle Orléans plus exactement, mais aussi celle du bayou, du vaudou et du blues rock. On lui doit entre dizaines d’autres le fameux album Gris Gris de 1968 et sa pochette déjà bien estampillée. Rappelé au micro et au piano (Farfisa) par le désormais incontournable Dan Auerbach, le serpent des marécages parait plus en forme que jamais, servi par des musiciens triés sur le volet.
Je vous vois déjà. C’est quoi ce truc ? Ca sent la grosse production et la récupération commerciale. Même déesse Nova a choisi "I’m so sorry" et la passe en boucle depuis des mois. Il y a aussi ceux qui ressortent la même rengaine avant même d’avoir écouté : "le premier album était mieux". D’autres qui pensent que des freluquets en culotte courte et banane 50’s sur la tête ça ne sera pas leur truc. A tous je n’ai qu’une chose à dire : écoutez ce disque. Une fois. Deux fois. Trois fois. Et tous, hommes, femmes, vieux, punks, hipsters, le disquaire du coin ou votre grand-mère, seront accros à ce Smoking In Heaven, disque transgenre de l’année.
Les morceaux s’étirent et laissent parler les instruments chez Kitty, Daisy & Lewis. Il y a clairement une grande maîtrise des instruments, une joie énorme de jouer ensembles, et derrière un son peaufiné aux petits ognons par Papa, qui non content d’enrober le tout, invite dans le studio quelques grand noms du genre, aux cuivres notamment. Et puis "I’m going back" ou le swing incarné. Des breaks, des soli, des parties instrumentales, cette musique est riche. Derrière on a du boogie, et pourtant le disque continue d’être on ne peut plus homogène. "Messing with my life", et un tube de plus. Et puis "What quid ?" longue plage instru qui semble reprendre le "John Lee Hooker" de Johnny Rivers. Et puis merde, il n’y a de toute façon que des tubes sur ce disque, à quoi bon vous les énumérer quand il suffit de l’écouter pour en être convaincu. Bravo !
C'est la pochette qui a tout d'abord attiré mon attention. Un œil stylisé sur un fond terne, que tranche un étrange motif aux couleurs vives. L'unique album du musicien américain, dont la carrière débute dans le Michigan au début des années 60 et continue jusqu'à sa mort en 1992, a de quoi intriguer. Unique, tout comme le parcours de ce personnage, qui ne semble répondre à aucune logique. Ted Lucas serait tombé dans l'anonymat le plus total si le label Yoga Record et Sebastian Speaks n'avaient pas eu conjointement l'idée lumineuse de rééditer, l'année dernière, cette pièce rare, et d'ajouter 3 prises qui n'apparaissaient pas sur l'édition originale.
Si l'on cite également sa participation dans diverse groupes de Detroit plus ou moins obscurs des années 60'-70' - The Misty Wizards, Horny Toads, The Androids, etc -, c'est cet unique enregistrement éponyme, surnommé par sa famille et ses amis "The Om Record", en référence au label personnel de Lucas, que l'on retient. Situé dans la lignée folk ouverte par Bob Dylan, Nick Drake ou Joni Mitchell, Ted Lucas livre un album très équilibré, qui mélange à la fois mélancolie et espoir, avec des textes introspectifs, sur les plaisirs et l'amertume quotidienne.
Ecclesiastes 1.11 : "On ne se souvient pas de ce qui est ancien ; et ce qui arrivera dans la suite ne laissera pas de souvenir chez ceux qui vivront plus tard". Rien ne peut mieux illustrer le groupe portugais Wraygunn que cet extrait biblique qu’ils ont choisi pour nommer leur troisième album. Parce que franchement, qui aujourd’hui se souvient encore de Paulo Furtado et sa bande ? Certes en 2005 cet album sorti de nulle part avait fait un peu de bruit, notamment grâce à des reprises publicitaires et un passage à Taratata, mais depuis, à part un maigre Shangri-la en 2007, plus rien. Pourtant en 2005, s’il y avait un album rock inventif de bout en bout, c’était bien celui-là.
Inutile de tous vous les citer, mais pas un seul morceau ne jure sur ce disque. Du premier au douzième coup de minuit, c’est excellent de bout en bout. Il y a autant de Rolling Stones que de Blues Explosion, autant de Jack White que de John Spencer. Les arrangements et la production sont exemplaires, jusqu’au solo d’harmonica du "All night long" qui clôt le disque, que l’on relance aussitôt.
Certaines de ses chansons, interprétées par d’autres, sont devenues de grands classiques, pourtant le nom de Fred Neil ne revient pas souvent quand il s’agit de citer les grands songwriters des années 1960. Et pour cause. Il aura fallu attendre presque trente ans pour que sa musique soit rééditée, en 1998. Trente années d’un oubli totalement incompréhensible pour ce crooner folk dont la splendide voix de baryton évoque un lointain ancêtre de Bill Callahan ou de Stuart Staples. Ce n’est qu’à la sortie de cette double compilation que le musicien fut redécouvert. A l’exception de son premier effort, Bleecker & Macdougal, l’objet regroupe à peu près toutes ses œuvres solo, à savoir l’ensemble de ses enregistrements pour Capitol : son album éponyme, les Sessions de 1967, un live et quelques inédits.
13 songs of whiskey and light, voilà qui qualifie bien le contenu de cet excellent disque d'Eamon Mc Grath. On oscille en effet ici entre mélancolie due à l'absorption massive de ce breuvage, intensité rock'n'roll enthousiasmante et envolées lumineuses et finalement, c'est tout un pan du rock'n'roll qui nous est dévoilé, dans le sens ou le ressortissant d'Edmonton pratique celui-ci à diverses sauces et ce, sans la moindre faute de goût.
Iggy Pop et Michel Houellebecq réunis pour un disque. Belle affiche. Pour ma part, je n’aurais pu trouver rencontre plus alléchante et intrigante. Que pouvait donc bien donner l’association – aussi inattendue qu’excitante – du mythique iguane et de l’écrivain français ? Quid d’un album annoncé sous influence de La possibilité d’une île, dernier roman en date de notre libidineux littérateur ?
Tout commence en 2007 avec ce Ash Wednesday sorti de nulle part. Elvis à la manière de Eels vient de subir deux drames familiaux coup sur coup. Sa mère était dans l’un des avions heurtant les tours. Son père (Anthony de Psycho) est emporté par le SIDA. Dur. Le disque est d’ailleurs scindé en deux parties autour du titre éponyme aux cordes larmoyantes, avant et après le drame. On s’en doute, comment aurait-il pu en être autrement, il y a de la mélancolie universelle dans chaque chanson, mais surtout un malheur transcendé par la simplicité des ponts et l’efficacité des refrains accouchant d’au moins sept titres sur onze à ranger au panthéon du genre.
Et puis cette année, Elvis est de retour. Renaissant de ses cendres et musclant ses compositions, il nous livre un deuxième album inespéré de folk ancestral au tempo plus rapide que son prédécesseur. Le Zim n’est plus le seul inspirateur, on pense désormais à Woody Guthrie, mais aussi à Léonard Cohen, Paul Simon et encore NMH sur les parties les plus festives, ce "Doomsday" tout en cuivres à l’énergie monumentale qui lui aussi porte un parfum d’Okkervil River. Des cuivres qui sont désormais au centre des arrangements lumineux de la bande, drapant d’heureuses folk songs d’une couche de jazz bancal.
J'use parfois de l'adjectif « noble » avec un peu trop de hâte, happé par l'ivresse de quelques mélodies profondes, déposant aussitôt sa marque sur le front de mes élus immédiats. Mais qui, avec raison et mesure, pourrait mieux mériter ce qualificatif que ce seigneur de la musique folk qu'est Bill Callahan ? L'Américain, actif depuis une vingtaine d'années et connu sous le nom de Smog pour ses épures mélancoliques et brumeuses – je pense en particulier au sublime A river ain't too much to love – ne devrait plus être à présenter tant son génie est éclatant. Son second album signé sous son propre patronyme en est une nouvelle preuve irréfutable, simplement éblouissante.
Sur Sometimes I wish we were an eagle, on passe successivement de l'ombre à la lumière, de la vie à la mort, des errements à la cavalcade, constamment couvé et rassuré par la voix chaude du chanteur du Maryland. Loin d'être linéraire, le disque ménage habilement ses moments de dépression puis de rémission, alternant à merveille temps forts et temps faibles comme on pourrait le dire en jargon rugbystique. De la balade solennelle « Too many birds » à la vigoureuse et dynamique « My friend », en passant par la brume macabre de « Invocation of ratiocination » et ses spectres vocaux. Les arrangements des titres sont tous littéralement à tomber par terre et laisse à chaque instant béat devant tant de pureté et de classe. De noblesse, oserais-je dire.
Un des sommets du disque est atteint avec le titre au nom prémonitoire « All thoughts are prey to some beast ». Grandiose voire grandiloquente, trépidante et majestueuse, sont des termes appropriés pour qualifier cette chevauchée courageuse et orageuse à laquelle se livre Bill Callahan. Les percussions claquent crûment et nous mettent en selle sans sommation, bravement nous avalons la distance sous les éclairs de violon et le tonnerre de quelques notes de guitare saturée. En deus ex machina, le chanteur joue sur ses moments d'absence et laisse longuement les instruments s'envoler, presque hors contrôle, surgissant ensuite pour quelques imprécations. Le souffle coupé, Bill ne nous lâche pas pour autant et nous tire ensuite lentement vers l'abyme avec « Invocation of ratiocination », court interlude sombre et ambiant, véritable ovni de l'album. Le mouvement s'achève sur une rédemption avec « Faith/void », dans le calme et la sérénité, doucement réchauffé par la voix radieuse et bienveillante du folksinger. Heureux et sauvé, il est grand temps pour nous de déposer les armes... et les couronnes de lauriers aux pieds de notre héros.
En bref : Héroïque et fragile, égarée et apaisée, une nouvelle grande œuvre d'un très très grand Monsieur de la chanson américaine, conjuguant merveilleusement envolées symphoniques et pureté folk. Impossible à ignorer.
Le myspace de Bill Callahan
All thoughts are prey to some beast.mp3
"Jim Cain", premier titre de l'album, en live chez un petit disquaire de Colombus, Ohio :
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