31 octobre 2008

Black Science Orchestra - Walter’s Room (1996/2008)

Nickx vous a déjà parlé avec justesse de Rude System des Ballistic Brothers, et comme à Dodb on aime énormément l’électro anglaise des 90’s, je ne me prive pas de vous faire part de la réédition (datée du 27 octobre) de cet autre bijou de l’époque signé Black Science Orchestra. Derrière ce pseudo à la Sun Ra se cache Ashley Beedle, également fiché pour ses projets X Press 2, Black Jazz Chronicles ou... Ballistic Brothers. Oui madame. Enregistré avant le premier forfait des frères d’armes (London Hooligan Soul), l'album n’est finalement paru qu’un an après, suite à des problèmes d’autorisation pour les samples.

Ainsi nommé en hommage à l’un des pionniers de l’extended mix disco, Walter Gibbons, Walter's Room a fait date pour son mélange inédit de house et de rare grooves, opérant une sorte de fusion entre François K, John Coltrane et le Salsoul Orchestra. En piochant dans le hard-bop, le garage et les standards de Philadelphie, Beedle et ses comparses inventent tout bonnement ce que des critiques en mal de reconnaissance nommeront “future jazz” ou “nu house” dans les années qui suivront. Alternance de plages downtempo d’une exquise suavité et de beats à 120 bpm garnis de lignes de basses pimpantes et de cuivres, ce premier et unique opus du BSO a pavé la route à une cohorte d’orfèvres soulful dans le monde entier. La plupart des titres, semblables à des Romanée Conti, ont merveilleusement vieilli, à l’image de l’édénique “Bless The Darkness” ou de “New Jersey Deep”, un fantastique track dancefloor parsemé d’envolées de guitares à la Shuggie Otis. La finesse des orchestrations, mêlant samples et “vrais instruments”, s’apprécie d’ailleurs sous un jour nouveau en ces temps de revival disco.

A l’époque, Ashley Beedle était l’un des seuls en Europe, avec peut-être ses compatriotes de Faze Action, à posséder la formule alchimique de ce son électro chaud et dynamique que trustaient les New Yorkais et Chicagoans. Débutant sa carrière de DJ à la fin des années 1980, en pleine folie acid, notre homme s’ouvre au disco sous l’influence de Norman Jay, dont il écoute les shows sur la radio pirate Kiss FM. Originaire des Barbades, il est par ailleurs très sensible au reggae et à l’afrobeat, dont sont teintés nombre de ses travaux. En 1990, il fonde le Black Science Orchestra avec de vieux potes, Rob Mello et John Howard. Le trio se fait connaître grâce à une paire de tubes qui apportent une belle exposition à la scène house britannique, alors embryonnaire. A la sortie de Walter’s Room, le line-up a changé, Ashley étant dès lors accompagné de Marc Woolford et de la claviériste Uschi Classen.

C’est toute cette évolution que Junior Boy’s Own propose de suivre grâce à un disque bonus regroupant leurs premières productions, des inédits, et quelques remixes rares qui croupissaient depuis bien longtemps dans les “wishlists” des utilisateurs de Discogs. Citons à titre indicatif “Where were you”, remix des Trammps et première prod du BSO, plébiscitée par le “Godfather of House” Frankie Knuckles en personne. Ou le déluge de trompette et de flûte du remix d’Heller et Farley. Mais à quoi bon s’étendre davantage ? Les mp3 ci-dessous devraient achever de vous convaincre (màj: du moins s'y j'arrive à les faire fonctionner...).

En bref : Epluchez donc la discographie d’Ashley Beedle et essayez de me dénicher une merde. Impossible ! Des Ballistic Brothers au BSO, tout ce qu’a pu toucher le Britannique s’est transformé en or. Walter’s Room, ici luxueusement réédité, est encore un classique house mâtiné de jazz et de disco. Une classe folle, cet Ashley !




Bless the Darkness

New Jersey Deep

A noter : Le Volume 2 d’une série de compilations retraçant l’épopée de Junior Boy’s Own, maison fondée par Andrew Weatherhall et Terry Farley, est également paru il y a peu. L'occasion de redécouvrir le plus important label londonien des 90’s, qui signa les premiers Underworld et Chemical Brothers.

A lire aussi : Ballistic Brothers - Rude System (1997)

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David Rubato - Circuit EP (2007)

A 15 ans, David Rubato envoie une lettre à Laurent Garnier pour lui demander à quoi sert un TB 303, le célèbre séquenceur produit par la société Roland en 1982-1983 et exploité notamment par les pères fondateurs de la house de Chicago pour ses sonorités acides (« Acid Trax » de Phuture...). Manifestement, depuis, le garçon a bien grandi et parfaitement compris comment se débrouiller avec ses machines électroniques. Auteur d'un bon nombre de remixes et membre de l'écurie Institubes de Teki Latex (TTC), ce jeune parisien a signé en 2007 son véritable second maxi, Circuit, une track électro toute en puissance et en groove, sculptée pour déchiqueter le dancefloor.


« Circuit » a été écrite d'une seule traite puis aussitôt captée en live. A partir de cet enregistrement, où l'on peut percevoir nettement la rumeur de la foule, David Rubato a concocté deux versions de son morceau, un edit compact (face A) et une mouture plus longue « extended live take » (face B). Sous ses atours brutaux et linéaires, le titre se révèle un pur concentré d'énergie électronique. Son thème rebondissant et entraînant, souligné par le martèlement d'une ligne de basses infatigable, agit comme une lame de fond et met le corps en émoi. Les boucles lascinantes de Rubato, son « circuit musical » en quelques sortes, sont un abîme dans lequel on sombre avec délectation. On se lève, on oublie les voisins et on pousse le volume. La composition n'est certes pas luxuriante mais d'une efficacité implacable. David Rubato propose un maxi techno-house grisant, un disque que l'on a envie d'user jusqu'à la corde, sans modération. Et je ne vois pas de raison de se refuser un plaisir si facile.


A noter qu'un maxi de remixes de “Circuit” est sorti, sous le titre Circuit, lap 2. Dj Mehdi, Siriusmo, Aeroplane et Steve Moore sont à l'ouvrage sur cette nouvelle production Institubes.


Le myspace de David Rubato

Le site web d'Institubes


En bref : De la dynamite électronique, énergisante et accessible, à consommer jusqu'à saturation.




A lire aussi : rubrique électro
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Carl Craig à la Cité de la Musique - Concert dispo en streaming

L’information a déjà été relayée par nos amis de Good Karma et par nombre d’autres confrères blogueurs, mais qu’importe, je vous la signale juste par cette brève bafouille. Tout juste inauguré, le site Grand Crew fait monter le buzz en diffusant en streaming, et dans une excellente qualité, l’intégralité du concert exceptionnel de Carl Craig à la Cité de la Musique le 18 octobre dernier. Le producteur de Detroit y performait aux côtés de Moritz Von Oswald, Francesco Tristano et de l’orchestre Les Siècles. Si comme nous vous avez raté cet événement rare, entre techno et musique contemporaine, voici le moyen idéal de vous rattraper.

Voir l'intégralité du concert
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Guillaume & The Coutu Dumonts - I Was On My Way To Hell (2008)

Si remède il y avait contre la crise, le dernier Guillaume & The Coutu Dumonts semblerait tout indiqué. Et si je coupe l’herbe sous les pieds de Dave dont la précédente chronique m’avait fait découvrir l’intéressé, le fleuron de la scène montréalaise vaut encore bien d’être cité. Celui dont on connaissait les cheminements micro house, nous donne encore l’occasion de nous évader dans d'enivrantes vapeurs électroniques. Son dernier EP, I Was On My Way To Hell, une injection de morphine au plus bas de la dépression, est le nouveau cocktail concocté chez Circus, qui abritait déjà le malicieux Petits djinns.

La nonchalance jazz en moins, les deux titres de l’EP s’opposent autant qu’ils se complètent. "I Was On My Way To Hell", le morceau éponyme, s’investit dans une strate dantesque de la house et du prêche casuistique. Porté par les mots du feu Révérend Joe Huges, membre de l’Eglise Baptiste de Macédoine d’une petite bourgade du nord de la Géorgie (USA), la conversion des rythmiques impétueuses au chant du prêcheur est une franche réussite. Tribal, capiteux, GCD, invoque la house soulful façon Dennis Ferrer, illuminée du discours religieux - éclairé. "Can’t Argue With Silence", quant à lui, se trouve être le pendant de la précédente orgie. Le beat monomane mais entraînant, est à peine émaillé de cordes orientales. Sobriété du lendemain. Le contraste marqué des deux titres ne permet plus alors de douter des capacités du Québécois, qui, à s’imposer de telles contraintes, se réalise remarquablement sur différents tableaux.




Le titre "I Was On My Way To Hell" est en écoute sur son MySpace.

A lire aussi : Guillaume & the Coutu Dumonts - Petits djinns (2007)
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30 octobre 2008

Headless heroes avec Alela Diane

Un billet dédié aux amateurs de la voix déchirante et racée d'Alela Diane. En attendant le nouvel album de la jeune Californienne, prévu pour janvier prochain, la demoiselle est au centre du projet « Headless heroes », imaginé par les deux producteurs ricains Eddie Bezalel et Hugo Nicolson. Pour ce disque, qui inaugure une série et s'intitule The silence of love (beurk), la chanteuse reprend une dizaine de titres sélectionnés, il faut le reconnaître, avec un goût certain, du folk de Jackson C. Frank (« Blues run the game ») au dark blues du Caveman - Nick Cave - (« Nobody's baby now ») en passant par Jesus and the Mary Chain (« Just like honey »).


En préécoute graduelle sur le site web du label Fargo (un titre supplémentaire par semaine jusqu'à la sortie du disque), cette compilation à une voix révèle quelques mets subtils. Histoire de nous laisser de nouveau baba devant la maîtrise vocale de la native de Nevada City (quelle drôle de ville quand même, berceau de talents folk). Cinq plages sont pour l'heure accessibles, je vous invite donc à aller écouter « Just like honey », en particulier, au détour d'une de vos glandouilles sur le net.


The silence of love est programmé pour le 4 novembre. Le prochain album d'Alela Diane, pour janvier 2009.


Le site web de Fargo, celui du projet « Headless heroes », ainsi que le myspace d'Alela Diane.


A lire aussi : Alela Diane - The pirate's gospel (2007) et Alela Diane en concert (Laiterie de Strasbourg)



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29 octobre 2008

Koudlam - Live at Teotihuacán (2008)

Ma platine vinyle est à deux doigts de déposer plainte pour harcèlement moral. Et pour cause, combien de fois lui ai-je déjà imposé la lecture de cet étonnant album de Koudlam. Je ne saurais l'estimer, je crois frôler la névrose et le tennis-elbow (à force de retourner le 33 tours). Mais que vous dire ? Ce disque est une pure pépite, encore une de ces galettes hors du temps, hors des modes. Coupable d'un travail de composition génial, Koudlam enfante une grande symphonie pop, à la fois viscérale et planante. Tout cela, il me semble, dans le plus profond anonymat...


Koudlam est un jeune homme de 28 ans, né à Abidjan de parents français. Francilien de résidence, le garçon, encore mineur, est initié à la musique électronique par des pionniers de la « scène » rave hexagonale. Il arpente les fêtes acides puis pose lui-même ses sets. « Pour garder le contact avec la discipline », selon ses mots, il s'inscrit à la fac et en ressort avec un master d'Histoire de l'art. Cet intermède estudiantin jugé clos, Koudlam se consacre alors totalement à la musique et scotche des heures durant l'écran de son ordinateur personnel. En 2006, il accouche d'un premier album autoproduit et introuvable, Nowhere, et commence à tourner dans la capitale.

Sa rencontre avec l'artiste parisien Cyprien Gaillard est décisive. Cet acteur du land art, diplômé de la Haute école d'arts appliqués de Lausanne, invite le musicien à composer la bande originale de son film-opéra « Desniansky Raion ». Le projet est récompensé à la Foire de Bâle en 2007 et intensément plébiscité par la critique. Koudlam parcourt alors l'Europe et joue sa partition sous forme de performance. Un début de gloire...


Moins d'un an plus tard, et avec flair, Romain Turzi et Arthur Peschaud signent le mecton sur leur label nouveau-né Pan European Recording, déjà responsable de l'excellente compilation psyché Voyage. Ils livrent ensemble Live at Teotihuacán, combinaison de nouvelles compositions et d'une partie de la BO de « Desniansky Raion ».

Il y a évidemment du Tangerine Dream chez Koudlam et tout ce que le rock progressif a fait de mieux dans les années 70. Mais il y a également l'héritage d'un enfant de la techno, associée à cette incroyable capacité à créer des ambiances, d'un tableau l'autre sans heurt. De séquences techno déchirées par des chants désespérés (« See you all ») à de soyeux interludes de pop électronique (« Eagles of Africa »). La palette de Koudlam est ample (les magnifiques simili-violons de « See you all ») et sa composition, très cinématographique, touchante. Le lascard fait un bel usage des nappes de synthétiseurs, confectionnant ses atmosphères avec minutie et tissant ainsi sa mystique symphonie. Cette musique viscérale il la nomme « heroic world music » et l'expression me sied bien. Il ajoute « de la pop pas faite pour cent personnes mais pour des millions », voilà mon seul souhait. Tout simplement le plus beau disque porté à mes oreilles récemment.


L'intégralité de l'album de Koudlam, dont les deux titres majeurs « See you all » et « The Great Empire » extraits de la BO de « Deniansky Raion », est en écoute sur sa page myspace.


En bref : Une symphonie magistrale aux paysages sonores étourdissants. La pop électronique écorchée et épique de Koudlam, son « heroic world music », bouleverse. A la rencontre du rock, de l'électro, de l'opéra, une pièce sublime.





Un extrait de "Deniansky Raion" de Cyprien Gaillard, mis en musique par Koudlam :



A lire aussi : Voyage - Facing the history of french modern psychedelic music (2008)



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27 octobre 2008

Ui - Sidelong (1995)

Sous cette sympathique illustration de poupées "vaudou" façon premier Gun Club ou deuxième Violent Femmes se cache l'un des combos US les plus intrigants de la seconde moitié des 90's !

Petit rappel, en ces temps finalement troublés où beaucoup de choses intéressantes mais également de courants foireux et morts-nés façon trip-hop et grunge sont apparus, un autre genre musical, instrumental celui-là, fit florès, j'ai nommé ce courant nommé paresseusement "post-rock", et qui, jusqu'à la naissance des ineptes étiquettes de "stoner" ou (mieux) d'"anti-folk" (?) pouvait prétendre à la terminologie rock la plus débile qui soit !

C'est à Chicago donc, entre autres, qu'un trio laborantin se proposa de recréer les sonorités avant-gardistes des pionniers Liquid Liquid des 80's, où funk, dub et noise seraient concassés de la manière la plus cool possible. A cette époque, et au sein d'une scène incestueuse (comme toutes les scènes !) se côtoient aux confins d'icelle, le shoegazing lo-fi d'un Slint -plus proche des préoccupations bruitistes d'un Sonic Youth, il est vrai, l'ambient jazzy parfois bas du front d'un Tortoise, et éventuellement le swing plus souple de Morphine.

C'est sans doute à un crossover de ces deux derniers groupes qui connurent leur petit succès indé en leur temps, que se reconnait la musique des orfèvres de Ui ; comme les premiers, ils partagent les atmosphères cotonneuses, cinématographiques d'une froideur toute urbaine et contemplative. Tandis qu'aux seconds, les lie ce sens du rythme syncopé drivé par un télescopage de basses et de batteries parfois tribales, que viennent parfois contrarier quelques notes de guitare ou un riff de sax !

Ce premier album, le premier d'une série de quatre (le groupe a splitté en 2003) est de loin le plus achevé et le plus fascinant ! Sacha Frere-Jones tire de sa basse (l'instrument moteur de Ui) d'envoutants motifs tantôt funky tantôt jazz !

"August Song" commence comme une mélopée désenchantée, rythmée mais monocorde qui donne à découvrir l'atmosphère blafarde du disque. "The Long Egg" poursuit sur cette voie paranoïaque mais cette fois ci ne feint pas l'agressivité en ruant dans les brancards. Sur "Sexy Photograph" et ses percus tribales s'élève les psalmodies hurlantes d'un Frere-Jones possédé - et ici toute idée, même lointaine, de mélodie est absente !

On ne va pas revenir sur les sempiternelles tables de la loi new wave, mais il est certain que les fantômes de PIL , Ruts ou Basement 5, sont évidentes à l'écoute de Sidelong.
Juste après la languide "Top Requests", ma préférée -qui a sans doute traumatisé les Mogwai- c'est un bizarroïde et glaçant "Golden Child" qui vient entrer en collision dans ce bel édifice post-rock (eh oui, une terminologie, encore une !), avec à nouveau la voix déformée façon Munch de Frere-Jones.

La face B, puisqu'il s'agit là encore d'un bon vieux vinyle et que l'on n'imagine pas une écoute exhaustive de ce disque sans une petite pause rasserénante, s'ouvre sur un nouvel instru jazz assez enlevé ("The Piano") sur lequel viennent se heurter à nouveau deux instrumentaux de dub diaphanes, "Painted Hill" et "Drive Towards The Smoke", empreints d'un son ouaté comme pour mieux se protéger, la main sur les oreilles, de l'agressivité des sons urbains.

"Johnny", curieuse boucle sur deux accords de guitare et rythmée de claves, achève ce disque curieux, abrupt et inclassable, et à bien des égards fascinant, que votre serviteur a écouté en boucle des années durant.

En bref : Peut-être la pierre angulaire de ce genre qu'on appela autrefois post-rock, que l'on pourrait assimiler à certaines pièces krautrock de Can ; un disque urbain, froid qui rappelle les grandes heures de la new wave instrumentale.
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le site de Sacha Frere-Jones

une reprise saisissante du "Out" de Liquid Liquid en concert.

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R.E.M. - Murmur (1983)

1983, année fatidique pour nombre de nos babyloniens mais également tournant radical dans la musique indé américaine. Alors que la mode est aux synthés et aux rythmiques discos, quatre bouseux du sud font l’école buissonnière et planchent sur le successeur de Chronic Town leur premier mini Lp encore ultra confidentiel en ce temps là. Réfugiés chez IRS, ils choisissent le duo Mitch Easter et Don Dixon pour produire et enregistrer ce premier douze titres censé faire découvrir le son R.E.M. à la planète. Elu album de l’année par de nombreux classements, Murmur fait partie de ces albums intemporels, qui souffle d’ailleurs ces jours ci ses 25 bougies, et qui n’a pas vieilli d’un sillon.

Le groupe encore débutant apprend sur lui-même à chaque instant et livre un disque agité désireux de vivre d’autres expériences. Mike Mills et Bill Perry sont responsables à eux deux des aspects les plus innovants de la machine R.E.M. : la section rythmique sèche comme un coup de trique et les harmonies vocales très pop. Ajoutez à cela les guitares 12 cordes arpégées (Vivent les Byrds !) de Peter Buck et le chant cassé et traînant de l’inimitable Michaël Stipe et vous obtenez des ballades mi électriques mi acoustiques aux nuances infinies, au son dense et intelligent.

Pour un premier album les classiques ne manquent pas. "Radio free Europe", l’un des tous premiers morceaux du groupe, "Pilgrimage", "9-9", "Moral kiosk", autant de titres qui ne vous disent peut-être pas grand-chose mais qui ont fait de R.E.M. le groupe fétiche d’une jeunesse alternative dans l’Amérique de Reagan. Murmur, ne correspondant à aucun morceau de l’album, évoquant d’avantage le style marmonnant du mystique Stipe ou ce lichen (Kudzu) qui recouvre l’un des ponts d’Athens sous cette brume impénétrable. En retrait et constamment indistinct dans ses textes, Stipe remplit ses paroles de significations personnelles obscures qui construiront peu à peu sa légende. Une sorte de compassion envers l’auditeur qui rend ce disque discret et intimiste mais surtout profondément mystérieux et cohérent. Une pierre angulaire dans la marre aux canards.

En bref : Il y a 25 ans et bien avant de perdre leur religion, quatre étudiants anti MTV modèlent avec classe un premier album annonciateur de changements musicaux profonds.
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Le site officiel et le Myspace

A lire aussi : Violent Femmes - St (1983)

"Moral kiosk" :


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23 octobre 2008

TV On The Radio - Dear Science (2008)

Il est impressionnant de voir comment la sortie de ce disque s’est propagée comme une traînée de poudre dans la presse spécialisée ce mois dernier. Largement attendu, largement chroniqué, nul webzine digne de ce nom peut se dispenser de son mot sur la dernière production David Sitek. Sur le sujet je n’apporterai rien de neuf, si ce n’est l’avis d’un humble babylonien parmi tant d’autres. Avis pour le moins intéressant qu’il émane de l’un qui eut un peu de mal à rentrer dans les précédents, je prends mon souffle, Desperate, youth, blood thirsty babes et Return to cookie mountain alors que Nickx et HIP HOP s’étaient déjà exprimés sur le sujet. Et pourtant là, force est de constater que je me rallie à 90 % de ce qui s’est dit. Ce disque est magistral !

Chaque titre, unique, convainc dès la première écoute. Un peu comme s’ils s’étaient assagis et étaient devenus plus abordables, plus pop en somme. C’est le reproche que leur font les 10 % manquant au consensus critique. Mais non, tout est maîtrisé sans être surfait, sorte de disque de musique noire post Amnesiac fantastique. Et si la beauté des textes politiques ne m’atteint guère, je ne peux que m’incliner devant tant de créativité et de cohérence. Entre les premières notes de "Halfway home" au final tonitruant de "Lover’s day" (Après "I was a lover"), on trouve neuf autres pépites, où le chant sublime de Tunde Adebimpe prouve sa juste valeur à chaque instant. On remarque également une forte propension au funk de Prince dans plusieurs morceaux que sont "Crying", le tubesque "Golden age" et "Red dress". Un écrin de choix pour "Family tree", autre exploit de ce disque, sous forme de douce intro au piano suivie d’une magnifique ballade nostalgique pleine de délicatesse. Ici la fureur ne nous manque pas.

Il faudrait aussi mentionner le flow hip hop saxo sur "Dancing shoes" ou les Houhouhou de "Love dog", et enfin s’émerveiller sur l’avant dernier morceau de la face B, "DLZ", l’un de mes morceaux du moment, avec voix incisive et rythme conquérant. TV On The Radio ne s’accorde avec aucun name dropping possible. Ce disque est simplement artistique.

En bref : Moins baroque mais plus varié, le troisième TVOTR est l’un des incontournables de l’année, précurseur d’un genre nouveau.
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"Family tree" en dessin animé façon vieux Disney :


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Fabric 43 - Metro Area (2008)

Il sort chaque année des dizaines de compilations mixées de bonne facture, mais je ne m’y attarde généralement pas trop, m’étant aperçu que ces objets résistent mal à l’épreuve du temps, au contraire de vrais bons albums. Pour qu’une telle compile m’intéresse, il faut donc qu’elle soit parfaite : que la sélection soit pointue et que le mix apporte quelque chose de palpable aux morceaux choisis. C’est à ces seules et draconiennes conditions qu’elle peut, de jetable, devenir essentielle.

Malgré quelques inévitables impairs (le Steve Bug... hein Fab ?), la série des Fabric, inspirée par le club londonien du même nom, reste l’une des plus régulières dans la qualité. Sa longévité et sa prolixité parlent pour elle : déjà 43 volumes édités en seulement 7 ans ! Son prestige et son exigence sont tels qu’elle peut se permettre de refuser un mix à des stars comme Justice... Mais venons en au fait : ce 43ème volume, signé Metro Area, est le cd mixé le plus enthousiasmant que j’ai entendu depuis bien longtemps. Je ne peux certes pas faire preuve d’une grande impartialité puisque Morgan Geist et Darshan Jesrani sont parmi mes producteurs préférés depuis leurs premiers maxis. Mais comment nier l’aisance déstabilisante des New Yorkais dans ce délicat exercice d’imbrication ?

On connaissait l’aptitude de Geist à déterrer les perles oubliées du disco déviant et du post-punk depuis son Unclassics de 2004. Ici encore, la plupart des artistes m'étaient complètement inconnus avant écoute. On peut tout de même citer Devo qui clôture le disque d’une improbable manière avec “Freedom of Choice”. Et aussi le violoniste français Jean-Luc Ponty, avec un remix sorti d’on ne sait où, ou encore le Gary’s Gang, génial septet disco du Queens. Du côté des classiques obscurs, le duo de Brooklyn s’est concentré sur le milieu des années 80 (“une période souvent négligée”, dixit Jesrani), furetant de la funk à la new wave en passant par quelques tracks house typés Paradise Garage ou Studio 54, gorgés de piano et de choeurs féminins (l’imparable “I can feel it” de Dreamhouse). Un vrai tour d’horizon de leurs influences. Sont ainsi exhumés les mythiques Heaven 17 (formés d’une partie des anciens de Human League), le vieux combo français de synth-pop Première Classe, ou un “Work for love” de Ministry millésimé 1983 - un morceau exaltant, gavé de breaks et de synthés funky. Notons que tous les titres sélectionnés sont antérieurs à 1990, à l’exception de Feelings 2 (2007), du mystérieux Baby Oliver, dont la rumeur voudrait qu’il soit Morgan Geist lui-même.

Non seulement les Metro Area ont retourné leur pantagruélique collection de vinyles pour en extraire la substantifique moelle, mais en plus ils choisissent généralement la face B ou le “dub mix” ! Un parti pris judicieux puisque ces versions, souvent instrumentales, contiennent davantage d’éléments sonores (surtout des percus), avec lesquelles les DJ peuvent jouer afin de dynamiser le mix et par conséquent, de susciter l’euphorie. L’érudition presque effrayante dont font preuve nos deux disco-heroes n’empêche donc pas ce Fabric 43 d’être un disque de fête intense, au groove addictif. Une respiration bienvenue dans la sélection habituellement très minimale de la série.

En bref : Metro Area à son sommet pour un mix Fabric atypique où disco, new wave et house se fondent en une harmonie éjaculatoire. Voilà qui annonce du très lourd pour le second album du duo, à paraître en 2009.



Tracklist :

01. Babla's Disco Sensation - Ghar Aya Mera Pardesi (Intro)
02. World Premiere - Share the Night (Breakdown Mix)
03. Ministry - Work for Love (Dub Mix)
04. The Disco Four - Move to the Groove (Instrumental)
05. Skratch - You Should Have Known Better (Instrumental)
06. Barbara Norris - Heavy Hitter (Dub Version)
07. Gary's Gang - Makin' Music (Dub Mix)
08. Voyage - Souvenirs
09. Five Special - Why Leave Us Alone (Long Version)
10. Ray Martinez - The Natives are Restless
11. Dreamhouse - I Can Feel It
12. Mascara - Baja (Instrumental Dub Version)
13. Play by Numbers - Cloud Nine (Ready Mix)
14. Midway - Set it Out (Funky Breakdown Mix)
15. Heaven 17 - Penthouse and Pavement
16. Data - Blow (Remix)
17. Atmosphere - Swede's Scandal
18. Wiretap - X-Rated Man
19. Plez - I Can't Stop (Acid Rainforest Mix)
20. Baby Oliver - Feelings 2
21. Jean Luc Ponty - Open Mind (Special Dance Mix)
22. Premiere Class - Poupée Flash
23. Devo - Freedom of Choice

Le Myspace de Metro Area
Ceux de Morgan Geist et Darshan Jesrani
Le site du label Fabric

A lire aussi : Morgan Geist - Double Night Time (2008)


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20 octobre 2008

Rubin Steiner + C.R. Avery + Minuscule Hey - Concert au BT59 de Bordeaux le 18/10/08

Il y a des soirées qu’il ne faut pas manquer. Cette dernière en fait partie. Pour les douze ans d’existence de Platinum, l’aîné des labels indés bordelais, laurent Laffargue a mis les petits plats dans les grands pour promouvoir son écurie au BT59 qui au passage a réservé un accueil inhabituellement peu sympathique du genre fouillage énergique à l’entrée genre on va poignarder Rubin Steiner, passons... Récemment signé, le duo guitare / basse des Minuscule Hey occupe l’espace sonore le temps d’accueillir la foule venue en masse pour être de la partie. Leur prestation à demi convaincante est toutefois de bonne augure pour un début de carrière qu’on leur espère prospère.

C’est ensuite au tour du canadien anglophone C.R. Avery de prendre possession de la scène. Inconnu à mes oreilles, le showman semble apprécié pour ses ambiances bluesy et hip hop (comme quoi rien n’est antinomique), et surtout, je le découvre, pour ses capacités hors norme à exécuter son show en beat box. Qu’il chante ou qu’il joue du piano, c’est avec sa bouche que l’homme pose son beat, sans que cela ne nuise à la narration. Encore mieux, le combo beat box harmonica est véritablement impressionnant. Comment tant de sons arrivent-ils à sortir de là ? Le public établi en esthète ce soir ne s’y trompe pas et rappelle le monsieur. Assez rare non, un rappel de première partie ?

Deux trois bières blondes plus tard, le show Rubin Steiner a du mal à commencer, je n’ai pas bien compris pourquoi, mais apparemment quelqu’un a branché le 1 dans le 4 et le 2 dans le 3, ou alors l’inverse. Toujours est-il qu’une constatation se confirme : un concert avec problèmes techniques donne très souvent lieu à un effet décomplexant et humain généralement suivi de blagues pour détendre l’atmosphère. Effet réussi puisque le public prend son mal en patience et ingurgite la bière de plus pour à présent réellement apprécier le concert. Rubin semble se faire plaisir et enchaîne avec sa bande les morceaux du récent Weird hits, two covers & a love song, pas forcément dans cet ordre là. Les titres les plus efficaces que sont "Another record story", "Kiss Richard" ou "A hit" sont accueillis à bras ouverts, tout comme Mme Douze compagne de Rubin, au micro le temps d’une chanson. Rappel bien-sûr et c’est confirmé, Rubin Steiner ne se prend pas au sérieux et joue avec bon goût un rock ludique et accessible des plus sympathiques.

La suite de la soirée, qui doit se poursuivre jusqu’à l’aurore sur le papier, passe le relais au Père Dodudaboum dont le happy hardcore ne cesse de s’améliorer de jour en jour. A poil sous son tablier (véridique!), il nous éreinte le cou à coup de mélodies et de breakbeats jamais entendus auparavant selon Martial (à l’exception de Dan Deacon selon moi). Une bonne heure de transpiration plus tard, Martial Jesus donc et Rubin Steiner entament le Dj set sensé nous emmener au bout de la nuit. Complètement jouissifs, ils enchaînent sans vergogne du Two Unlimited avec la "Yeah yeah song" des Lips. Nous sommes aux anges. Quatre heure du mat il se fait tôt, c’est l’heure du retour à vélo et de ses réflexions : soirée de l’année !

Le clip de "Another record story" :

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19 octobre 2008

Conor Oberst au Nouveau Casino de Paris - Septembre 2008

Je ne jeterai pas la pierre à Dave. Et pour cause, vais-je vous parler d'un concert qui remonte à plusieurs semaines, que dis-je, un mois aujourd'hui. Quoiqu'il en soit, et même privé d'Internet, impossible pour moi de taire l'intense performance de Conor Oberst, moitié de Bright Eyes, livrée au Nouveau Casino de Paris le 13 septembre dernier. Il fallait simplement trouver les mots justes pour vous la transmettre, exercice périlleux lorsqu'il s'agit de décrire un tel phénomène. En tournée pour son premier album solo, le songwriter du Nebraska n'a pas déçu, c'est le moins que l'on puisse dire, et pendant près d'une heure et demie, littéralement captivé le public – jeune – de la salle de concert parisienne, totalement envahie par la poésie et le spleen kerouac-ien de l'Américain.


En cette prometteuse soirée, le trio anglais Sky Larkin (ci-contre) se charge de la mise en bouche et expose brutalement son rock énergique et noisy. La balance, mal ajustée, relègue la voix de la chanteuse Katie Harkin au second plan et lorsqu'elle parvient ponctuellement à s'exprimer, elle se pare de mauvais accents à la Dolores O'Rioran (feu The Cranberries) ou à la Sarah Bettens (K's Choice), les fêlures en moins. Tout ça est fort déplaisant. Heureusement, Dave Matthews, le batteur du groupe, colmate les brèches et accapare l'attention. Le nounours rouquin, par ailleurs surnommé “Duracell”, sévit sur ses percussions et ponctue chaque claquement d'une sorte de rugissement, faisant ainsi pleuvoir sa sueur sur la scène et insufflant une hargne salvatrice à sa moribonde formation. Ses baguettes brisées témoigneront de sa puissance et de son engagement.


On oublie instantanément ce mignonnet folklore lorsque les Britanniques s'éclipsent, laissant place nette à l'attendu Conor Oberst. Le public, jusqu'à présent distrait, se rassemble et, presque en tension, veille l'entrée de son shaman. Comme lors des précédentes dates de la tournée, aucun titre de Bright Eyes n'est au programme ce soir. Le chanteur d'Omaha interprètera exclusivement les morceaux de son album solo (cover ci-dessous), une mauvaise nouvelle pour les amateurs du groupe mais une bonne occasion d'éprouver la nouvelle inspiration du garçon et son fameux “génie” à la Bob Dylan.



Escorté par ses amis du Mystic Valley Band (oserait-on parler d'un “backing band” ?), Conor Oberst entre sobrement sur scène et lance sans entrefait les premiers accords country de “Sausalito”. Le démarrage est brusque mais lorsque la voix nasillarde du chanteur envahit la salle, le charme agit aussitôt. Autour de moi, on frappe du pied avec assiduité et sérieux, concentré. Les yeux rivés sur l'Américain, suspendu à ses mots. Sur des rythmes au fort parfum sudiste, très “americana” diront les spécialistes, Conor Oberst est éclatant d'éloquence et de hauteur. Depuis les premiers opus de Bright Eyes, sa renommée n'est plus à faire et les comparaisons sont fréquentes avec Dylan. Ce soir, ce parallèle, tarte à la crème des rock critics, trouve son illustration sur “Get-Well-Cards” où la voix du songwriter module avec assurance et noblesse, rappelant certaines envolées de son aîné du Minesota, notamment sur la célèbre “Ballad of the Thin Man” .


Conor Oberst prend peu à peu ses marques, mis en confiance par une assistance fascinée. Il frappe vigoureusement le sol de ses bottes de cow-boy et bondit d'un ampli l'autre la guitare en bandoulière, en communion totale avec ses débridés camarades du Mystic Valley Band. L'ambiance est à la folk song conviviale et rythmée. Son inattendue séance de playback – signe d'un trop grand confort ou d'une trop grande assurance - restera incomprise du public. Mais avec charisme, le chanteur ne perd pas les rênes de la soirée et poursuit de dévoiler les belles partitions de son album, de la sublime ode spatiale “Cape Canaveral” au folk-country entraînant “I don't want to die in hospital” (où l'on pense forcément un peu à Hank Williams).


Sans surprise, le songwriter développe ses thèmes fétiches : le voyage, la route, la fuite, comme en témoignent “NYC-Gone, gone” ou le refrain emblématique de “Moab”, “There's nothing that the road cannot heal”. Non loin du cliché, j'évoquais Kerouac, aussi bien aurais-je pu citer un autre Jack (London) et bien d'autres tant Conor Oberst prend la pose du poète (beat) et tire ardemment sur la corde sensible. Mais en évitant la caricature et l'affront, en digne fils de la respectable Amérique, l'homme impressionne et émeut, s'incrivant, non sans caractère, dans la plus pure tradition folk US. Chapeau bas l'artiste.


Le myspace de Sky Larkin et celui de Conor Oberst

Les sites web de Conor Oberst et du Nouveau Casino



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18 octobre 2008

Rock The Bells - le 10 Novembre 2008 au Zénith de Paris

Evidemment, ça se passe au Zénith et ce sera à coup sûr un joyeux bordel. Mais comment bouder son plaisir lorsque le plus gros festival hip-hop du monde honore Paris avec une affiche comme la France n’en a peut-être jamais connu ? Car c’est bien la crème de la crème du hip-hop intelligent et jazzy qui a été convoquée pour un show s’annonçant en tous points exceptionnel. Avec Scratch, beatboxer virtuose des Roots en guise de monsieur Loyal, les Parisiens assisteront, en plus d’un live des habitués des scènes locales que sont les De La Soul, à trois événements. D’abord, la première performance de Nas en Europe depuis la sortie de son neuvième album, initialement appelé Nigger et désormais sans titre sous la pression de la censure américaine. Ensuite, l’exclusivité des titres d’Extatic, la nouvelle galette de Mos Def, qui trouve encore le temps de rapper entre deux tournages de navets hollywoodiens. Mais surtout, une imprévisible et réjouissante reformation des légendaires californiens de Pharcyde, amputés de la moitié de leurs membres depuis dix longues années.

Rock The Bells, devenu itinérant après plusieurs éditions en Californie, s’est fait une spécialité de ces reformations spectaculaires, rabibochant le Wu Tang et A Tribe Called Quest en 2004, puis Rage Against The Machine en 2007. Voilà ce qui s’appelle utiliser son argent à bon escient. On les en remercie. Seul hic : le prix des billets s’en ressent, de 45 euros (+ frais de location) pour une place dans la fosse à 200 euros pour un “pack VIP”... Mais quand on aime le bon hip-hop, on serre les fesses et on paye.

Lundi 10 Novembre 2008 (veille de jour Férié)
Ouverture des portes à 18h00


Acheter sa place

Dernière minute : Ceux qui auront encore quelques euros à dépenser en cette veille de jour férié pourront se rendre à la Bellevilloise pour l’aftershow du festival, avec entre autres DJ Damage des Jazz Liberatorz et la très talentueuse Stacy Epps. Un beau plateau soul/hip-hop pour poursuivre la nuit de la plus douce des manières
De minuit à l’aube. 15/20 euros (+ frais de loc.). La Bellevilloise, 19 rue Boyer, M° Gambetta / Ménilmontant.

Préventes aftershow
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16 octobre 2008

A Night In Detroit - le 24/10/08 au Bataclan, Paris

Detroit et ses musiciens auront rarement été aussi présents à Paris qu’en ce mois d’octobre 2008. En plus de la présence de Carl Craig à la Cité de la Musique ce samedi et de l’installation multimédia Critical Arrangements réalisée par Jeff Mills pour l’expo sur le futurisme à Beaubourg, le Bataclan nous a concocté ce qui pourrait bien être la soirée techno de l’année en invitant deux des musiciens les plus importants de la Motor City, deux véritables légendes, à savoir Kevin Saunderson et Kenny Larkin.

Le premier, boss du label KMS depuis 1987, est simplement connu pour avoir inventé la techno avec ses amis Derrick May et Juan Atkins. Auteur de deux des hits fondateurs de la house (“Good Life” et “Big Fun”) sous le pseudo Inner City, il s’est fait discret ces derniers temps, même si une série de maxis intitulée History Elevate l’a rappelé à notre bon souvenir grâce à des remixes de Carl Craig, Luciano, ou Loco Dice. Le second invité est l’un des fers de lance de la génération suivante de producteurs électroniques de la Detroit, aux côtés de Jeff Mills ou Robert Hood. De retour avec l’album Keys, Strings & Tambourines sur Planet E, Kenny Larkin aime varier les plaisirs, passant d’un minimalisme proche de celui de son ami Richie Hawtin à une techno soulful sensuelle, selon le moment et l’auditoire. Pour préparer le terrain à ces dieux vivants, Tibo’z, Stephan et le vétéran français DJ Deep semblent tout indiqués.
Dépêchez-vous pour les préventes, car sur place cela risque d’être très chaud !

Tarif : 10 euros en prévente, 15 sur place
Ouverture des portes à 23h30

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15 octobre 2008

The Faint - Fasciination (2008)

Déjà quatre ans se sont écoulés depuis la sortie de Wet From Birth et l'exceptionnelle tournée avec Bright Eyes. Si j'ai certes pu survivre sans The Faint, il m'est difficile de nier l'attente qu'a suscité la sortie de leur nouvelle production, Fasciination. Quatre ans, tout de même. Entre-temps, il y a deux mois, un premier extrait, "The Geeks Were Right", a affolé les blogs : l'electro-rock sombre et profondément sexy du groupe culte et pourtant jamais hype allait faire son retour! Or, l'excitation est aussitôt retombée: un riff facile, des plans synthés déjà servis, une mélodie inconsistante. Alors pour un groupe capable de titres si puissants que l'"Erection" de l'opus précédent, on espérait que ce ne soit qu'une panne. Malheureusement c'est quasiment tout l'album qui est touché par les mêmes symptômes.

The Faint s'est toujours attaché à produire ce son indéniablement new-wave, et à l'assumer jusqu'au bout. Le groupe a ainsi réussi l'exploit de se créer une identité radicale autour d'une esthétique pourtant datée et galvaudée. C'est parce que ses membres ont toujours su, en disciples crades de Dr. Frankenstein, lui donner une matière modelée de leur mains, une épaisseur physique, presque palpable, à coup de guitares tendues, de basses hypersexuées et de synthés liquides et visqueux. Mais leur grande force résidait dans cette capacité de faire de ce son énorme et dense une véritable tuerie grâce à des mélodies intelligentes, directes et imparables. Ce sont ces mélodies tubesques, qui avaient fait de Danse Macabre (2002) une drogue dure, qui font défaut ici. Car au niveau du son, tout est là, resserré, tendu, compact, comme à l'accoutumée. Les synthés et les basses sont sales, et dégagent d'alléchantes odeurs corporelles ("Forever Growing Centipedes"). Mais les chansons ne fonctionnent pas, elles ont perdu ce pouvoir de fascination, elles ont perdu ce qui différenciait la créature de Frankenstein du Golem.

Et même lorsque le groupe s'enfonce dans des couloirs plus electro-goth que post-punk ("Fulcrum and Lever"), la digression ne convainc pas; on ne peut qu'en constater l'inconsistance. Ailleurs, lorsqu'il ressort le plan de la new-wave qui joue du clavier les yeux au plafond ("Mirror Error"), le groupe atteint presque, oui, le ridicule, en évoquant de bien trop près des choses honteuses qu'il vallait mieux laisser aux années 80. Et c'est vraiment regrettable pour un groupe qui avait jusque là accompli la prouesse de l'éviter. The Faint n'arrive plus à terrifier, exciter, et fasciner.

Si l'on se souvient bien, Wet From Birth avait déçu aussi. Il avait déjà, par rapport à Danse Macabre, perdu en intelligence mélodique. Il avait pourtant fini par convaincre, car The Faint y enrichissait discrètement sa palette de couleurs expressionistes, grâce à des cordes judicieusement placées, avec "Southern Belles in London Sing" comme grande surprise pop. Fasciination se rattrape de la même manière, en introduisant une electropop lumineuse parmi les monstres attendus. Nous ne demandions pas, surtout pas, à The Faint une révolution sonore, mais il se trouve que ses seules réussites aujourd'hui sont celles où le son se tord pour tendre vers autre chose. Certes la lumière y est toujours glauque, immondes néons de ruelles crades, mais les créatures évoluent désormais à l'air libre. Ainsi "Fish in a Womb", "A Battle Hymn for Children", et surtout le complexe et jouissif "Machine in the Ghost", s'ils ne sauvent pas le disque, confirment l'efficacité que The Faint peut atteindre. Le reste n'est que paresse.


En bref: Un disque raté, inefficace. Mais trois tueries, les seuls dignes de ce groupe tueur, apportent une lumière inattendue dans les ruelles sales empruntées depuis toujours par The Faint.



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Myspace, et le site.
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La vidéo du fade "The Geek Were Right":


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Slick Rick - The Great Adventures of Slick Rick (1988)

Un jour de 1991, Slick Rick traverse New York en voiture avec sa femme lorsqu’il aperçoit son cousin, qui aurait menacé sa famille et tenté de lui extorquer de l’argent - les circonstances restent troubles. Sans hésiter, il pioche un calibre 38 dans le véritable arsenal planqué à l’arrière de sa caisse (deux Tech 9, deux automatiques calibre 25, un 38 et un fusil de chasse !) et abat froidement sa cible. Emprisonné puis relâché en 1997, le citoyen britannique, né à Wimbledon, entame alors un long combat contre les services d’immigration américains qui l’accusent de fouler illégalement le territoire. La lutte devient plus âpre encore après le 11 septembre 2001 et les lois répressives qui en résultent. Le rappeur ne peut éviter un nouveau tour par la case prison. Il ne sera lavé de ses fautes et laissé en paix que très récemment, le 23 mai 2008, jour où le gouverneur de New York lui accordera un pardon inconditionnel.

Outre ces déboires judiciaires qui vous campent déjà son personnage, l’extraverti Richard Walters est connu pour son look unique : en plus d’un bandeau de pirate sur l’oeil droit (il s’est blessé lorsqu’il était enfant), il porte des bijoux plus lourds que lui et, quand ça lui chante, une couronne comme couvre-chef. Mais il est surtout, avec Kool G Rap, le roi du storytelling hip-hop, une sorte de griot urbain accro aux métaphores et autres paraboles. A cet égard, The Great Adventures of Slick Rick, l’un des rares disques à avoir obtenu les “five mics” (la note parfaite) dans The Source, peut faire figure de manifeste. Ce premier album s’apparente en effet à un recueil de fables, généralement assez salaces, narrées par un Rick à la voix aigue et chantonnante. Concentré d’humour graveleux émaillé de misogynie et de violence, il contient le célèbre “Treat her like a prostitute”, qui n’a pas fait que des ami(e)s à son auteur. Il faut avouer que cette variation autour de l’éternel leitmotiv “Toutes des salopes” n’est pas des plus finaudes, mais reconnaissons aussi que c’est plutôt rigolo, un peu comme ces histoires de mac imaginées par le Californien Too Short : du pur entertainment à prendre au énième degré. Dans le même genre, “Lick my balls” se passe de commentaire.

Si les productions de Hank Shocklee, Eric Sadler et DJ Wance Wright sont aujourd’hui un peu datées, on ne peut que souligner leur richesse et leur côté burlesque, qui inspirera quelques années plus tard Prince Paul pour son travail avec De La Soul. Mais les meilleures prods du disque émanent de Slick Rick lui-même. “Children’s Story”, pour ne citer qu’elle, fit un énorme carton et fut samplée par Montell Jordan pour son hit planétaire “This is how we do it”. Construite à partir de samples de Bob James et Lynn Collins, la chanson raconte sur un beat percutant les mésaventures d’un petit malfrat poursuivi par les flics et qui finit, après s’être crashé contre un arbre, par menacer une femme enceinte. Une drôle d’histoire à raconter à ses enfants avant d’aller se coucher. Cette désinvolture et ce contraste permanent entre des instrus pleine de candeur et des paroles souvent explicites font tout le charme de ces aventures qui restent à ce jour les plus intéressantes de Slick Rick, suivies de près par son dernier album en date, The Art of Storytelling (1999).

En bref : Accent british, voix fluette et ton précieux, Slick Rick est un cas unique dans le hip-hop américain. Son premier album a posé les bases d’une nouvelle écriture rap, centrée sur la narration, que la génération suivante, de Nas à Snoop, a exploité avec le succès que l’on sait.



Le clip de “Children’s Story”


Le classique “La Di Da Di”, premier maxi de Slick Rick et de son partenaire des débuts, Doug E Fresh. Le live a été enregistré récemment.


Son Myspace
Un site de fans

A lire aussi : The Pharcyde - Bizarre Ride II the Pharcyde (1992)
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Songs: Ohia - Magnolia Electric Co (2003)

Comment ai-je pu vivre sans ce disque? Il y a encore quelques mois, Songs : Ohia n’était pour moi qu’une série de pochettes intrigantes croisées ici ou là dans un disc shop. Et sans savoir pourquoi, un jour, je commande The Lioness et Magnolia Electric Co. Deux disques différents dans la carrière de Mr Jason Molina, et deux disques tout bonnement indispensables. Alors que le premier donne lieu à une mélancolie minimaliste et névrosée en collaboration avec ses amis d’Arab Strap, le deuxième (qui est en fait le dixième) est tout simplement le disque folk des 00’s. Huit morceaux intransigeants, élégants et envoûtants du niveau de ce que Neil Young a fait de mieux (ici période Zuma). Car même si Will Oldham et Bob Seger sont invoqués, c’est bel et bien l’ombre du Loner australien qui plane au dessus de ce disque, c’est peu dire.

Entouré pour l’occasion de neuf musiciens dont trois chanteurs, Magnolia… bien que vampirisé par le génie de Molina est une œuvre collective où l’on peut entendre les douces voix de Scout Niblett et Lawrence Peters égrainer en mid tempo les textes du songwritter désormais débarrassé de son obscurité et de son pessimisme. Sa voix à lui, expressive et passionnée (les sept minutes poignantes et inspirées de "Hold on Magnolia") est d’une limpidité exemplaire. Un effet rendu possible par un enregistrement quasi live et un mixage serein de Mr Steve Albini himself. Dès les premiers slides énormes de pedal steel sur "Farewell transmission" (morceau le plus puissant jamais écrit par Molina), la machine americana est lancée, toujours fière et porteuse d’un romantisme exacerbé par des riffs de Les Paul. Magnolia Electric Co ou l’histoire d’un changement de direction qui prend aux tripes et qui tient en haleine à chaque seconde. Passionnant.

En bref : le génie Molina sort son disque le plus osé à ce jour, auréolé d’une lumière à caractère unique, l’un des cinq disques folk des dix dernières années assurément.
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A lire aussi : Silver Jews - Lookout mountain, lookout sea (2008)
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"Farewell transmission", forcément :


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14 octobre 2008

Elliott Smith - Figure 8 (2000)

Plongez-vous dans vos discothèques, et vous verrez que l'année inaugurale des 00's fut assez terne, et que peu de disques méritent de rester au panthéon de nos anthologies persos. C'est la raison pour laquelle ce 5ème et ultime album d'Elliott Smith de son vivant constitue véritablement l'une des rares oasis de l'année 2000 à laquelle venir s'abreuver a posteriori.
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Trop jeune, trop doué, trop tourmenté, les qualificatifs n'ont pas manqué pour décrire l'univers sombre et sans issue de l'auteur-compositeur révélé par la bande-son de Will Hunting, laquelle piochait entre autres dans l'excellent Either/Or (1997).
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Une chose est sûre : entre autres balladins indécrottables de la culture pop/folk US, les Adam Green ou autres Ron Sexmith, l'homme au visage taillé à la serpe figurait indubitablement parmi les plus cruciaux de son époque ; il n'en est que plus regretté aujourd'hui !
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Qui d'autre que lui a su à ce point reprendre l'étendard lennonien -cette voix, ces inflexions déchirées, toujours à la limite de la rupture ? Sur Figure 8, dont le titre est un clin d'oeil à une figure prisée des skaters, cet art est poussé à son comble. Même sur "Son Of Sam", pourtant peu avare d'accords majeurs, la fêlure est au rendez-vous, ne serait-ce qu'au son de cet orgue triste qui sert d'ouverture. Le même constat vaut pour le superbe "Happiness", faussement apaisé, enchaîné à la mandoline mélancolique de "The Gondola Man".
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L'artiste ne se complait donc pas dans des mid-tempos larmoyants, mais au contraire, sait envoyer la sauce sur les très entraînants "Junk Boy Trader" et "L.A" et ses scratchs de 6 cordes !_Mais il est vrai que dans l'ensemble, l'album suit une linéarité descendante dans l'humeur. Plus les morceaux défilent, plus les pianos et orgues émergent en de poignantes mélodies ("Cold Bars", "Pretty Mary K."), jusqu' au souffle du final hanté de ce "Bye" prémonitoire.
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Ce qui restera cependant à mes yeux la quintessence de l'art d'Elliott, c'est cette voix en apparence distante et déjà "ailleurs" sur ce qui constitue la plus belle réalisation Smithienne, à savoir l'affolante et alambiquée mélodie de "Everything Means Nothing To Me". A elle seule, elle résume tout le nihilisme ainsi que la sourde beauté de ce disque.
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En bref : aucune avant-garde, aucune expérimentation ici ; simplement des chansons, des refrains à pleurer, et dont la beauté évidente remue longtemps après écoute. Un classique.




Le site off d'Elliott , un très bon site français de l'artiste ainsi que le Myspace à la gloire de New Moon
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A lire aussi : Elliott Smith - New moon (2007)
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"Stupidity Tries"

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The Mumlers - Thickets & stitches (2008)

Il était une fois un groupe californien à l’imagination galopante, au talent sans fin et à la classe étincelante, les Mumlers (en hommage à un vieil homme qui voyait des fantômes). Sorti cette année sous le label Galaxia de Santa Cruz, ce premier effort du frontman Will Sprott et ses potes (au nombre de six) peine à s’inscrire dans une case, et c’est là toute son originalité. De par ses instruments divers et variés (tuba, accordéon, dobro…) on pourrait penser à une folk orchestrée à la Beirut, Lambchop ou Calexico mais ça ne suffirait pas. Si l’on regarde les premières parties de concerts qu’ils ont réalisées on tombe sur Yo La Tengo et Clinic, mais ça ne suffit toujours pas. En fait les Mumlers sont uniques et se dévoilent complètement après de multiples écoutes, tout en étant jouissifs dès la première, la classe non ?

L’une des forces de cet album est donc la multiplicité des genres. Lorsque repart la face B, "Untie my knots" nous plonge dans le Berlin des années 30, sur fond d’accordéon., alors que la face A débute sur un "Dice in drawer" dans la grande tradition du folk triste américain. Mais vous avez aussi "Whale song" où Will Sprott porte en lui l’héritage d’un Tom Waits ou d’un Randy Newman. Enfin et parce qu’il faut bien s’arrêter quelque part, "Shake that medication" semble échappée du catalogue Motown avec sa soul teintée de chœurs enfantins et de handclaps. Aussi pop que blues et jazz que rock, le premier effort des Mumlers mérite qu’on prenne le temps de le découvrir, tant pour le talent de ses compositions que pour l’aspect "divertissement de qualité".

En bref : En s’affranchissant des barrières des genres, sept californiens sortent un disque riche et complet accessible dès la première écoute.
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Le site officiel et le Myspace
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A lire aussi : Jeffrey Lewis - The last time I did acid I went insane (2002)
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"Hush" en Merc Sessions :


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13 octobre 2008

Fleet Foxes - s/t (2008)

Cette très belle peinture de l'école Flamande, oeuvre de Bruegel l'Ancien orne le premier effort des américains de Fleet Foxes qui affolent tout ce que la critique compte d'indé en ce moment. Partout ne pleuvent que dithyrambes, panégyriques de la part de plumitifs dont on pourrait croire qu'ils nous ont décelé la trouvaille de l'année, n'était leur propension à s'approprier certains groupes, on appelle ça la hype... pour mieux les vilipender quelques années plus tard !

A les entendre s'esbaudir sur le contenu de ce groupe aux contours d'Amish qui ne dédaigne pas les a cappella et autres harmonies vocales (ça vous rappelle-t-y pas un groupe 60's mythique ?), la généalogie des apprentis barbus folkeux serait en perpétuel renouvellement ! Alors que finalement, des groupes comme les Fleet Foxes, il suffit de secouer les branches de l'arbre indé US pour en faire tomber des grappes !

Ce constat peu amène n'aurait aucun intérêt en soi, s'il n'avait pour but de démystifier l'appel de la nouveauté, la caution de l'originalité que trop de critiques besogneux défendent, avec plus ou moins de mauvaise foi mercantile.

Il n'est du reste pas question de nier ses qualités d'écriture à ce disque, tout au plus d'en souligner les limites. Celles induites par l'emphase parfois assommante que plombe sur certains morceaux la voix du chanteur-leader, Robin Pecknold, sorte de Chris Martin d'outre Atlantique. Où la voix chaude et vibrante du chanteur de Coldplay, rivaliserait d'efforts pour faire ramener, au hasard, les Arcade Fire au rang des subtils Offspring !

"Sun It Rises", à cet égard, place la barre haut en ouverture, avec son chant a capella, la chanson aux airs d'hymne (pas fait exprès) qu'est "White Winter Hymnal" sonne comme du chant grégorien gonflé à la testostérone ; bon c'est parfois émouvant comme sur le très beau "Tiger Mountain Peasant Song" que ne désavouerait pas le meilleur Simon and Garfunkel!
Ca peut même donner des frissons, comme sur ce "Your Protector" à la ferveur non feinte qui renoue avec la meilleure tradition folk-gospel américaine façon Tim Buckley, et j'oublie deux ou trois autres chansons tout à fait dignes et pas forcément si lyriques -d'aucuns diraient ampoulées !

Mais au pays (au sens large et continental) des Arcade Fire, BB(non, non pas Brunes !), Zombies, TV On The Radio, Wilco, et je fais volontairement l'omission de groupes indés en vogue, on a donné dans le registre vocal virtuose et habité, et en ce qui concerne Fleet Foxes il n'y a pas encore lieu, malgré d'indéniables aptitudes à donner dans le pastoral fiévreux et lettré, de se réveiller la nuit ! Dans le même genre par exemple, je retourne illico vers mes chers Kingsbury Manx, dont on annonce le retour imminent. Voila. La prochaine fois, peut-être ?

En bref : Toujours cette agaçante façon de nous faire découvrir LE groupe qui sort du lot, et que nous n'aurions pu choisir nous mêmes. La vérité est toute autre : un groupe des plus respectables, mais qui en fait des tonnes, et dont il existe moult déclinaisons pour l'instant supérieures !



Acheter Fleet Foxes - s/t chez l'International Records

A lire aussi : Bodies Of Water - Ears will pop and eyes will blink (2008)_"White Winter Hymnal"

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Nick Cave & The Bad Seeds - Dig !!! Lazarus Dig !!! (2008)

Foin d'exhaustivité, mais à DODB, on aime bien évoquer le plus de musiques possible, surtout à partir du moment où comme le défendait si bien JJG, "la musique est bonne et qu'elle ne triche pas" ! Sur ces entrefaites, et compte tenu qu'à l'orée de l'automne, les sorties de galettes se bousculent au portillon, je ne vois pas de raison valable de passer plus longtemps sous silence cette livraison de notre australien moustachu préféré sortie en début d'année, la 14ème du nom !

Dig !!! Lazarus Dig!!! donc, qui annonce comme toujours chez Nick Cave la connotation biblique de l'oeuvre, véritable obsession spirituelle et esthétique de l'artiste, ce qui au passage explique en quoi ses textes sont si hautement littéraires et continuent de voler si nettement au-dessus de la mélée, ne s'annonçait pas forcément si enthousiasmant ! La preuve en est cette modeste pochette de néons qui délaisse le traditionnel portait du maître présent sur de nombreuses livraisons !

Et puis, on a quitté l'ex-Birthday Party, sur un projet bluesy quelque peu déconcertant, le bien nommé Grinderman, dont les deux principales nouveautés étaient le retour au son rêche et distordu des débuts, ainsi qu'au port nouveau et désormais tendance de cette fameuse moustache !

Or, disons-le tout net : Ce nouvel effort surpasse non seulement le précédent, mais mérite également de figurer parmi le Top 5 de l'oeuvre de Cave ! Ce constat est d'autant plus éloquent que votre serviteur n'aime jamais tant le Nick que quand il se fait crooner et délaisse les aspérités musicales pour des sons plus doux empreints de classicisme feutré !

Le classicisme feutré se pose un peu là en l'occurence, puisque Dig.... est tout simplement ce que les Bad Seeds ont produit de plus garage, de plus destroy dans le son depuis des lustres, sans doute depuis les lointaines époques de The Mercy Seat (1988) ou de Let Love In (1994). Et comme toujours chez Nick Cave, la mélodie, l'harmonie sont néanmoins à l'honneur !

Dès le morceau titre, irrésistible, et scandé par ces vieux grognards que sont Harvey ou Casey, l'on comprend que le propos est au rentre-dedans ; le tout alors que la voix de Cave est d'une clarté et d'une justesse exemplaire, loin des borborygmes d'autrefois ! Guitares un peu crades, batterie souple, orgue aigrelet et limite baveux, tous les ingrédients d'un bon cru rocker sont présents ! Sur "Today's Lesson", ma préférée, Nick Cave et ses hommes font une démonstration d'unité de groupe ; tout est à sa place, les choeurs, les breaks, les glissandos de basse, hourrah !

La première face confine au sans-faute, avec notamment cet excellent et tribal "Night of The Lotus Eaters" à la basse tourbillonnante, à la distorsion menaçante. "Albert Goes West" clôture l'affaire sur un rythme endiablé, avec des "tou-dou, tououou-dou-dou" roboratifs !

La face B, sans doute plus austère et moins excitante, contient néanmoins son lot de perles, parmi lesquelles "We Call Upon The Author"où Cave se fait à nouveau imprécateur, ou bien le désabusé mais dur au mal "Midnight Man" que parachèvent de belles notes d'Hammond.

En bref : On ne reste que très rarement sur notre faim avec un album de Nick Cave, et ce nouvel opus en est la preuve : voici un groupe plus soudé et inspiré que jamais. Un Bad Seeds qui renoue avec la vieille tradition électrique.


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